ANTITELEJORNAL

Soulfly em Goiânia

2012-02-25T10:27:00.004-02:00

Ontem foi mais uma noite histórica na capital goiana. Isto porque tivemos a oportunidade de receber uma das maiores lendas do metal nacional. Estamos falando de Max Cavalera um dos responsáveis pela criação da maior banda de thrash metal que já existiu neste país, o Sepultura. Ele veio com sua "nova" banda, que montou logo depois da confusão com o irmão Igor que o obrigou a deixar o Sepultura. Ele então foi viver nos EUA a por lá montou o Soulfly, que mantinha a pegada Sepultura e acrescentava muito de ritmos de percussão, que sempre foi uma das marcas do Sepultura.

Aliás, a sombra do Sepultura parece não deixar Max tão fácil. Isto porque aproximadamente metade do show do Soulfly foram com clássicos da banda brazuca. Arise, Dead Embrionic Cells, Roots Bloody Roots, Inner Self, Territory, Refuse Resist fizeram a alegria da galera. Entre as músicas próprias, Tribe e Eye for an Eye foram as mais festejadas. Max mostrou que continua com fôlego e porque pode ser considerado um dos melhores frontmans do gênero no mundo todo. Mas houve espaço também para as novas gerações. Os filhos de Max, Igor Júnior e Zyon Cavalera fizeram participações no show e mostraram que foram bem ensinados pelo papai.

Quem chegou cedo no local ainda pôde conferir duas ótimas banda de abertura. Figurinhas carimbadas em Goiânia, os paulistas do Claustrofobia aportaram mais uma vez por aqui, desta vez para lançar seu novo disco, Peste. Pra mim esta é uma das melhores bandas de thrash da atualidade e mais uma vez mostraram isto em cima do palco. Logo após foi a vez do Kamura, banda de Goiânia que a julgar pelas reações do público, ainda é um pouco desconhecida do público goiano, mas mesmo assim fizeram o aquecimento para o prato principal que viria pela frente.

Confira as Fotos deste show

Mídia a Serviço do Poder

2012-02-20T10:44:00.005-02:00

É inegável o poder que a mídia exerce sobre a população nos dias de hoje. Refiro-me aos veículos da grande massa, em especial as emissoras de TV aberta, revistas informativas e jornais. Com uma super estrutura, estes veículos conseguem atingir boa parte de nossa população, que absorve tudo o que é transmitido. Devido à falta de censo crítico deste grande mercado consumidor, a mídia acaba se tornando uma forma de manipulação da opinião pública, transmitindo as ideologias dos grupos dominantes de nosso país.

Isto pode ser percebido na forma com que a grande mídia aborda os diversos problemas sociais, não só no Brasil como no mundo todo. Tomemos como primeiro exemplo os movimentos sociais no Brasil, em especial o Movimento dos Sem-Terra (MST). Na agricultura brasileira ainda prevalece o sistema colonial, que é o de grandes propriedades destinadas à exportação. A terra está concentrada nas mãos de poucos, e com a inserção de novas tecnologias no campo, hoje temos milhares de trabalhadores que foram dispensados vivendo nos grandes centros urbanos, aumentando cada vez mais o número de marginalizados sociais.

É neste contexto que surge o MST, com o objetivo de lutar pela reforma agrária, ou seja, pela redistribuição das terras para que todos tenham o direito de trabalhar nela. Mesmo sendo um movimento que luta por justiça social, grande parte de nossa população tem uma visão negativa dos Sem-Terra, por conta da imagem que lhes é passada pela grande mídia. Criminalizados e classificados como baderneiros, invasores e assassinos até, os Sem-Terra são sempre mostrados como uma ameaça à população, uma ameaça à segurança pública. Nossa sociedade, neste aspecto, se mostra contrária às revoluções sociais, e prefere ficar ao lado de quem está no poder e contra os trabalhadores.

No contexto internacional percebemos a ação da mídia quando ela trata da questão da guerra contra o terrorismo. Se você reparar bem, verá que a mídia encara de modos bem diferentes os ataques que os norte-americanos fazem dos que eles sofrem. O ataque às torres gêmeas do World Trade Center foi classificado como um ato terrorista, uma barbárie injustificável, enquanto que a ofensiva norte-americana no Afeganistão foi uma forma de se fazer justiça. Perceba o vocabulário usado em cada um dos casos, desde o "ataque" aos Estados Unidos até a "ofensiva" norte-americana. Estes são termos usados pela própria mídia, que denunciam claramente de que lado eles estão.

A mídia atribui os motivos dos ataques ao fanatismo religioso islâmico, e acaba por encobrir os verdadeiros motivos que geram todo este ódio aos Estados Unidos e levam estes islâmicos à se sacrificarem nestes ataques suicidas. Este motivo poderia ser resumido em uma única palavra: Imperialismo, mais conhecido hoje em dia como Globalização. É este imperialismo que financiou terroristas no oriente médio para atacar a ex União Soviética, estes mesmos terroristas que atacam os Estados Unidos hoje; este imperialismo que domina e explora as economias e políticas dos países mais pobres; e este mesmo imperialismo que quer tirar a soberania dos países latino-americanos agora impondo tratados que garantam a América Latina como curral comercial dos norte-americanos. Afinal de contas, o que é terrorismo e o que não é?

Com a força que tem, o papel da mídia não deve se resumir ao de informar, como também cabe a ela o papel de ajudar na educação e conscientização de nosso povo. Mas o que ela faz é justamente o contrário. A mídia aliena nossa população, ela espalha a política da conformidade, da aceitação, e no fim das contas, acaba ajudando aos burocratas que estão no poder a manter este poder e a manejarem toda a massa que compõe nosso grande país.

O Retorno dos Jedi

2012-02-11T21:00:00.000-02:00

Não cresci assistindo Star Wars, apesar de ser da minha época. Portanto não fui um idólatra da série como a maioria da geração que nasceu nos anos 80. Mas soube reconhecer seu valor depois de grande. Fui conhecer realmente a série no lançamento dos novos episódios. Vi os três novos episódios no cinema e desde então passei a pesquisar tudo o que se relacionasse com a série. Como não poderia deixar de ser, a história dos Jedis e sua luta política me fascinou, e passei a me considerar então um maníaco por Star Wars.

Recentemente revi a série toda como acho que deve ser, na ordem em que foram feitos. Para quem não sabe, o primeiro episódio de Star Wars, lançado em 1977, é na verdade apenas o quarto episódio da história, em ordem cronológica. Foi seguido por dois filmes, que receberam os subtítulos de "O Império Contra-Ataca" e "O Retorno dos Jedi". Assim, George Lucas gravou primeiro os episódios 04, 05 e 06 da saga, que é a trilogia clássica que nós conhecemos.

Nestes episódios, a galáxia está dominada por um sangrento imperador, o Lord Darth Vader (James Earl Jones), que tenta esmagar todos os rebeldes que ousam se opor ao seu domínio. Construindo uma arma que promete aniquilar totalmente planetas inteiros, a Estrela da Morte, Vader pretende com ela por um fim à guerra com os rebeldes. Mas uma nova esperança surge quando o jovem Luke Skywalker (Mark Hamill) se encontra com o velho Ben Kenobi (Alec Guinness), um ancião que vive isolado nas montanhas. O velho Ben fala a Luke de uma antiga religião que ensinava aos jovens como lidar com a Força, uma espécie de força cósmica que existe dentro de alguns seres e lhes dão poderes especiais. Aliado à princesa Léia (Carrie Ficher) e ao contrabandista Han Solo (papel clássico de Harrison Ford), Luke nos filmes seguintes lutará contra o Império e fará importantes descobertas, como a de que Vader na verdade é seu pai, e que a princesa Léia é sua irmã.

Somente no final dos anos 90 foram gravados os primeiros episódios da história. Isto é interessante pois nos dá uma perspectiva interessante de tudo. Ao invés de conhecermos ela desde seu início, na verdade primeiro conhecemos seu desfecho, para depois descobrirmos seu início. Nos três primeiros episódios da nova série, intitulados respectivamente "A Ameaça Fantasma", "A Guerra dos Clones" e "A Vingança dos Sith", conhecemos a história de Anakin Skywalker (Jake Lloyd quando criança, Hayden Christenssen quando adulto), um jovem Jedi com poderes superiores e que viria a se tornar no futuro, o temido Darth Vader.

Anakin sempre foi um Jedi diferente. Acostumados a abrir mão de suas vidas em nome da obediência à ordem Jedi, desde o início Anakin mostrou dificuldades em abrir mão daqueles que amava, além de ser extremamente passional e egocêntrico. Tais características serão fatais no destino do jovem Ani, e farão com que ele busque mais poder para salvar aqueles que ama no lado negro da força, tornando-se assim um dos mais poderosos Lordes Siths que já existiu, exercendo seu poder junto ao imperador da galáxia.

Outro ponto de destaque de Star Wars é sua conotação política. O enredo em que nosso personagens estão inseridos nos mostra como a política pode ser difícil, mesmo numa democracia assumida. A República é o modelo de governo vigente, e os planetas são administrados por um senado, com membros de vários planetas diferentes. Juntos eles tomam as decisões que acham necessárias para manter a paz na galáxia. São auxiliados pelo conselho Jedi, que serve ao senado mas tem certa independência. Quando um grupo de separatistas, liderados por um lorde Sith, começa a ganhar força entre vários planetas, uma guerra se torna inevitável. Assim, os exércitos de dróides (robôs) dos separatistas serão confrontados por um exército de clones (seres humanos clonados produzidos e condicionados para servir e lutar) a serviço da república.

A fim de explorar mais o contexto destas guerras, conhecidas como guerras clônicas, George Lucas produziu recentemente uma série de animação que se passa exatamente durante tais guerras. Com duas temporadas, nela podemos conhecer melhor detalhes da ordem Jedi, dos clones e de vários aspectos da República. É interessante conhecermos outros guerreiros Jedi, não só aqueles mostrados nos filmes, mas vários outros cavaleiros Jedi, de várias espécies diferentes. Alguns episódios mostram o dilema dos clones e sua situação, nascidos para obedecer, mas nem sempre todos se submeteram a isto de forma fácil, alguns preferiram escolher sua própria vida e alguns até se renderam ao inimigo.

Nestes episódios também as características, digamos, controversas de Anakin são exploradas, agora em sua relação com uma jovem aprendiz que é colocada sob seus cuidados. Ahsoka Tano, sua jovem Padawan (que é como chamam os aprendizes), é uma jovem inteligente e rebelde, assim como seu mestre, e juntos os dois resolvem muitas batalhas (e se metem em muitas confusões também), e vemos assim a evolução do caráter de Anakin que culminaram na sua transformação no terceiro episódio desta nova saga, o filme mais sombrio e perturbador de todos.

Cego pela possibilidade de salvar da morte sua amada Padmé (Natalie Portman), grávida dele e que segundo as visões de Ani, iria morrer no parto, Anakin se volta contra todos, contra a república, contra o conselho Jedi e até mesmo contra seu antigo mestre, Obi-Wan Kenobi (Ewan McGregor), para buscar no lado negro da força um meio de salvá-la. Ambos terão uma batalha final digna da série, em que Anakin terá suas pernas e braços cortados, e metade do corpo queimado, obrigando-o a usar a roupa especial que marcou a antiga série como um dos vilões mais cultuados de todos os tempos.

No final, Star Wars é a história de Anakin Skywalker, desde seu nascimento, sua transformação em Darth Vader, até sua morte para salvar seu filho, cumprindo assim a profecia que dizia ser ele o responsável por trazer equilíbrio à força acabando com o lado negro. Só não seria do modo como os Jedi haviam previsto. A história de Anakin e dos Jedis nos deixa algumas lições. A de que o apego em excesso pode nos levar a tomar caminhos que nem sempre são os mais corretos. Devemos nos apegar, mas também saber a hora de seguir em frente. Sabedoria para saber a hora certa não é fácil, mas com paciência sempre poderemos alcançar nossos objetivos. Esta é a maior lição que os Jedis nos deixam, mas que o jovem Anakin se recusou a aprender.

Heresia ou liberdade de pensamento?

2012-02-09T21:28:00.005-02:00

Nossos tempos são marcados pela liberdade. Diz-se que todos tem o direito de falar e fazer o que bem entender, mas na prática sabemos que não é bem assim. O fato de podermos agir conforme nos parece correto não implica em ser bem aceito pela sociedade. E quando esta liberdade entra no âmbito religioso, a situação se complica ainda mais. O fantasma do catolicismo ainda assusta a todos. Outras religiões, especialmente no Brasil (maior país católico do mundo), não são vistas com bons olhos. Isso intimida nosso povo e faz com que muitos que não tem crença alguma acabem se dizendo católicos, apenas para ser aceitos. A soberania da igreja não é mais contestada nos dias de hoje. Mas nem sempre foi assim.

Na idade média por exemplo surgiram vários movimentos de caráter contestador, que procuravam ir contra as idéias católicas. Entre estes movimentos chamados heréticos, destaca-se um grupo que ficou conhecido como os Cátaros, que dominaram o sul da França durante os séculos XII e XIII principalmente, especialmente na região de Toulouse. A adesão ao movimento Cátaro nesta região foi total. Raimundo V, conde de Toulouse, em carta ao abade Alexandre dizia que "as famílias estavam divididas, os sacerdotes depravados com a nova doutrina, as igrejas em ruínas, ninguém mais batizava seus filhos, a eucaristia era rejeitada, não se acreditava mais na criação do homem como rezava a bíblia e todos os sacramentos da igreja eram considerados inúteis."

Um outro movimento herético desta época, conhecidos como Bogomilos, acreditavam ser o mundo uma criação do demônio. Este era o filho mais velho de Deus, chamado Satanael, que teria se revoltado contra seu Pai e por isto sido expulso do céu. Foi então que ele criou a Terra e um segundo céu, onde reinaria como deus. Para povoar seus domínios, ele criou Adão e Eva, e fez um acordo com Deus, para que ele soprasse a vida em suas criaturas, prometendo que elas seriam de propriedade de ambos. Essa lenda explica por que eles acreditavam que o corpo (matéria) era má, e por isto o contato com os prazeres carnais prejudicava o espírito, que era a parte boa do homem. Isto fazia com que muitos se tornassem monges, vivendo enclausurados e se privando da vida em sociedade, e em conseqüência dos prazeres terrenos.

Outro ponto bastante interessante era a polêmica em torno do Cristo. Alguns diziam que ele havia sido um anjo, nem filho de Deus nem de homem, somente um pregador. Outros já o consideravam um homem comum, filho de pais terrestres e sem qualquer caráter divino. Em ambos os casos ele não era considerado um salvador, mas apenas um profeta. Isso demonstra que Cristo nem sempre foi uma unanimidade. A falta de provas concretas acerca de sua existência é que deixa esta brecha para muitas outras interpretações sobre sua obra e sua existência.

É interessante notarmos como a Igreja nem sempre ao longo da história conseguiu dominar o povo com suas teorias. Já houve quem ousasse se contrapor a suas idéias, mesmo tendo sido a maioria queimados pela santa inquisição. Mas eles nos deixam uma lição. A lição de que nós não devemos aceitar tudo que nos empurram como verdade absoluta. Desconfiemos da Bíblia, desconfiemos de Deus, desconfiemos de nossos pais, de nossos professores, e de tudo o que nos disserem. Desconfiar significa parar pra pensar, analisar, e só então aceitarmos ou não. Só assim conseguiremos não ser manipulados. Só assim conseguiremos ser realmente livres.

Os Maiores Hinos do Rock

2012-02-07T22:27:00.000-02:00

Hoje fiz um projeto ousado. Tentei criar uma coletânea com os maiores hinos do rock'n roll mundial. A ideia não era colocar as músicas que fizeram mais sucesso, nem as que venderam mais discos. A ideia era simplesmente colocar músicas que eu acho fodas, daquelas que você acaba de ouvir e dá vontade de ouvir de novo, e sem parar. Nada de músicas óbvias. Já tinha algumas na cabeça e fui navegando por minha biblioteca de músicas a procura de outras. Quando terminei de selecionar, haviam nada menos do que 92 músicas na pasta. É música pra mais de metro. Cortando uma aqui, selecionando outra ali, cheguei no número de 80 músicas, divididas em 05 álbuns com 16 cada, cada um com características diferentes. Estou disponibilizando aqui os álbuns pra baixar, além de uma pequena resenha de cada um. Espero que gostem.

CD 01 - Classic Rock

Este é o meu favorito. Nele procurei reunir músicas mais clássicas do Rock tradicional, com bandas anteriores aos anos 90. Para começar, nada melhor do que pode ser considerada pra mim o maior hino do rock mundial, a música Separate Ways, da banda Journey, seguida de Space Oddity, de David Bowie, e Come Together, dos Beatles (que aqui optei por colocar a versão ao vivo de John Lennon em New York). Poison, de Alice Cooper e Beds are Burning, da banda Midnight Oil completam as cinco primeiras. No restante do álbum temos Strokes, Jethro Tull, White Stripes, Kiss e muito mais.

CD 02 - Hard Rock

No segundo álbum, um estilo mais pesado, com bandas que podem ser consideradas do gênero Hard Rock, com algumas exceções (como Linkin Park, só porque acho essa música deles muito foda). O álbum começa com a pedrada Whole Lotta Rosie, do AC/DC, seguida de Kids Wanna Rock, do Bryan Adams e From Out of Nowhere, do Faith No More. Neste álbum temos também algumas bandas clássicas como Skid Row, Nirvana, Bon Jovi, Deep Purple, Led Zeppelin, Accept e até uma palinha dos brasileiros do RPM (pra mim única banda de rock oitentista autêntica que este país já teve).

CD 03 - Covers

Este talvez seja o álbum mais interessante de todos. Aqui procurei reunir versões e covers interessantes do rock, seja de bandas de rock ou até mesmo de pop music. Pra começar o cover foda da banda Alien Ant Farm para a música Smooth Criminal, do rei do pop Michael Jackson, seguida por uma versão de Wicked Game, de Chris Isaak executada pela banda HIM, e Sweet Dreams, dos Eurythmics feita pelo Marilyn Manson. Entre outros destaques deste álbum, a versão metal de Still Loving You dos Scorpions feita pela banda Sonata Arctica, Take on Me do A-HA feita pelo Vision Divine e talvez a mais inusitada de todas, It's a Sin, dos Pet Shop Boys executada pelo Gamma Ray. Entre os brasileiros temos o Biquini Cavadão tocando Tainted Love, do Soft Cells, e o Angra com uma cover de Mama, do Genesis.

CD 04 - Metal

O quarto álbum é o mais pesado de todos, dedicado aos grandes hinos do metal mundial. O álbum abre com as quatro maiores bandas do gênero: Black Sabbath, N.I.B., Iron Maiden com 22 Acacia Avenue, Judas Priest com Turbo Lover e Metallica com For Whom the Bell Tolls. Outros destaques são Rage Against the Machine com seu maior sucesso Killing in the Name, System of a Down com B.Y.O.B., e o Sepultura fazendo cover de duas bandas brasileiras, Polícia dos Titãs, e uma versão em inglês para A Hora e a Vez do Cabelo Nascer, dos Mutantes.

CD 05 - Classic Rock 2

O último álbum traz novamente alguns clássicos anteriores aos anos 90, que não entraram no primeiro. Entre os destaques temos The Clash com Should I Stay or Should I Go, Your Love, do Outfield, RoadHouse Blues do The Doors, Eye of the Tiger, tema do Rocky Balboa, da banda Survivor, Inbetween Days do The Cure, Jailhouse Rock do grande mestre Elvis Presley e The Final Countdown do Europe.

As Religiões Afro-Brasileiras e a TV

2012-02-02T10:53:00.003-02:00

Hoje é um dia importante para as religiões afro-brasileiras. O Dia de Iemanjá que tradicionalmente é comemorado na data de hoje, dia 02 de fevereiro. O Orixá africano, cultuado nas religiões afro-brasileiras como o Candomblé e a Umbanda, está vinculada aos oceanos e mares, por isto é comum vários fiéis levarem oferendas a ela e jogarem no mar. Este dia, reconhecido hoje não só por aqueles que cultuam este Orixá, mas consolidado no imaginário do povo brasileiro já é uma conquista diante das perseguições e opressões que sempre sofreram os membros destas religiões.

Ainda hoje o preconceito existente contra as religiões afro é grande, alimentados pelos discursos de certas denominações evangélicas que infelizmente vinculam uma visão negativa à tudo que se relaciona a estas religiões. Um exemplo marcante são os contantes ataques promovidos pela Igreja Universal através de seus programas na TV Record. Tais ataques chegam a tal ponto que entidades ligadas ao movimento negro e das religiões afro entraram na justiça pedindo um direito de resposta aos ataques sofridos, que deveria ser veiculado na programação da TV. O programa chegou a ser produzido, mas não foi veiculado na programação pois a TV recorreu da sentença e conseguiu liminar suspendendo a exibição do programa. O caso ainda será julgado pelo tribunal superior de justiça, mas tudo indica que a TV conseguirá barrar a exibição do programa.

Mas o simples fato de haver problemas judiciais deste tipo já serviu para alertar aos membros desta TV de que eles não podem simplesmente perseguir e atacar outras denominações religiosas e continuar por isto mesmo. Os efeitos disto já foram sentidos, e ultimamente os ataques recrudesceram e estão mais camuflados agora, não menos abertamente. E o programa que foi gravado e que circula na internet e nas redes sociais também serve de aprendizado para quem pouco conhece estas religiões conhecê-las de perto e assim ver que não são nada daquilo que pintam os evangélicos. Acima você confere o programa na íntegra e pode tirar suas próprias conclusões. E que Iemanjá continue protegendo e abençoando a todos nós.

Os Horrores da Guerra

2012-01-27T11:57:00.003-02:00

Filmes de guerra temos aos montes, com vários enfoques e estilos imaginados. Por isto qualquer um que se dedique a fazer um filme com esta temática hoje deve ter o cuidado de trazer algo novo e diferente. E é isto o que faz Spielberg neste "Cavalo de Guerra". O filme se passa durante a primeira guerra mundial, e traz como protagonista um cavalo. Isto mesmo, um cavalo, desde o seu nascimento em uma fazenda no interior da Inglaterra até chegar às arenas de batalhas, o filme passa por vários climas diferentes para mostrar a vida deste animal, e utiliza a primeira guerra mundial como pano de fundo. Desde seu nascimento, o cavalo Joey e o jovem Albert iniciam uma estranha relação de amizade que os levará por uma jornada nunca antes imaginada. Ao precisar de dinheiro, o pai de Albert vende o cavalo para as tropas inglesas, separando-os.

A partir daí o filme mostra a jornada de Joey, sempre entre batalhas, capturas e trabalhos forçados, hora no exército inglês hora no alemão. Os horrores da guerra são explorados em todos os seus limites e como ela afeta a todos a sua volta, envolvidos diretamente ou não. É o caso da jovem Emilie, uma garota francesa que vê a guerra chegar ao seu quintal quando sua casa é saqueada pelo exército alemão em busca de alimentos e utensílios. É o caso dos jovens irmãos Michael e Gunther, alistados no exército alemão que tentam fugir quando um deles é mandado pro front de batalha. É o caso dos milhares de jovens, que tem suas vidas interrompidas quando são enviados ao front de batalha.

O filme é muito rico em detalhes históricos. Seu início mostra como as relações de produção no campo por exemplo remontam a uma tradição feudal ainda existente no imaginário local. Apesar de estarmos falando de século XX, a relação do senhor da terra com os camponeses permanece, ainda que capitalizada e modificada em vários aspectos, quase que feudal. Isto mostra como os processos na história são lentos e entrecortados. Apesar de, didaticamente, o feudalismo ter acabado há pelo menos dois séculos, relações semi-feudais permanecem por muito tempo ainda. Isto porque as mudanças na história são um processo lento e demorado.

Outro aspecto a se ressaltar é a mudança de mentalidade em relação à guerra. A ideia de guerra que permanece no imaginário inglês ainda é uma guerra muito formal. No início da guerra, em 1914, vemos a utilização de cavalos e espadas, uniformes limpos e até a preocupação com o polimento dos metais. Mas os tempos são outros, e o jovem exército inglês logo aprenderá. As batalhas de campo aberto dão lugar à guerra de trincheira, as espadas dão lugar às baionetas, e os cavalos dão lugar aos canhões. Assim a passagem para a modernidade vai se completando aos poucos.

Em meio a tudo isto, o bravo cavalo Joey encontra sempre pessoas que não se importam e outras que procuram defendê-lo. O amor pelos animais talvez seja a forma mais universal de amor existente. Independente do país, língua ou cultura, ele sempre está presente. Há quem diga que conhecemos o caráter de uma pessoa pelo modo como ela trata um pobre animal indefeso. A cena mais emblemática do filme é quando dois jovens combatentes, um alemão e um inglês, se juntam para livrar Joey que estava preso em arames farpados prestes a morrer. A cena é belíssima, mostrando que no meio daquela estupidez toda há jovens com sentimentos e cansados de todo aquele horror.

Assim Spielberg mais uma vez consegue nos emocionar ao contar a história do cavalo Joey. Talvez o maior mérito do filme seja o de não divinizar nem demonizar a nenhum dos lados. Pelo contrário, com a relação com o animal, Spielberg humaniza seus personagens, independente do lado em que estão. Alemães, ingleses ou franceses, todos se emocionam ao conhecer Joey, e nós nos emocionamos ao conhecer sua história, magnificamente contada neste filme.

O Planeta dos Macacos

2012-01-15T18:17:00.000-02:00

A evolução das espécies sempre foi teoria controvertida e polêmica, em um mundo cristão como o que vivemos. A maioria ainda prefere se apegar ao texto bíblico e à fábula da criação do homem por deus a partir do barro. Alguns filmes já tentaram explicar a teoria evolucionista e torná-la mais compreensível, mas creio que nenhum o fez de forma tão contundente quanto o clássico "Planeta dos Macacos". Desde 1968 quando o primeiro filme foi lançado, ele elevou a teoria de Darwin a um novo patamar. Ele não traz explicações científicas, nem qualquer alusão direta a estas teorias. O que ele faz é propor uma situação totalmente diferente e impensada até então: e se ao invés dos homens, os macacos tivessem evoluído ao ponto em que chegamos hoje?

Esta é a proposta do filme, e toda a série vai se basear nesta premissa. Neste sentido o primeiro filme da série se tornou um marco dos filmes de ficção científica. No filme, um astronauta estadunidense, Taylor, interpretado por Charlton Heston, viaja anos pelo espaço até tentar retornar à Terra e cair em um planeta desconhecido mas similar ao nosso planeta. A diferença é que neste planeta, a raça dominante é composta por macacos. Chimpanzés, gorilas e orangotangos, que evoluíram, adquiriram fala, inteligência e produziram uma civilização. Ali os humanos não passam de animais, sem inteligência, sem fala, e são caçados, capturados e usados por estes macacos como animais. Uma inversão plausível e totalmente explicável pelas teorias de Darwin. No final nosso viajante descobre que na verdade este planeta é a Terra, anos-luz à frente no tempo.

No segundo filme, "De Volta ao Planeta dos Macacos", de 1970, uma nova nave cai na Terra, uma nave de busca pelo astronauta desaparecido anos antes, Taylor. A teoria da relatividade do tempo é usada para explicar que o tempo passado no espaço não é o mesmo passado na Terra. Assim, para os astronautas teriam se passado apenas alguns meses no espaço, mas na Terra foram séculos. Assim quando eles retornam, já estão no ano 3955 na Terra. Isso explica as mudanças encontradas por eles, já que a civilização como eles conheciam já havia sido há muito extinta. Neste filme nossos astronautas descobrem o que foi feito dos poucos seres humanos "civilizados" que restaram. Deformados pelos anos expostos à radiação de uma possível guerra nuclear que teria quase extinguido a raça humana e destruido nossa civilização, já não usam mais a fala como meio de comunicação, mas sim a telepatia, e veneram uma bomba atômica como um Deus.

Estes são os dois filmes que nos mostram a realidade do planeta dos macacos. Os próximos irão se dedicar a explicar e mostrar como nosso planeta se transformou nesta realidade. Em "Fuga do Planeta dos Macacos", filme de 1971, uma espaçonave é encontrada na Terra atual. Ao abri-la, os militares encontram três chimpanzés vestidos de astronautas. Aos poucos eles vão descobrindo que estes chimpanzés não são chimpanzés normais, mas que tem inteligência e fala. Eles teriam vindo do futuro da Terra, após encontrarem a nave de Taylor, consertado-a a colocado-a em funcionamento. Tratam-se do casal Cornelius e Zira, acompanhados pelo Dr. Milo, que morre logo no início do filme. A existência destes macacos inteligentes começa a suscitar dúvidas sobre a sobrevivência de nossa espécie, já que no futuro retratado por eles a raça humana teria sido dominada por esta raça de macacos. Assim eles são perseguidos e mortos, mas conseguem fazer sobreviver seu filho recém-nascido, César, escondido num circo.

O próximo filme é o mais crucial na história do surgimento deste planeta dominado por macacos. "A Conquista dos Planeta dos Macacos", de 1972 mostra como os macacos tomaram o poder, e depois do primeiro, pode ser considerado um dos melhores filmes da série. Num futuro não muito distante, uma epidemia mata todos os gatos e cachorros do mundo. Sem seus animais de estimação, o homem busca outros animais para substitui-los, e começam a adotar macacos como animais de estimação. Ao perceber no entanto como eles são inteligentes e aprendem rápido os truques que os ensinam, logo estes macacos começam a ser utilizados como escravos para fazer pequenos trabalhos como entregar mensagens, servir mesas e etc. Mas liderados pelo filho de Cornelius e Zira, o jovem César, eles planejam uma revolução e após uma guerra sangrenta tomam o poder.

No último filme da série antiga, "Batalha do Planeta dos Macacos", de 1973, é mostrado o que acontece após este fato, e uma nova guerra é travada entre os humanos sobreviventes, que continuam a viver nos escombros de sua antiga civilização, (e que possivelmente darão origem no futuro àqueles seres humanos deformados pela radioatividade mostrados no segundo filme da série) e os macacos que constroem um novo lar em meio à floresta e iniciam uma nova civilização. Assim voltamos ao início da série quando macacos se tornam a raça dominante em nosso planeta, aprendendo a falar e raciocinar. Claro que há alguns problemas nesta teoria, já que a evolução não se dá de forma tão rápida, mas leva milhares de anos. Mesmo assim o mérito de imaginar tal situação já é suficiente.

Em 2001 um novo filme foi feito, um remake do primeiro filme da série, dirigido por Tim Burtom e com Mark Walhberg no papel principal. Neste novo "Planeta dos Macacos", com mais ação e efeitos especiais, a história foi ligeiramente modificada, mas a essência é mantida, ou seja, um astronauta, aqui o Capitão Leo, que após se perder de sua nave cai em um planeta desconhecido dominado por uma raça de macacos. Aqui os seres humanos falam e são inteligentes, mas são totalmente subjugados pelos macacos e assim considerados inferiores. No final, a descoberta de nosso herói se dá de forma diferente, e aqui há um enigma no final do filme. Quando sua nave está para cair no Planeta dos Macacos, o mostrador da nave mostra que os anos estão indo para a frente, ou seja, que ele está viajando para o futuro. Ao escapar deste planeta, o mostrador da nave mostra ele retrocedendo no tempo e entrando na Terra, ou seja, ele teria voltado ao passado. Mas ao chegar na Terra, ele descobre que ela também está dominada por macacos, só que numa civilização exatamente igual à nossa, com carros, roupas, TV, construções, etc.

Este final deixa muitas dúvidas no ar. Por exemplo, se o planeta dos macacos em que ele estava era a Terra (o que provavelmente não poderia ser verdade pois é mostrado no filme que este planeta tem várias "luas") porque ao voltar para a Terra próximo de nosso tempo atual ela está dominada por macacos; porque há uma estátua em homenagem ao general Thade na Terra do passado, macaco que ele havia combatido no planeta dos macacos no futuro. Uma das explicações para o filme apela para a teoria de universos paralelos, como se aquela Terra em que ele chega fosse uma realidade alternativa do planeta Terra. Mas o fato é que ninguém sabe ao certo, e talvez seja para ser assim mesmo, um insolúvel e perturbador enigma deixado por Tim Burtom.

No sétimo e mais recente filme dedicado série há uma tentativa de explicar como o planeta Terra teria se tornado o Planeta dos Macacos. Em "Planeta dos Macacos - A Origem", lançado em 2011, é mostrado como surge uma nova raça de macacos inteligentes e como eles iniciam sua conquista de nosso planeta. A explicação gira em torno de experiências genéticas. Um laboratório testa uma nova droga capaz de recuperar a atividade cerebral, que seria utilizada como a cura para o mal de Alzheimer. Testado em macacos, a droga vai além, e aumenta a capacidade de raciocínio e inteligência dos macacos, ao mesmo tempo em que se torna um vírus mortal aos seres humanos. Assim uma nova raça de macacos surge, liderados pelo macaco César, eles se rebelam contra o ser humano por mantê-los presos e fogem, causando terror e destruição por onde passam, numa alusão ao quarto filme da antiga série, "Conquista do Planeta dos Macacos"

Com certeza a série não termina aqui, já que este já mostrou ser um tema que atrai o ser humano, e que provavelmente terá mais filmes dedicados a ela. E isto é o que esperamos também, já que pra mim esta é uma das séries mais interessantes já feitas. Até agora nenhum filme superou a genialidade do primeiro filme de 68, que por si só levanta uma questão que não é levantada por nenhum dos outros: uma evolução natural dos macacos, como a que ocorreu com o ser humano. Visto sozinho, o filme é uma verdadeira aula de evolucionismo e explora as teorias de Darwin lançando hipóteses de outras possibilidades que poderiam ter ocorrido na longa linha evolutiva de nosso planeta. Por tudo isso Planeta dos Macacos é um filme único e inigualável e terá seu lugar guardado para sempre na linha evolutiva do cinema mundial.

O vento será sua herança

2012-01-10T02:14:00.001-02:00

O homem é o único animal capaz de pensar. E a humanidade sempre se gabou de sua capacidade de elaborar complexos raciocínios. Sempre aprendemos nas aulas de ciências que somos os únicos animais racionais dentre todas as espécies existentes. E mesmo assim, muitos são aqueles que, em algum momento da história, foram impedidos de exercer livremente este dom que nos torna únicos em todo o mundo. Sócrates, Galileu, Copérnico, Darwin, e diversos outros, perseguidos apenas por defenderem o livre-pensamento. Muitos morreram para que hoje eu pudesse estar aqui escrevendo este texto. Mas infelizmente muitos ainda tentam manter de pé as cortinas que deixam o homem na escuridão. E, na maioria das vezes, esta cortina tem as cores de uma religião.

Foi assim com todas as grandes ideias que desafiaram as "verdades" instituídas pelo pensamento religioso. Infelizmente a maioria das religiões leva a uma cristalização dos conhecimentos que não permite outros pontos de vistas. E esta cristalização normalmente leva também a atitudes de intolerância com aqueles que pensam diferente, por medo de abalarem suas "verdades" e assim perderem a hegemonia e o controle sobre o pensamento do povo. Um ótimo filme a tratar deste assunto é o clássico "O Vento será sua Herança", do cineasta Stanley Kramer. O filme é da década de 60, e conta a história de Bertram Cates, um professor de uma escola pública da pequena cidade de Hillsboro, no estado do Tenessee. Após começar a ensinar sobre as teorias evolucionista de Darwim em suas aulas, o professor é preso por infringir uma lei estadual que impede que outras ideias que contrariem o criacionismo sejam ensinadas.

Tem início então uma batalha judicial que vai transformar a pequena e católica cidade em um verdadeiro campo de batalhas. No ringue, advogado e promotor travarão uma batalha de discursos inflamados, que desde início se mostra uma batalha injusta, já que toda a conservadora comunidade da cidade se mostra contra o professor e seus ensinamentos. Logo réu e advogado descobrirão que talvez estejam lutando contra moinhos de ventos. E o pior é que o filme é baseado em uma história real de 1925. Este filme me fez lembrar muitos momentos que passei na vida e especialmente neste último ano. Chegar em uma comunidade diferente e lidar com pessoas que não estão abertas a novas ideias e a mudanças é sempre difícil. O pior de tudo isto não é nem a discordância, afinal, nem todos devem pensar da mesma forma, isto é natural e absolutamente saudável. Mas o pior destas situações é a total falta de abertura sequer para ouvir aquele que pensa diferente.

Os debates de ideias são sempre importantes. Afinal, a humanidade não chegou ao estágio em que está com homens que pensavam sempre da mesma forma. Se fosse assim, ainda estaríamos morando em cavernas e caçando veados para comer. Se os homens não estivessem em desacordo com os padrões de sua época, não procurassem novas formas de pensar, de enxergar as coisas, nada teria sido inventado. Claro que nem toda mudança é positiva. Mas o debate é essencial. E estar aberto a novas ideias é sempre importante. Nem sempre as ideias são inconciliáveis. A cena mais emblemática do filme é uma em que o advogado defensor do darwinismo, logo após o encerramento do julgamento, está sozinho no tribunal arrumando suas coisas para ir embora. Ele segura o Livro das Espécies, de Darwim numa mão, e a Bíblia na outra, balançando ambos como se quisesse sentir o peso de cada um. Depois ele coloca os dois embaixo do braço e vai embora, como se concluísse que ambos tem o mesmo peso. As ideias sempre devem ser respeitadas. Elas sempre tem o mesmo peso, independente de quem se ache certo ou errado.

História do Metal em Goiânia

2012-01-02T20:52:00.002-02:00

Pra quem viveu em Goiânia há mais ou menos 10 anos atrás e curte metal, deve se lembrar dos tempos áureos do Heavy Metal em nossa capital, quando haviam muitas bandas tocando, de vários estilos, e os shows se acumulavam todos os finais de semana, em locais que hoje ninguém mais se lembra, como os D.C.E.'s (UFG e UCG) e extintas casas de show, como a Bedrocks, o MAQNA Rock, Garage Café, Trem Bão Chopp, Café Acústico, entre outros inúmeros lugares que serviram de palco para os maiores nomes do metal goiano, nacional e até internacional.

Em 1998 comecei a frequentar os shows espalhados pela capital goiana, mas foi em 2001 que comecei minha vida de pseudo-jornalista do metal, fazendo cobertura dos shows que aconteciam e publicando num site que eu batizei inicialmente de Hell Awaits. Na época o site contava com agenda de shows, reviews de bandas e resenhas de álbuns e divulgação de shows que aconteciam na capital goiana e entorno. Logo de cara consegui uma ajudinha da revista Rock Brigade, maior revista do gênero no Brasil á época, que publicaram uma nota sobre o site, e cheguei a propor uma parceria com a revista para escrever resenhas de shows daqui para eles. Foram umas 4 ou 5 resenhas de shows publicadas e uma matéria sobre a cena metal de Goiás (confira neste link)

Nota publicada na revista Rock Brigade

Em 2003 mudei o nome do site para GOinHell, e o site passou por uma reformulação gráfica, com a ajuda do brother Adriano Metal (que hoje mantém o UnderMetalZine) mas manteve a proposta inicial: o de mostrar o melhor do metal goiano. Na época, recebemos grandes nomes do Heavy Metal nacional e mundial, que mostravam a força do nosso cenário. Alguns shows foram marcantes, como a apresentação de Frank Godsik, ex-Kreator, que fez um show inesquecível na extinta MAQNA Rock; a apresentação do Deep Purple no Ginásio Goiânia Arena, além de grandes nomes nacionais, como Sepultura, Angra, Dr. Sin, Torture Squad, Claustrofobia, entre muitos outros que passaram pelo cerrado na época.

No último ano do site ainda tive a oportunidade de participar do programa A Hora do Caos, pelo site Cybergoiás.net, com os amigos Rivanildo, Ricardo Tino e Marcão, que foi muito divertido. O site durou até 2005, com a colaboração de amigos como Adriano Metal e Ricardo Tino. Ao todo nos 05 anos de existência do site foram 73 resenhas de shows, 80 resenhas de álbuns, entre lançamentos, clássicos e demos de bandas goianas, nacionais e internacionais, além de 58 biografias de bandas de variados estilos. Foram 05 longos anos de muita diversão e heavy metal na veia, dos quais sobraram as lembranças e muita história pra contar.

Melhores Filmes de 2011

2012-01-01T10:27:00.000-02:00

Continuando as listas de fim de ano, relacionei também o que de melhor eu vi neste último ano. Desta vez, resolvi dividir a lista em duas partes. Na primeira, listo os melhores filmes lançados em 2011, e na outra os melhores filmes que vi mas que foram lançados em anos anteriores. Eis a lista:

Filmes de 2011:

5º Capitães da Areia

O cinema nacional foi bem representado este ano. Jorge Amado escreveu esta obra no final dos anos 30, e retrata a vida de um grupo de crianças de rua que vivem de pequenos golpes e roubos na periferia de Salvador. Impressiona como o livro continua atual. Ele nos mergulha num universo diferente e nos faz conhecer como é difícil a vida nas ruas. E o filme consegue resgatar bem este espírito.

4º Contágio

Surtos de doenças são uma constante na história da humanidade. Alguns mais outros menos grave, mas sempre mexendo com nossa imaginação. E este Contágio recria a história de uma epidemia, mostrando de perto todos os passos que ela segue, desde as primeiras mortes, seu espalho até as medidas tomadas pelos governos para tentar contê-la.

3º O Palhaço

Selton Mello além de um excelente ator, se mostrou um excelente diretor. Neste O Palhaço, ele consegue nos cativar com os sorrisos e a tristeza de seu personagem. Ao lado de Paulo José, e outros personagens, digamos, exóticos, este filme mostra as dificuldades e alegrias da vida de um grupo circense.

2° A Pele Que Habito

Almodóvar é realmente um gênio. Neste fime, em que ele traz de volta o grande Antônio Banderas atuando em espanhol, Almodóvar cria uma história que mistura avanços tecnológicos, corpo humano e uma discussão filosófica sobre os sexos. Prepare-se para chocar!

1º Cisne Negro

Natalie Portman mereceu cada prêmio que ganhou por este filme. Sua atuação aqui foi impecável, e fez deste filme o melhor que vi em 2011. Intenso, mórbido, insano, sua busca para interpretar o Cisne Negro nos leva a uma viagem de descobertas de até onde vai os limites mentais e físicos do ser humano. Assim é o Cisne Negro. Insano, furioso, sexual, ele revela nosso lado sombrio, aquele que tentamos esconder. Simplesmente genial!

Filmes Antigos:

5º Deixe ela Entrar (2008)

Este filme sueco nos traz de volta ao cinema de vampiro de qualidade. Mas o enfoque aqui não é na matança, violência ou qualquer coisa do tipo. Imaginem uma garotinha de 13 anos, transformada em vampiro e condenada a viver sob a forma de uma criança para sempre. Esta é a história de Deixe ela Entrar, um filme singelo e sombrio ao mesmo tempo.

4º Um sonho dentro de um sonho (2007)

Anthony Hopkins além de um ótimo ator, resolveu mostrar que também sabe dirigir filmes. E pelo seu primeiro, dá pra notar que seu estilo é bem complexo, à la David Lynch. Um Sonho Dentro de um Sonho é uma viagem pela mente humana. Desconexo, cheio de idas e vindas, de imagens distorcidas, o filme nos leva por uma história que mistura ficção, realidade e alucinações, e ficamos totalmente perdidos em meio a ele. Um filme pra ser degustado com calma!

3º O Discurso do Rei (2010)

Filme premiadíssimo em 2010, mas que só agora tive oportunidade de assistir. Não se trata de um filme histórico apenas, épico como estamos acostumados. O Discurso do Rei aborda a vida do rei George VI, que governou na Inglaterra no final da década de 30, época em que a Europa era assolada pela ascensão de Hitler na Alemanha. Mas o rei era gago, e para governar tem que procurar ajuda. Ele encontra em um profissional com métodos um tanto exóticos a ajuda necessária, mas tem que enfrentar o preconceito e a recriminação de todos por esta amizade comum plebeu.

2º O Anticristo (2009)

Lars Von Trier já pode ser considerado um dos melhores diretores de todos os tempos. As temáticas de seus filmes são incomuns, e beiram a insanidade. Neste Anticristo não poderia ser diferente. Aqui o diretor dinamarquês nos apresenta a história de um casal que após perderem seu filho pequeno, entram em crise e se refugiam numa fazenda para tentar se recomporem. Mas coisas estranhas começam a acontecer, e talvez as coisas não sejam como pareçam. Misturando insanidade, feitiçaria e transtornos emocionais, Von Trier consegue o ponto certo para nos deixar arrepiados.

1º Império dos Sonhos (2006)

Falando em diretores geniais, David Lynch não poderia faltar. Para mim esta é a maior obra-prima do diretor. O filme é uma viagem metafórica e metalinguística sobre o universo hollywoodyano. Recheado de uma surrealidade onde nada é o que parece e tanto os personagens quanto as histórias se modificam a cada instante, se entrelaçando de uma maneira bela mas aparentemente ininteligível. Mas quem disse que filmes do Lynch são para serem entendidos? Eles são para serem admirados, por isto assista sem se preocupar em entender. Apenas sinta, e assim perceberá a genialidade desta obra. Clique para uma análise mais profunda.

O Pai dos Jogos Mortais

2011-12-26T01:19:00.001-02:00

Recentemente revi um dos maiores clássicos do cinema de ação, o apocalíptico Mad Max. Lançado na década de 80, é o filme que revelou o ator australiano Mel Gibson, que posteriormente viria se tornar um dos maiores galãs de hollywood. O filme se passa em um futuro distante em que as guerras de gangues são constantes. Mel Gibson é Max, um policial que luta contra uma gangue de motoqueiros. Mas não é na análise do filme que estou interessado aqui.

O que mais me chamou atenção foi uma cena do mesmo em que Max, ao encontrar um dos motoqueiros na estrada, ao invés de matá-lo pura e simplesmente, faz algo diferente. O motoqueiro estava roubando um rapaz morto cujo caminhão havia tombado. Há gasolina espalhada por todo o caminhão. Max então pega o motoqueiro, algema-o ao caminhão, faz um pavio com um esqueiro em direção ao combustível vazando e dá uma pequena cegueta ao motoqueiro, propondo que ele não perdesse tempo tentando serrar a algema, mas que se quisesse sobreviver, poderia cerrar a própria perna para escapar. Lembrou de algo? Só faltou o bonequinho de JigSaw aparecer com aquela voz sombria "I Wanna Play a Game". Está ai portanto de onde John Krammer tirou inspiração para os seus jogos. Mad Max é o verdadeiro pai dos Jogos Mortais.

Melhores Álbuns de 2011

2011-12-21T16:49:00.001-02:00

Chega final de ano e as listas se acumulam. Como não podia deixar de ser, sempre gosto também de fazer as listas com o melhor que vi e ouvi no ano. Então pra começar, listo aqui os 11 melhores lançamentos que ouvi neste ano.

11º Beirut - The Rip Tide

A orquestra de Zach Condon está de volta, com seus acordeões, tubas e bombardinos e aquela velha sonoridade marcante que só a banda tem. Entre as músicas, destacam-se "Vagabond", a melhor música do disco, "Payne's Bay" e "The Rip Tide", música que dá título ao disco.

10º Black Label Society - Order of the Black

Zack Wylde é um cara foda, e continua lançando trabalhos cada vez mais fodas. Este "Order of the Black" é tudo aquilo que se espera de um álbum da banda. Riffs cortantes, solos rápidos e aquela voz de pato rouco inconfundível de Zack. É Black Label da melhor qualidade.

9º James Blunt - Some Kind of Trouble

James Blunt ficou marcado pelas músicas tristes e melancólicas, mas neste novo trabalho Blunt nos mostra um outro lado seu, pelo menos em algumas músicas. Ouça por exemplo "Stay The Night", música que abre o disco e é uma das mais "alegrinhas" do trabalho. Merecem destaque também "Superstar", "I'll Be Your Man" (a melhor do álbum) e "Turn me On". Mas as baladinhas tristes ainda estão lá.

8º Avenged Sevenfold - Nightmare

Avenged Sevenfold pode ser considerada hoje como uma das mais cultuadas bandas de heavy metal do cenário pop mundial. A banda caiu nas graças dos adolescentes, e com a gravação deste trabalho que tem nas baquetas nada mais nada menos que Mike Portnoy, mostrou o porquê disso. Nightmare é um trabalho que alia peso e melodia na medida certa.

7º Adele - 21

Esta foi outra que caiu nas graças da galera já no seu segundo trabalho. 21 é um álbum sonoro, pesado, soturno e que traz na voz potente de Adele seu maior destaque. A música de abertura do álbum, "Rolling in the Deep" é uma das canções mais fortes que já ouvi. Uma batida forte, uma belíssima melodia no piano e a lindíssima voz da cantora. Prepare-se para isto e muito mais.

6º Lirinha - Lira

Após sair do Cordel do Fogo Encantado, Lirinha mudou totalmente seus rumos musicais. Psicodélico, melancólico, intenso, assim é Lira, primeiro álbum da carreira solo do cantor. Melodias experimentais e poesias nonsenses e psicodélicas são as marcas deste trabalho, cujos destaques estão nas faixas "Sistema Lacrimal", "Ela Vai Dançar" e "Ducontra".

5º Criolo - Nó na Orelha

Este já deu o que falar. Com um trabalho original, maduro, recheado de sonoridades diversas e letras ácidas, Criolo ganhou a todos, inclusive prêmios e mais prêmios. Ouça este álbum e saberá porque.

4º Eletrocactus - O dia que a fome morreu de sede

Com este título sonoro, este álbum da banda de Fortaleza Eletrocactus nos apresenta uma sonoridade intensa. Misturando ritmos regionais como o maracatu, samba, baião com ritmos e batidas eletrônicos, a banda reinventa o modo de fazer música, e o resultado é um trabalho dançante, original, forte e que merece destaque.

3º Stone Sour - Audio Secrecy

Entramos no top 3, e na 3ª colocação temos o projeto paralelo de Corey Taylor, vocalista do Slipknot. O Stone Sour é uma banda de rock bem naquela pegada Foo Fighters, e neste seu mais recente trabalho acertou em cheio. Um trabalho pesado, coeso e com ótimas melodias, assim é Audio Secrecy. Destaque para as faixas "The Bitter End", "Unfinished" e "Say You'll Haunt Me".

2º The Baseballs - Strike! Back

Em segundo lugar, uma banda de covers. Não, mas não se tratam de covers quaisquers. O que os garotos do The Baseballs fazem é criar versões rockabilly de clássicos da música pop. Cantoras como Rihanna, Kate Perry, Lady Gaga, só pra citar as mais famosas, ganham versões rockers que fariam inveja a Elvis Presley. É pra dançar do início ao fim.

1º Foo Fighters - Wasting Light

E em primeiríssimo lugar, como não podia deixar de ser, Dave Grohl e companhia nos brindam com este excelente trabalho. Que o Foo Fighters é uma das maiores e mais legais bandas de rock de todos os tempos todos nós já sabemos. Mas ninguém esperava que os caras ainda conseguissem fazer CD's tão bons. E eis que eles nos brindam com este Wasting Light, talvez um dos melhores CDs de sua carreira. Músicas como "A Matter of Time", "These Days" e a excelente "Walk" são músicas que já nasceram clássicas e colocam a banda no patamar dos maiores ícones do rock de todos os tempos.

Uma aula de futebol

2011-12-18T20:45:00.001-02:00

O Brasil já não é o país do futebol há algum tempo. Só Galvão Bueno não enxerga isto. Só ele ainda acha que a amarelinha causa espanto em algum adversário só por sua história. E hoje pudemos comprovar isto. Guardem esta data meus amigos, pois este pode ser considerado oficialmente como um dia histórico para o mundo do futebol. Não foi só pelo jogo entre Santos e Barcelona. Todos já há algum tempo sabem que o Barcelona é o time a ser batido no mundo.

Todos já comentam sobre a qualidade do time e seu elenco de campeões. Mas depois das últimas finais de mundiais, da derrota para o Inter por exemplo, ainda restava uma pontinha de dúvida a respeito desta supremacia. Os brasileiros ainda supriam uma esperança de que, no mata a mata, dentro das quatro linhas, o peso das tradições de um clube brasileiro pudesse valer algo e nos dar alguma chance de enfrentar de igual para igual o time do Barça. Mas hoje percebemos que esta era apenas uma vã esperança. Não teve pra Neymar nem Ganso nem Messi, embora este tenha feito dois gols, nem pra qualquer outro indivíduo. O que levou o Barça à vitória não foi Messi nem Iniesta nem Xavi. Foi uma nova filosofia dentro do futebol.

Muitos podem dizer: mas o time do Barcelona é milionário, pode comprar qualquer jogador. Mas então porque grande parte do elenco são de espanhóis e muitos formados no próprio clube? O que o Barcelona tem de diferente não são seus jogadores, não é o talento individual que faz a diferença. Isto qualquer Neymar da vida pode fazer. Mas com o Barça, nem ele pôde. Não foi pelo Messi, nem pelo Xavi nem por qualquer outro jogador. Mas exatamente porque no Barcelona não existe individual. Todos jogam em função do grupo. E por mais paradoxo que possa parecer, quando fazem isto, os talentos individuais ficam mais fáceis de aparecer. Assim brilha o Messi, assim brilha o Xavi, o Iniesta e todos os outros. Brilham porque jogam juntos. Claro que cada um tem talento. Mas isto os jogadores da seleção também tem, e no entanto o que vemos quando eles se juntam?

O que o Barcelona nos ensina é que nenhum time joga sozinho. Nenhum Neymar ou Ganso vão levar um time a ser o melhor do mundo sozinhos. Podem até desequilibrar em alguns momentos, mas se o grupo não colaborar, não irão a lugar nenhum. O Barcelona tem um esquema tático e uma forma de jogar futebol que supera e anula qualquer talento individual. Um time que joga com todos, um time que mesmo quando apertado consegue sair de uma marcação com apenas três toques na bola, um time que joga fácil porque todos estão conscientes do que tem que fazer, todos compartilham desta filosofia. Foi isto o que nós brasileiros vimos hoje. Foi isto o que aprendemos, juntos com o Neymar, que disse que o jogo foi uma "aula" de futebol. É isto que o Barcelona faz com seu estilo de jogo. Uma aula. Vendo a forma do Barcelona jogar penso que talvez fosse nisto que Charles Miller estivesse pensando quando inventou esse tal de futebol.

Mutantes + Lirinha no Canto da Primavera

2011-12-11T20:12:00.001-02:00

O Estado de Goiás está se tornando especialista em fazer bons festivais de música. Depois da Cidade de Goiás trazer grandes atrações para o FICA, este mês foi a vez da cidade de Pirenópolis, outro ponto turístico bastante famoso de nosso estado realizar a 12º edição do Canto da Primavera, festival voltado exclusivamente para músicos. Na programação do festival, oficinas, palestras e workshops com músicos conhecidos regionalmente e nacionalmente. E claro, muitos shows.

Os melhores shows estavam programados para o final de semana, e deixei então para chegar na cidade na sexta-feira para conferir. A cidade ainda não estava tão cheia, então aproveitamos o dia para andar pelas belas paisagens históricas de piri, que tem um ambiente muito agradável e acolhedor. O local escolhido para os shows principais foi o campo das cavalhadas, local amplo e arejado, ideal para este tipo de show. E a estrutura montada foi das melhores.

No primeiro show da noite quem mandou ver foi a já conhecida Banda UÓ, eletrobrega de Goiânia que já está estourando em todo o país, tendo ganhado inclusive uma categoria no VMB, maior premiação de música do país. E aqui eles mostraram porque merecem a fama, colocando todo mundo pra dançar até o chão. O carisma e a animação da banda são contagiantes, e mesmo quem não gosta do estilo sempre se diverte com seu deboche, suas letras escrachadas e engraçadas e sua batida dançante. Nem o público ainda pequeno desanimou o quarteto, que tocaram todas suas músicas e ainda um cover de Luís Caldas, bem apropriado para o estilo.

A The Not Yet veio logo depois com seu rock/blues recheado de solos de guitarra. A banda já é velha conhecida do público goiano, já tendo mais de 10 anos de carreira e vários CDs lançados, mas não conseguiu empolgar muito a galera. Aliás o público do festival era bastante diversificado, com muita gente que parecia nem saber do que se tratava o festival mas que estava ali só pela farra.

Lirinha foi um dos convidados desta noite, e fez um dos melhores shows que já vi. Primeiro devo dizer que sou absolutamente fã do cara desde os tempos de Cordel. Quando ele saiu da banda, a incógnita de como seria seu trabalho foi rapidamente respondida com o lançamento de Lira, seu primeiro trabalho em carreira solo. O o que vemos neste álbum não é nada parecido com o Cordel do Fogo Encantado. Lirinha soube sair da sombra de sua ex-banda de maneira perfeita. Um álbum denso, instrumentalmente experimental, melancólico, soturno e recheado da poesia que só Lirinha sabe fazer. Assim é Lira, e o cantor soube muito bem passar tudo isto para o palco. Com uma excelente banda, o cara tocou praticamente todas as músicas de seu novo trabalho, mandou poesia, agradeceu bastante o carinho do público e ainda mandou algumas músicas do Cordel em versões totalmente diferentes do que estamos acostumados, como "Matadeira", "Morte e Vida Stanlei" e "Os Óim do Meu Amor". Um show absolutamente inscrível.

Nesta noite isto foi tudo o que consegui ver, já que devido aos atrasos o último show acabou um pouco tarde e resolvi ir pra pousada descansar, já que não sou muito fã do estilo de samba dos Demônios da Garoa. No outro dia (sábado), os shows começaram no horário, e a primeira a se apresentar foi o Cega Machado, uma excelente banda que mistura ritmos regionais como Maracatu, Samba, Baião e outros, com um ótimo trabalho de percussão. A seguir os figurinhas carimbadas do Black Drawing Chalks com seu rock'n roll pesado e frenético recheado de riffs dançantes. A banda foi um pouco prejudicada pelo ajuste de som que não ficou ideal, uma hora a guitarra sumia, outra hora ficava muito alta, outra hora era o baixo que estourava. Mesmo assim a banda conseguiu fazer seu show e mandar seu recado animando os roqueiros de plantão.

Direto da Argentina, os hermanos do Violentango vieram a seguir. O som dos caras foi uma grata surpresa pra todos, e podemos definir como um tango moderno, com uma sonoridade bastante diferente. Um trabalho original e de qualidade, e apesar do formato da banda talvez não ser favorecido por um festival deste tipo, os caras foram extremamente bem recebidos e aplaudidos pelo público do início ao fim de seu show.

Pra fechar a noite, aqueles que todos estavam esperando. Se a Cidade de Goiás trouxe a Rita Lee, Pirenópolis trouxe o lendário Sérgio Dias e Os Mutantes, uma das bandas mais aclamadas do rock nacional de todos os tempos. Imagine só, eu sequer tinha nascido e os caras já estavam mandando ver no rock'n roll, tem que respeitar uma banda dessas. Totalmente reformulada e contando apenas com Sérgio Dias e o baterista Dinho Lemes de sua formação original, a banda mostrou que ainda mantém o pique de quando começou, com suas músicas psicodélicas, fazendo um show altamente enérgico. Todos os clássicos estavam presentes, de Ando Meio Desligado a Balada do Louco, passando por Panis et Circense, Top Top, El Justiceiro e encerrando com Bat Macumba, todas em versões novas mas que mantém bastante a pegada original, principalmente nos vocais. Foi um show pra entrar pra história de todos que estavam presentes.

Infelizmente não pude ficar para o último dia de shows, que traria o grande Ney Matogrosso. Mas dos dois dias que participei o saldo foi extremamente positivo. Um festival bem organizado, com uma boa escolha de atrações e que mostrou mais uma vez que em Goiás se faz muito mais do que apenas música sertaneja.

Fotos dos Shows

Viagem de Estilos: Criolo - Nó na Orelha

2011-12-07T20:15:00.001-02:00

A classe média descobriu o rap, estilo marcado pelas reivindicações e críticas sociais das classes mais baixas. E o rap se travestiu para agradar a este novo público. Bom, isto é um ponto de vista. Eu prefiro dizer que o rap cresceu, evoluiu, incorporou novas musicalidades e novas tendências, se tornou mais contemporâneo e cosmopolita. Prova disto são os recentes trabalhos de dois sujeitos que estão se tornando os ícones do estilo no momento: Emicida e Criolo, que ganharam tudo o que podiam e não podiam no último VMB.

Mas também não é pra menos, já que o último trabalho de Criolo, Nó Na Orelha, é um dos melhores trabalhos de música que já ouvi. O álbum transcende o rap e o hip hop e incorpora outros estilos, aliando as letras ácidas características do estilo com melodias dançantes e bem construídas. Logo na música de abertura dá pra sentir isto, ao ouvirmos "Bogotá", melhor faixa do disco e que traz na melodia nada mais nada menos que uma homenagem a Fela Kuti, um dos maiores africanos musicistas do mundo.

Mais lenta, mas nem por isso menos expressiva, está a faixa "Não Existe Amor em SP", uma baladinha com uma das letras mais bem feitas que já vi, que descreve perfeitamente a cidade de São Paulo. Veja por exemplo este verso: "São Paulo é um buquê. Buquê são flores mortas, num lindo arranjo". A crítica à frieza da vida na capital paulista é notável, e só quem já morou nesta selva urbana entende do que ele fala. A música afro-brasileira também está aqui representada na música "Mariô", cujo título faz referência a uma folha utilizada nos terreiros de Umbanda e Candomblé, e que traz em seu ritmo as batidas das músicas de terreiro.

Nosso passeio musical continua, e o próximo a ser homenageado é o bolero, com a música "Freguês da Meia Noite". À primeira audição a música parece deslocada, mas quando nos acostumamos com ela, entramos na brincadeira e passamos a admirar a proposta do músico em sua homenagem a grandes cantores como Nelson Gonçalves e outros. E como estamos falando e Brasil, o Samba não podia faltar. Ele está presente no encerramento do disco, com a música "Linha de Frente", um sambinha que descreve a vida das crianças no morro (e no tráfico) utilizando a Turma da Mônica, sim, aquela mesma de Maurício de Souza.

Com tudo isto, Criolo mostra que a crítica social, marca do rap e hip hop nacional, ainda continuam vivos, mas agora ganharam nova roupagem e novas musicalidades, deixando pra trás as batidas contínuas e sem variações e ganhando uma injeção de novos sons e estilos. Quem sabe agora que surpresas virão por aí.

Hoje é dia de Noise, Bebê!

2011-12-03T15:15:00.001-02:00

Ontem foi o primeiro dia do já tradicional festival Goiânia Noise, ocorrido este ano no clube Jaó. A congregação de estilos diferentes sempre foi uma marca do festival, mas ultimamente com a falta de opção em festivais de outros estilos, parece receber cada vez mais pessoas de outras vertentes. Este é o curioso caso do Heavy Metal, estilo que já foi frequente na capital goiana, com festivais semanais nos tradicionais DCE's da UFG e UCG, e que há alguns anos perdeu a força, inclusive no número de bandas.

O efeito disto é que tanto público quanto bandas acabaram migrando para o cenário do rock alternativo, cenário aliás que já vi muitos metaleiros desdenharem e torcerem o nariz por anos a fio. Agora o que se vê em festivais deste tipo são algumas dezenas de metaleiros órfãos perdidos em meio à diversidade de estilos que já predominavam em eventos como o Noise, que acabou abraçando também o estilo e incorporando algumas bandas do gênero em seu casting.

Outro ponto forte deste festival é a estrutura organizacional, sempre impecável. Shows começando e terminando nos horários previstos, dois palcos intercalados fazendo com que o som não pare nenhum segundo sequer, tudo isto nos motiva a conferir as bandas, mesmo que estejamos interessados mesmo em apenas uma ou duas delas. Como são mais de 08 horas de shows por noite, fica impossível conferir tudo. Por isto um dos segredos pra se dar bem neste tipo de festival é selecionar bem as bandas que se quer ver, e sempre dar um jeito de sentar entre um show e outro, afinal ninguém aguenta ficar tanto tempo em pé.

Neste primeiro dia, as bandas que queria ver eram os velhos conhecidos dos Raimundos, e os figuras do Cidadão Instigado. Mas antes pudemos conferir algumas boas surpresas. Os noruegueses da BigBang fizeram um bom show, apesar de eu ter visto pouco pois eles já estavam tocando quando cheguei. Mas foi uma surpresa saber que existe rock na Noruega, e não só black metal satânico.

Do Goiás tivemos os já carimbados Hellbenders, banda que tem algumas músicas legais e o Bang Bang Babies, banda que já ouvi muito falar mas nunca tinha conferido show deles. A parte instrumental da banda é muito boa, as músicas tem riffs dançantes e sonoros, mas não sei se foi culpa do som, do excesso de efeitos ou porque é ruim mesmo, mas o vocal não me agradou. Além disto, apesar de se definir como garage rock, a banda tem um pé no rockabilly que me agrada muito, no estilo de bandas como Canastra e Sapatos Bicolores. Acho que se eles seguissem este caminho iriam se dar bem melhor.

Mas quem se mostrou a grande surpresa da noite mesmo foram os californianos do Delinquent Habits, um grupo de rap que botou todo mundo pra dançar e pular no Goiânia Noise. E eu que achava que seriam vaiados, pelo contrário, os caras foram totalmente aclamados pelo público (principalmente quando distribuiram tequila pra galera) e acabaram se tornando uma das principais atrações da noite, inclusive tocando por uma hora ao invés da meia hora prevista e ofuscando os paulistas dos Haxinxins, que acabaram fazendo um show morno, já que a maioria do público já aguardava pela chegada dos Raimundos e nem deram atenção pro som setentista dos caras.

A chegada dos Raimundos foi outra surpresa pra mim. Sim, a banda fez muito sucesso nos anos 90, e passou por muitos problemas após a saída de seu vocalista, o Rodolfo. Após isto os caras sumiram da mídia e acabaram cruzando o caminho de volta, do cenário pop para o cenário alternativo. E os caras mostraram que ainda tem muito público. Impressionante ver toda a galera do Noise gritando o nome da banda, pulando e cantando cada música. Digão e companhia fizeram um show pesado, voltando às origens do hardcore sujo e cheio de palavrões que sempre foi sua marca. Simplesmente fantástica a apresentação.

Depois deles foi só conferir a psicodelia do Cidadão Instigado, banda que mistura rock psicodélico setentista com uma pegada de música brega, um dos sons mais interessantes que já ouvi. Riffs distorcidos, samplers computadorizados, letras nonsense, melodias dançantes, tudo isto fechado por um vocal que lembra os cantores bregas que meu avô gostava foi o que se viu em cima do palco. Diversão garantida pra quem gosta de misturas e laboratórios musicais. Pra mim a noite estava completa, e o Noise cumpriu mais uma vez sua função social, de divertir e apresentar novos sons.

Fotos dos Shows

Palhaços

2011-11-27T19:32:00.001-02:00

Alguém se lembra de Diogo Mainardi, aquele colunista da Veja que tanto criticava o governo Lula? Pois é, certa vez Mainardi se dedicou a escrever sobre uma adaptação que a Globo fez para a obra Dom Casmurro, de Machado de Assis. A série, exibida em 2008 com o nome de Capitu, fez um relativo sucesso na época, mas Diogo Mainardi não gostou, publicando um artigo em sua coluna para criticar a série (leia o artigo aqui). Na época eu também escrevi um texto em meu antigo blog sobre isto (sobre o Mainardi, não sobre a série). Hoje mexendo em alguns arquivos encontrei este texto, um dos melhores que já escrevi, e gostaria de publicá-lo novamente para deixar registrado. Eis o que escrevi à época:

Diogo Mainardi foi eleito recentemente como o autêntico ranzinza brasileiro. Eleito por quem? Por mim, é claro, numa atitude bem mainardiana. Daqui a 100 anos, após sua morte, o mainardismo irá se tornar uma corrente filosófica. Sempre que alguém se levantar a falar mal de tudo e todos a sua volta, revestido de uma intelectualidade pedante e um sarcasmo quase infantil (como eu agora), logo acusarão: trata-se de um autêntico mainardista. E este autor não poupa ninguém com sua metralhadora giratória de escárnio. O mais recente alvo foi a mini-série da globo, Capitu. Marnardi com seus olhos de lince e sua visão além do alcance, após algumas horas na frente da TV, logo nos dá seu veredicto: "A série Capitu tem um aspecto circense. É Machado de Assis encenado por Orlando Orfei. É Bentinho imitando Arrelia no picadeiro de Fausto Silva: ‘Como vai, como vai, vai, vai? Eu vou bem, muito bem, bem, bem’". Fantástica comparação. Acho que a homenagem a dois ícones das artes circences brasileira e mundial é digna, e realmente o espetáculo proporcionado pela Globo está à altura destes dois grandes nomes da história do circo.

Mas temo que este não tenha sido o objetivo do autor ao fazer tal comparação. Mainardi, após anos e anos de escárnio ao governo Lula, parece ter se cansado, afinal, não conseguiu derrubar o governo, e pretende agora destilar seu pitaco direitista na programação de nossa TV. Já vejo o próximo passo da sua falta de assunto (e da minha também): Mainardi discutindo a democracia racial na novela das 8. "O deputado Romildo Rosa é a prova de que a corrupção não é privilégio de brancos", diria nosso racista intelectualóide. Pois bem, no caso de Capitu, Mainardi se utiliza de um subterfúgio muito sutil ao fazer sua análise. Ao ler seu texto, fica bem claro sua posição, paradoxalmente imperceptível ao leitor mais desatento: é o de que seus argumentos só terão validade se partirmos do princípio da negatividade e inferioridade da arte circense. Para Mainardi, o circo é algo inferior, espetáculo das massas, massas aliás das quais Mainardi se orgulha em não fazer parte. Seu negócio é com os clássicos, com a ortodoxia da arte erudita, que deve se manter intocada e imaculada em seu santuário. Assim, Mainardi reveste-se com sua capa de santidade e se torna o arauto cristão da arte morta. Sim, pois uma obra de arte que não pode ser revista e atualizada, que não pode receber novos olhares e novos enfoques, só pode estar morta.

Este é o princípio de Mainardi e sua legião de seguidores. Para estes, a série da Globo deve ser condenada pois profana o hímen machadiano, tornando sua obra um espetáculo de circo. Agora entendo porque gostei tanto da obra de Luiz Fernando Carvalho: sempre adorei os espetáculos circenses, especialmente os palhaços. Acho que talvez por isto eu goste tanto do Mainardi também. Ele é o nosso palhaço direitista, nosso Dom Quixote, em sua luta eterna contra os moinhos de ventos do governo Lula. E não faltam Sancho Panças para lhe seguirem. Mas tenho que concordar com sua comparação: realmente Luiz Fernando Carvalho procede a uma carnavalização do texto machadiano. E o faz com competência. Sobre esta história, lembro-me de um texto de Hayden White, historiador estadunidense, que defendia o historiador carnavalesco como ideal para representar nossa sociedade. Esta carnavalização, para ele, nada mais é do que a utilização da ironia, do sarcasmo, é fazer uma imitação, um pastiche da realidade. Assim como faz Machado, assim como fez Luiz Fernando Carvalho, assim como faz Mainardi, assim como faço eu. O gênero carnavelesco de Hayden White é a base do mainardismo. O que os separa é que Hayden White foi um exímio combatente dos historiadores tradicionais, enclausurados em seus métodos invariáveis e sua narrativa enfadonha. Dizia que o texto histórico, assim como o literário, teria a função, entre outras coisas, também de divertir. E este é o propósito de qualquer manifestação artística. Proporcionar divertimento, satisfação, alegria. E nisto Luiz Fernando Carvalho soube conduzir muito bem sua Capitu, demonstrando-nos que a obra artística é vasta, e por isto passível de inúmeros olhares diferentes.

Mas Mainardi não gosta de circo. Posso vê-lo como um autêntico aborrescente precoce, sendo obrigado por seus pais a sujar seus sapatos na terra e a se sentar nas tábuas de madeira para apreciar àquele espetáculo grotesco: malabaristas ensandecidos, mágicos afetados, e os piores de todos, os palhaços! Ah, os palhaços, estes abobalhados e ridículos personagens, a fazer suas peripécias em cima do palco, enquanto o jovem Mainardi assiste desdenhosamente a tudo. Talvez tenha sido este trauma de infância que o tenha levado a se tornar um mainardiano. Agora sim percebo a raiz do problema: Mainardi não gosta de palhaços. Ele não gosta de piadas, de carnaval, nem de circo, e muito menos de palhaços. Ele não tem senso de humor. Lula foi eleito seu palhaço-mor. Luiz Fernando Carvalho, ao proceder a sua reinvenção de Dom Casmurro, caiu nas graças do autor. E Mainardi, ao proceder a seu escárnio verborrágico, caiu nas minhas graças. O circo está completo. Eu, Mainardi, Machado, Lula, Bentinho, somos todos personagens de um grande pastiche, espetáculo grotesco, no qual não nos cansamos de reinventar e carnavalizar a realidade.

Mainardi sofre do mal que teima em combater. Não passa de um Arrelia se apresentando no picadeiro de Fausto Silva: "Como vai, como vai, vai, vai? Eu vou bem, muito bem, bem, bem". Seus textos são injetados de uma ironia nada sutil e de um escárnio incontido que beira ao insano: "Lula tem dono. Lula é meu! Eu vi primeiro...", teria escrito ele na orelha de seu livro. Mainardi é o historiador carnavalesco de Hayden White. Ele é o Palhaço do Circo Sem Futuro. Assim como Machado. Seu estilo sarcástico e carnavalesco fica claro nas primeiras linhas de uma de suas obras: "Ao verme que primeiro roeu as frias carnes do meu cadáver dedico como saudosa lembrança estas Memórias Póstumas". Luiz Fernando Carvalho pegou bem a essência do autor. Já Mainardi teima em continuar se enganando e se travestindo de uma direitice canalha como só a esquerda sabe fazer. No fim das contas, Mainardi é tudo aquilo que mais odeia: carnavalesco, esquerdista, e o pior de tudo: palhaço.

It's All a Fucking Joke

2011-11-22T22:47:00.001-02:00

Não, não se trata de uma frase dita pelo nosso mais célebre vilão do novo século, The Joker, mais conhecido no Brasil como O Coringa. Mesmo assim não deixa de ter a ver com sua visão distorcia da sociedade. Ou seria sua visão da distorcida sociedade? Pois se Watchmen e o Cavaleiro das Trevas tem algo em comum, é exatamente isto: uma visão distorcida de uma distorcida sociedade. A frase neste caso, dita por um super-anti-herói de nome O Comediante define bem o status de caos em que nossa sociedade mergulhou. Este é o clima do filme Watchmen, um retrato cruel de uma sociedade caótica, onde até os super-heróis são rejeitados e obrigados a acatar as leis.

O filme nos transporta para um novo universo, um universo onde pessoas comuns se tornam super-heróis, e super-heróis se tornam pessoas comuns. No começo temos um breve balanço dos mais importantes acontecimentos do século XX nos Estados Unidos, início que tem como objetivo nos recontar a história, agora aceitando-se o fato de que super-heróis realmente existiram. Vemos passar diante de nós a guerra do Vietnã, o assassinato do presidente Kennedy, a eleição de Richard Nixon até chegarmos à Guerra Fria e a tensão entre EUA e URSS. Em meio a tudo isto, vemos como estes super-heróis conviveram e influenciaram nestes fatos, muitos sendo mortos, outros presos e alguns até enlouquecendo, até chegarmos ao momento atual do filme, quando os últimos super-heróis restantes, proibidos de atuarem e sairem mascarados por uma lei, são obrigados a se esconderem por trás de suas verdadeiras identidades, e viverem vidas normais.

Mas uma série de acontecimentos insólitos os obrigam a voltarem à ativa para descobrir o que está havendo. O filme nos apresenta uma teia complexa de acontecimentos e personagens, e somos levados a conhecer cada um destes heróis a fundo. Este é um grande destaque do filme: seus personagens são densos, exóticos, não vemos aqui super-heróis super-perfeitos, mas vemos pessoas com problemas de relacionamento, de auto-estima, sensos distorcidos de justiça, enfim, pessoas normais, como eu ou você. Em uma das cenas mais fodas do filme, por exemplo, vemos um destes super-heróis tentando estuprar uma colega de trabalho. Em outra não menos emblemática, vemos este mesmo herói atirando em uma mulher vietnamita grávida que reclamava seus cuidados para com o bebê que iria nascer e que era filho dele. Sintomaticamente, trata-se do mesmo personagem que nos presenteou com a pérola que está no título deste texto. O Comediante é realmente uma piada... só que de humor negro. Por tudo isto ele é um dos personagens mais interessantes desta novela dantesca. Só perde para o sombrio Rorschach, talvez um dos personagens mais legais que já vi nos últimos anos.

Rorschach pode ser definido como um autêntico sociopata. Durão, sádico, violento, cruel, o cara não confia em ninguém, e tem um senso de justiça bastante peculiar. Em tempos de BOPE e grupos de extermínio, o cara é um prato cheio com seu lema de tolerância zero. É ele o responsável pela melhor cena do filme, quando investiga o sequestro de uma garotinha. Não vou contar o resto para não estragar a surpresa, mas o final da cena é de uma torpeza e crueldade ímpares. Mesmo assim nos sentimos aliviados ao vê-lo fazer justiça com as próprias mãos. É nesta hora que paro e penso que personagens como este sobrevivem e são alimentados por nossa própria sociedade. O Comediante estava certo. Ao ser perguntado pelo Coruja sobre o que aconteceu ao sonho americano, ele responde: "o sonho americano se realizaou, você está olhando pra ele". Nós somos o fruto do sonho americano, frutos do excesso de consumismo, da intolerância e do egoísmo neo-liberais. Nos comprazemos com a violência explícita e mais do que isso, nós a buscamos. Se isto valia como verdade já na década de 80, época em que o filme se passa, imagina agora.

Neste mundo de valores invertidos, um mal maior se aproxima. A guerra nuclear está próxima, e nossa única salvação está nas mãos do Dr. Manhattan, um cientista que após sofrer um acidente nuclear, se transforma num super-herói com poderes ilimitados. Trata-se de uma mistura de super-homem com Dr. Xavier: o cara voa, se teletransporta, move objetos com a força do pensamento, e é indestrutível, entre uma infinidade de outras habilidades. Cabe a ele salvar-nos da guerra nuclear que se projeta entre EUA e URSS, e a grande dúvida que fica é: será que ele quer nos salvar? À medida que o tempo passa, Jon, nome verdadeiro do Dr. Manhattan, vai cada vez mais se afastando da humanidade. Aos poucos ele vai deixando de se sentir humano, passando a desprezar seus semelhantes, chegando ao ponto de achar que sequer vale a pena salvá-los. Ao mesmo tempo, uma série de estranhos acontecimentos levam três dos mascarados a se unirem novamente para investigarem o que está acontecendo de errado. Logo eles descobrem um plano macabro protagonizado por um de seus ex-companheiros para acabar com a guerra nuclear, um plano tão brilhante quanto diabólico.

Neste ponto Watchmen se aproxima do Cavaleiro das Trevas. Nem sempre o heroismo é a atitude certa naquele momento. Às vezes a sociedade precisa de um vilão, precisa de alguém a quem possa botar a culpa, às vezes a sociedade precisa de um inimigo externo em comum para que ela se una e conviva em paz com seus semelhantes. Este é o sacrifício a ser feito, é o preço a se pagar. Não é uma questão de certo ou errado. Na vida não encontramos apenas o certo ou apenas o errado, não encontramos apenas o bem ou o mal. Na vida real eles se misturam, o bem e o mal estão juntos, e por vezes temos que passar pelos dois para chegarmos onde queremos. Esta é a mensagem final deste brilhante filme. Como diz o Dr. Manhattan no final, não trata-se de uma questão de aprovar nem de reprovar certas atitudes, mas apenas de entender.

Porque é que não se junta tudo numa coisa só?

2011-11-14T23:09:00.001-02:00

Vivemos em um mundo cada vez mais fragmentado e dividido. Tudo tem seu próprio lugar, sua hora e seu momento. Hora de trabalhar, hora de descansar, hora de dormir, de assistir filme, de beber com os amigos, de ir ao teatro. Tudo assim, um de cada vez. Teatro é teatro e show é show. Poesia é poesia e música é música! Até que um dia alguém resolveu fazer o questionamento acima: "Mas, peraí! Porque é que a gente não junta tudo numa coisa só?" Música com poesia, teatro com show. Assim nasceu O Teatro Mágico, formado em 2003 pelo ator, músico e compositor Fernando Anitelli.

A principal característica do grupo é exatamente a de unir nas suas composições a música com a poesia. Letras belíssimas dão corpo a excelentes canções que passeiam pelos mais diversos ritmos brasileiros, desde a MPB, o samba, baião, maracatu, frevo, o rock e a música circense. O resultado de toda esta fusão musical e poética não poderia ser outro: discos autênticos e altamente bem produzidos, além de um espetáculo único em cima do palco.

Ao ouvirmos seu primeiro disco, Entrada para Raros, lançado em 2003, percebemos a forte veia poética nas letras do grupo e uma influência principalmente do estilo que vem sendo classificado como nova MPB, calcado em artistas de renome como Lenine, Zeca Baleiro, entre outros, que tem por principal característica uma fusão de estilos e ritmos brasileiros. Nas letras, o grupo brinca com as palavras assim como brinca com os ritmos. Alterando o sentido de certas palavras, unindo palavras parecidas e às vezes até usando alguns chavões do imaginário popular, mas que aqui ganham novos sentidos nas músicas do grupo.

O que mais impressiona é a riqueza de detalhes nas letras das músicas, verdadeiras poesias cantadas por Fernando Anitelli. Deste primeiro álbum destacam-se as faixas A Pedra Mais Alta, a belíssima Ana e o Mar, que conta a história de quando o mar se apaixonou por uma menina, e tem um dos refrãos mais belos que já ouvi, a música O Anjo Mais Velho e a excelente Zaluzejo, que vem em defesa da linguagem popular, reunindo uma série de palavras às vezes ditas erradas na fala popular e de ditados que persistem no imaginário popular, como dizer que manga com leite faz mal, e etc.

Todas estas características voltam com força em seu segundo álbum, lançado em 2008, intitulado O Segundo Ato, e que consegue ser tão bom ou até melhor do que o seu antecessor. Aqui o grupo passeia mais por ritmos mais regionais, como o samba, o baião, o frevo, maracatu, entre outros. Mas as letras continuam afiadas, cheias de trocadilhos inteligentes, chavões, ressignificações e etc. Ouça por exemplo a música O Mérito e o Monstro e repare nos trocadilhos com a letra m feitas, como as palavras Metrô, Metro, Termômetro, etc. A melhor música do disco no entanto se chama Sonho de uma Flauta, que logo no início já diz a que veio com os versos: "Nem toda palavra é / Aquilo que o dicionário diz" e a seguir passa a fazer uma série de comparações entre palavras e idéias, até chegar no belíssimo refrão, ouso dizer até que é um dos mais belos refrões que já tive oportunidade de ouvir, tanto na parte lírica quanto musical.

Outra novidade deste CD são as participações especiais. Entre elas posso destacar a participação de Zeca Baleiro na música Xanéu N° 5, uma das letras mais inteligentes do grupo, que conta a história de um sujeito que viu sua TV criar vida, se revoltar e passar a assisti-lo ao invés do contrário, numa crítica consciente e bastante inteligente à alienação promovida por este veículo de comunicação. O grupo já está em seu terceiro disco, lançado este ano e disponibilizado integralmente para download em seu site, atitude que demonstra seu compromisso com o público e com a arte livre. E é assim, com críticas e poesias, misturando opostos e dispostos, alterando significados e sentidos que o grupo O Teatro Mágico nos dá seu recado, sempre acompanhados por belos ritmos, às vezes suaves, outras vezes nervosos, mas sempre belos.

Tristeza de um Palhaço

2011-11-09T10:40:00.000-02:00

Há tempos podemos dizer que o cinema nacional trilha caminhos próprios, encontrando sua própria identidade. Filmes de comédia que retratam os estereótipos e chavões da personalidade dos brasileiros e brasileiras, dramas que envolvem os problemas sociais e econômicos de nosso povo, até algumas ficções e aventuras, mas com o toque nacional.

Este toque é o que podemos ver no novo filme de Selton Mello, intitulado O Palhaço. Selton Mello mostra que além de um excelente ator, talvez seja melhor ainda na direção. O Palhaço conta a história de algo que é recorrente na memória do povo brasileiro: o circo. Sim, isso mesmo, aquele circo de lona, que sai rodando por várias cidades para fazer seus espetáculos, normalmente cidades pequenas e isoladas onde a maior diversão talvez seja ir à Igreja aos domingos.

Mas a vida de um circense não é nada fácil. Os dramas e dificuldades daqueles que vivem de levar alegria às pessoas é mostrado no filme, mas de uma forma bela e leve, resultando de uma comicidade única. O elenco de atores está impecável e os personagens construídos são geniais, isso sem contar os diálogos escritos, muito bem elaborados e recheados de um humor ingênuo e sutil. Uma coisa legal neste filme também são os enquadramentos, abusando de cenários estáticos sempre com dois ou mais personagens em cena, o que dá a impressão de estar vendo um quadro na tela, com os personagens durante um bom tempo na mesma posição. Repare por exemplo no diálogo da mulher do circo com Selton Mello, ou do diálogo dos integrantes do circo com o delegado.

A parte técnica do filme é outro destaque. Fotografia belíssima, trilha sonora perfeita, e um enredo simples mas que consegue segurar bem as pontas, O Palhaço já pode figurar entre os grandes filmes do cinema nacional, por aliar drama e comédia de forma tão perfeita e sem soar forçado. Selton Mello tem uma longa carreira no cinema, e a julgar por sua experiência neste filme, espero que tenha muito mais ainda.

Não se fazem mais vampiros como antigamente

2011-10-30T18:29:00.002-02:00

Neste mês a maior saga adolescente do momento volta à tona com o lançamento do quarto filme da saga, intitulado Amanhecer. Aproveitando o ensejo, lembro-me de quando assisti ao primeiro filme, ainda nos cinemas. Não tinha ideia do que se tratava o filme, não havia lido nada sobre ele, só sei que estava eu no shopping querendo ver um filme, vi o cartaz dele e, pensando ser um filme de vampiros, fui assistir. Eis o que escrevi na época sobre o mesmo:

Imagine uma história onde dois jovens se apaixonam e vivem um romance proibido, pelo simples fato de um destes jovens ser... um vampiro. Parece uma ideia legal né? Mas só parece. Pois quem conferiu esta história nos cinemas este mês com certeza deve ter se arrependido do maldito dia em que resolveu ver este filme. O filme em questão é Crecúspulo, baseado em romance de mesmo título. No filme, a jovem Isabella Swan vai morar com o pai em uma cidadezinha, e logo conhece o misterioso Edward Cullen. Com uma maquiagem forçada (branco até a alma!), um jeito misterioso e um grupo de amigos dos mais estranhos, Edward dá toda pinta do que realmente é: Emo! Ops, quer dizer, Vampiro!

E a jovem Isabella logo irá descobrir que seu amado na verdade é um caçador implacável, e ela não passa de sua vítima. Uma história simples, e que poderia dar certo, não fosse a péssima execução. O filme é longo, chato, abusa das longas tomadas dos dois pombinhos, onde eles desfilam uma infinidade de diálogos infantis que mais parecem ter sido tirados da Malhação, além de situações inusitadas e constrangedoras, como quando eles vão jogar Baseball, ou quando Edward salta as árvores com Bella nas costas, e sem contar que os atores que interpretam os dois protagonistas são péssimos. A trilha sonora também não ajuda muito, quase ausente nos momentos mais cruciais da trama, como quando os dois jovens estão a sós.

Já foi o tempo em que se faziam bons filmes de vampiros. Neste a autora quis colocar a temática sob um enfoque diferente: não mais os contos de terror ou de ação, mas um conto de amor. E no livro pode até funcionar bem, mas no filme foi um desastre total. Ainda por cima me vem a Veja elogiar o filme e sua valorização da castidade, relacionando o fato de que Isabella não se entrega a Edward (no caso, para ser mordida), com uma entrega sexual. Neste caso o fato de Bella se manter humana e não ser mordida por seu amado seria a castidade que os mais conservadores e retrógrados sentem tanta falta em nossa sociedade atual. Tenha dó! Nunca li tanta baboseira junta em um só lugar. Mas enfim, uma obra de arte permite infinitos olhares, e cada um vê o que quer. E eu, o que vi? Vi que perdi 2 horas da minha vida assistindo a este lixo.

O Novo Led Zeppelin

2011-10-26T17:25:00.003-02:00

Poderia ser facilmente designado assim o novo projeto de Jack White, frontman da banda White Stripes, que ficou famosa por ter somente dois integrantes, por ter uma mulher nas baquetas, e pela música Seven Nation Army, entre outras coisas. Pois o Selton Mello... quer dizer, Jack White um dia resolveu montar uma banda, digamos, mais convencional. Convidou uns amigos e nascia assim a banda The Raconteurs, que lançava seu primeiro álbum nos idos de 2006, intitulado Broken Boy Soldiers.

Mas a maioridade musical veio com o álbum seguinte, lançado em 2008. Consoler of the Lonely mostra toda a evolução musical de Jack White e companhia. É um trabalho maduro, conciso, diversificado, e muito, mas muito bom. A sonoridade do disco é o que mais chama atenção. Em uma primeira audição, jura-se estar ouvindo algum disco de uma banda que ficou perdida nos anos 70. A influência de bandas setentistas é notável do início ao fim, especialmente do lendário Led Zeppelin. Aliás, acho que se Robert Plant e companhia se reunissem novamente e gravassem um disco, ele ia soar exatamente como Consoler of the Lonely.

Ouça por exemplo a faixa Rich Kids Blues e diga se não é a cara do Led. A levada meio country, a maneira como a banda usa o teclado, e principalmente: o vocal. O jeito de cantar nesta música lembra muito o de Robert Plant, é incrível a semelhança, até pensei se não seria uma cover de alguma música que eu desconhecia da banda. Mas apesar desta sonoridade, o disco é bastante versátil, e consegue ter uma identidade própria. A faixa que abre o disco e dá nome ao mesmo, por exemplo, é uma porrada, uma das melhores composições, a música é toda quebrada, cheia de mudanças no ritmo, desde seu início, e o resultado é fantástico, mesclando partes mais rápidas com outras mais lentas.

Os outros destaques ficam por conta da animada Salute Your Solution, a levada quase country de Top Yourself, a belíssima melodia de Many Shades of Black, a complexidade de Carolina Drama e o belíssimo teclado da baladinha You Don't Understand. Mas não pense que as outras faixas deixam por menos. O disco é absolutamente perfeito, nenhuma faixa deixa a desejar. O mais interessante na banda é o uso de diferentes recursos e instrumentos, desde riffs de guitarra, passando por frases só de violão, belíssimas passagens de teclado, uso de metal, além de um excelente trabalho vocal, com os dois guitarristas e o baixista se revezando nos mesmos.

Enfim, The Raconteurs, nome que vem do francês e se refere aos contadores de história medievais é um bom exemplo de como fazer rock setentista sem soar datado, e tem tudo pra se tornar um dos grandes nomes do estilo na atualidade. Ouça e confira!

Dias Cinzas

2011-10-17T17:41:00.001-02:00

Gosto dos dias cinzas. Eles dão um ar de tristeza a nossa volta, tudo fica mais sóbrio, sério, melancólico. Talvez seja apenas reflexo do que sentimos por dentro. Quando pequeno eu gostava de imaginar que o dia refletia o que estava sentindo. Se estava triste, o dia ficava triste. Hoje voltei a ter esta sensação. A sensação de que tudo está fora do lugar, sensação de vazio, solidão. Solidão em meio à multidão. Isto nos dá um sentimento de impotência, desamparo. Olhamos para o lado e não vemos ninguém, ninguém em quem confiar, nem pra desabafar. Com o tempo este sentimento só vai se intensificando. Nos acostumamos a ele. Nos acostumamos com tudo, por pior que seja. Uma vez conheci uma mulher que sentia dores de cabeça constantes. Perguntei se ela estava sentindo naquele momento, ela respondeu que sim, mas que nem ligava mais, já havia se acostumado. Fiquei pensando sobre esta nossa capacidade de se adaptar, se acomodar com o que incomoda. Nos acostumamos até com a dor. E com o tempo já nem choramos mais. As lágrimas secam, e até parece sentirmos falta delas. Pelo menos quando chorávamos estávamos colocando algo pra fora. Agora tudo se prende aqui dentro, e sentimos como se fôssemos explodir. Há tempos não sentia tudo isto, mas tem dias que o mundo parece desabar sobre nós. Procuramos um lugar seguro mas só vemos ruínas. Ruínas de algo que já foi belo, algo que um dia já fora palco de nossa vida, e não tivemos tempo (nem paciência) de reconstruir. Seguimos assim com as feridas, nos acostumamos a elas. Mas um dia elas voltam a doer, e então nos lembramos. Hoje é este dia. O dia em que as feridas mandam seu recado, para percebermos que elas ainda estão lá. Olho ao meu redor. O dia começa a chorar, e por um instante me deixo ficar entre suas lágrimas. Como se fossem minhas.

Brincando de ser Adulto

2011-10-12T11:45:00.001-03:00

Lembro que li Capitães da Areia, romance de Jorge Amado ainda na adolescência, por exigência de um professor de português que tinha na época. Não me recordava muito da história, apenas que contava a saga de um grupo de crianças de Salvador que viviam na marginalidade, praticando pequenos (e às vezes grandes) roubos para sobreviver. Como li o livro na adolescência, ou seja, na passagem da fase infantil pra adulta, estava vivendo a mesma fase da vida que os próprios personagens descritos por Jorge Amado. Mas não podia deixar de ficar fascinado com o estilo de vida levado por aqueles garotos, algo totalmente novo e impensado pra mim, ainda preso em meu mundinho de família, brinquedos e estudos.

Questões como a criminalidade (devido à própria necessidade de sobrevivência), o sexo, as drogas, o homossexualismo, tudo ali era como um mundo distante pra mim. E conhecer este mundo por dentro, com os olhos de uma criança, me deixou muito perturbado na época. Estas são algumas das poucas lembranças que tenho do livro, e que agora me voltam à mente com o lançamento do filme de Cecília Amado baseado nesta obra. Capitães da Areia é um filme forte, magnificamente filmado, com uma fotografia belíssima e uma trilha sonora que só abrilhanta a trama. Os atores mirins escolhidos também não fazem feio, com destaque para a atriz que interpreta a Dora, um achado essa menina, de uma desenvoltura espetacular, chega a destoar do restante do elenco, quase sempre um pouco travado e burocrático, salvo algumas exceções.

Outro porém também fica pelo roteiro do filme, que tenta abordar várias passagens do livro mas sem se apegar a uma só, tornando o filme pra quem assiste uma coletânea de acontecimentos dispersos, sem que cada um deles seja aprofundado adequadamente, todos tratados de forma um tanto superficial. Pra quem já leu o livro e conhece os detalhes das histórias, fica mais fácil, mas quem não leu perde muitos detalhes mostrados de forma rápida. Talvez tivesse sido melhor escolher apenas uma história central (por exemplo o conflito com o grupo de Ezequiel) e tê-la explorado a fundo, para criar no espectador a noção de continuidade, de introdução, desenvolvimento e conclusão, chegando ao clímax, coisa que talvez seja mais difícil de se criar num filme do que num livro.

Apesar disto, o filme consegue captar o clima do livro com perfeição, e nos transporta para as ruas de Salvador onde Pedro Bala e seu grupo se viram como podem para sobreviver. Tal história levanta questões cruciais para compreender nossa sociedade e como lidamos com nossas crianças. Crianças brincando de ser adultos, forçadas a se inserirem num mundo que nem adultos deviam ser obrigados a conhecer. Por outro lado, a união do grupo, a busca de valores (como na parte em que Bala expulsa Ezequiel por estar roubando do grupo e afirma que só roubam lá fora), o companheirismo, a criatividade, o respeito aos mais velhos e àqueles que são identificados como aliados do grupo são questões abordadas por Jorge Amado e que demonstram um código de honra entre os jovens integrantes do bando.

Nunca foi preocupação do escritor resolver os problemas sociais. Seu livro não vem recheado de um moralismo hipócrita como muitos utilizam ao abordar estas questões. Daí talvez a genialidade de sua obra. Amado faz simplesmente um retrato cruel e contundente da situação de vida destas crianças inseridas na marginalidade. Não aponta soluções, e deixa claro mesmo que nem elas talvez quereriam viver de outra forma. A liberdade que desfrutam em seu estilo de vida, além da convivência com os companheiros os torna capitães de seu próprio destino. A incerteza do dia-a-dia e a falta de compromissos é o que os atrai. Não se trata aqui de romantizar a marginalidade e o crime, mas apenas de nos fornecer a visão do outro a respeito da questão. E talvez isto faça toda a diferença!

O Curioso Filme de David Fincher

2011-10-09T14:50:00.002-03:00

David Fincher é um diretor surpreendente. Vez ou outra ele aparece com uns filmes que marcam. Foi assim com Seven, um suspense policial brilhante de tirar o fôlego, e com um enredo dos mais macabros. Foi assim com o Clube da Luta e sua crítica existencialista ao sistema e às neuroses da vida pós-moderna. E recentemente ele nos brinda com talvez o que seja a grande obra-prima de sua carreira. Estamos falando de O Curioso Caso de Benjamin Button, que estreiou nos cinemas brasileiros em 2009. Não é a toa que o filme recebeu 13 indicações ao Oscar, incluindo a de melhor filme, melhor diretor para Fincher, e melhor ator para Brad Pitt, o que já é por si só algo que merece destaque.

Mas como se não bastassem as indicações, o filme é bom, muito bom. Pra começar, tem uma ótima história. Baseado em um conto de mesmo nome do autor estadunidense F. Scott Fitzgerald escrito no início da década de 20, que conta a história de Benjamin Button, um jovem que nasce com uma estranha peculiaridade: sua vida anda para trás. Não, não se trata de uma metáfora. Ao invés de envelhecer como todo mundo, ele nasce velho e à medida que o tempo passa seu corpo vai rejuvenescendo. A primeira vista parece uma boa idéia imaginar tal história, não? Imediatamente nos vem a curiosidade de saber como ela seria contada em um filme, como de fato funciona isto? Como seria a vida de uma pessoa que, ao invés de envelhecer com o tempo, fica mais jovem. Que tipo de implicações tal fato traria à sua existência, como ele se relacionaria com todos a sua volta?

É extamente a idéia espantosa de ir contra o tempo que nos fascina, e que se torna o grande mote do filme. Logo de cara nos deparamos com tal idéia ao vermos o relógio do Sr. Gateau, e nos espantamos com ela. Isto é apenas um pequeno exemplo do que veremos pela frente. O filme esbanja poesia, nos mostra o quão complexo pode ser o tempo, e que Button não está livre dos medos e problemas que atingem os pobres normais como nós só porque daqui a 10 anos ele irá parecer mais jovem. Mas é interessante observar a dinâmica do filme, como Button convive com esta estranha peculiaridade que o aflige, e como as pessoas a sua volta lidam com ela. Com bom humor e uma boa dose de romance aliada ao drama, Fincher nos conta a história de Button fazendo um filme singelo, belo, de uma leveza estrondosa e uma emoção realista.

E este é exatamente o primeiro grande ponto do filme. Conseguir levar para a tela tal história de forma crível, realista, sem exageros ou fantasias. O segundo está na maquiagem. Se este filme não merecer o oscar de melhor maquiagem, eu não sei o que mais merece. A caracterização dos personagens neste aspecto é simplesmente perfeita. Mal reconhecemos Brad Pitt na pele de um velhote baixinho e enrugado, ou de um adolescente mirrado. Cate Blanchet então está praticamente irreconhecível na pele da Sra. Daisy velha e moribunda, internada em uma cadeira de hospital, ouvindo sua filha ler o diário de Button. E quando jovem, a atriz dá um espetáculo de beleza, parecendo pelo menos uns 20 anos mais nova do que é. A atriz parece uma boneca de porcelana na pele da jovem Daisy. Simplesmente fantástica a caracterização dos personagens deste filme, em suas diversas idades.

E quanto às atuações, foi uma injustiça a indicação de Pitt e terem deixado Blachet de lado. A atriz consegue construir sua Daisy com uma complexidade muito maior do que Pitt o faz com Button. Este se limita a ser um personagem diferente, mas que exige muito mais dos maqueadores do que de Pitt. Mas Blanchet está divina, ela consegue dar vida à personagem, e faz isto de forma que percebamos as várias fases com que passa sua personagem, de uma jovem e imatura bailarina para uma segura e decidida mulher de meia-idade, até chegar a uma vivida, experiente e até certo ponto amargurada senhora, marcada pelas lembranças e pelas privações que o tempo lhe impôs. Merecia com certeza uma indicação, muito mais do que o próprio Pitt.

O terceiro grande ponto do filme está nos detalhes. David Fincher mostrou que é realmente um grande diretor. As minúcias deste filme são um diferencial a mais. O detalhe da história do relógio que anda para trás, uma metáfora que permeia e se mistura com a história do próprio Button; a ironia dele ser criado em um asilo para idosos, quando velho; as pequenas frases e mensagens que nos fazem pensar, refletir sobre nossa vida; as cenas do homem que foi sete vezes atingido por um raio (preste atenção nelas, as cenas são hilárias); a forma de contar a história do atropelamento de Daisy, mostrando um encadeamento de acontecimentos; a alusão à diversos momentos da história cultural estadunidense, como os anos 50, suas motocicletas, jaquetões e óculos escuros, as duas grandes guerras, a chegada da TV e do Rock'N Roll, etc.(recurso já utilizado em Forrest Gump, mas que funciona novamente aqui); ou a história de cada personagem que ele encontra em seu caminho, e as relações que estabelece com eles, tudo isto faz com que se desenrole à nossa frente um rico universo de vivências e experiências de Button, como é nossa própria vida aliás.

E assim O Curioso Caso de Benjamin Button se torna um épico fabuloso, que nos prende à cadeira do início ao fim, e saímos do cinema extasiados e apaixonados por este personagem diferente e fascinante. Como se não bastasse, o filme é conduzido de forma que a história de Button se encontre com a de sua própria narradora, Caroline, que lê o diário de Button para sua mãe, e no final faz com que aquela leitura não seja por acaso, mas atenda a um motivo maior. Assim Fincher consegue construir um filme denso, brilhantemente bem pensado e fantasticamente bem realizado, como há muito não se via.

Rock, piadas e cinema

2011-10-04T21:05:00.000-03:00

Jack Black é mesmo um cara estranho. Famoso pelos seus filmes de comédia e seus personagens geralmente insanos. O que pouca gente sabe é que JB é um roqueiro assumido, e possui até mesmo uma banda do estilo. Bom, se é que se pode chamar aquilo de banda. Afinal de contas, possui apenas dois integrantes oficialmente, o guitarrista Kyle Gass e o próprio Jack Black. E se alguém perguntar qual o estilo da banda, bom, taí algo difícil de definir. Ao ouvir seu primeiro álbum, por exemplo, o que temos é um conjunto de riffs, a maioria tocados num violão, aliados ao vocal, digamos, "épico" de Jack Black, no melhor estilo Dio, se é que me entende. Músicas curtas, muitas vinhetas, piadas non-sense aqui e ali e nada mais.

Outras características da banda são o fato de se acharem a melhor banda de Rock do mundo, e de estarem sempre atrás da canção perfeita, achando que a encontraram a cada nova composição, além é claro de JB dizer nove palavrões a cada cinco palavras. Em 2006 todas estas características puderam ser conferidas em dose máxima, quando Jack Black resolveu unir suas duas paixões: cinema e rock, lançando o filme Tenacious D - The Pick of Destiny, que em português recebeu o sub-título de Uma Dupla Infernal. Este não é o primeiro filme sobre Rock que Jack Black faz. Em Escola de Rock ele faz o papel de um roqueiro frustrado, que após ser expulso de sua banda, tem a oportunidade de se fazer passar por um amigo professor, fazendo uma substituição em uma das escolas mais conceituadas da cidade. Sem ter o que ensinar, ele resolve montar sua nova banda de Rock utilizando os alunos. Com uma ótima trilha sonora com grandes clássicos do Rock, como The Doors, Led Zeppelin e Ramones, além das músicas próprias cantadas por JB, altamente influenciadas por AC/DC.

Já o filme Tenacious D conta a história da banda de uma forma, digamos, pouco usual, com Jack Black e Kyle Gass interpretando a si próprios. A primeira cena do filme é absolutamente hilária, e mostra um jantar de família tradicional, quando de repente chega um garoto com uma guitarra e começa a cantar um Rock cheio de palavrões no meio da cozinha. Após o pai brigar com o garoto e colocá-lo de castigo, o jovem faz uma oração para Dio, que faz uma sentença: o jovem deverá fugir da repressão dos pais e ir para Hollywood, onde encontrará seu parceiro ideal, e juntos farão sucesso como uma banda de Rock. JB então conhece KG, e assim começa a história da banda Tenacious D. O mais engraçado é como escolhem o nome do grupo, que vem de duas marcas de nascença que ambos tem em suas nádegas: JB tem uma marca escrito "Tenac", e KG tem escrito "icious D". Assim surge Tenacious D. O problema é que eles não tem uma música perfeita para que possam se tornar os mestres do Rock e do Metal. Então eles descobrem algo fantástico: que todos os grandes mestres do Rock mundial usavam uma mesma palheta. Descobrem então o segredo da Palheta do Destino (The Pick of Destiny), e partem em busca de conseguir a mesma e assim se tornarem grandes astros do Rock.

Não é preciso dizer que ai começam todas as confusões. Cenas hilárias como a de JB alucinando que está em uma floresta encantada após comer uns cogumelos selvagens, ou a história do surgimento da palheta, que segundo o funcionário de uma loja de discos seria o dente do próprio demônio. Aliás outro ponto forte do filme são as participações especiais. Ben Stiller está hilário como o roqueiro funcionário da loja de discos; Tim Robbins como o lunático manco que tenta roubar a palheta deles, e destaque especial para o cantor Dave Grohl no papel do diabo, além da participação de Ronnie James Dio, no papel dele mesmo, é claro. A trilha sonora também é excelente, no melhor estilo Tenacious D. Se em Escola de Rock a influência principal era AC/DC, aqui temos um Hard Rock épico bem no estilo Ronnie James Dio, com histórias de bruxos e demônios medievais. Não poderiam faltar é claro as piadas non-senses de JB, sempre satirizando o universo roqueiro, como a associação do rock ao demônio, o uso de drogas, a rebeldia contra os valores familiares e etc, mostrados ao mesmo tempo de uma forma crítica e irônica. Enfim, um filme divertido e engraçado, com boas doses do bom e velho Rock'N Roll.

Metal in Rio

2011-09-28T01:16:00.006-03:00

Não dá pra falar de Rock in Rio sem falar de polêmicas né. Sempre foi assim. Lembro que em 2001, a bola da vez foi o Carlinhos Brown, que sofreu um enxame de garrafas durante seu show. A bola da vez agora é a Claudia Leite, ápice da incoerência musical, sem contar as Kate Perrys e Rihannas da vida. Mas fazer o que, não dá pra cobrar coerência de um festival que se preocupa mais com a parte comercial do que qualquer outra coisa. Felizmente, neste como no festival anterior, um dos dias foi salvo, o chamado "dia metal", oportunidade em que milhares de headbangers tomam as ruas da cidade do rock com suas camisas pretas, seus cabelos grandes e seus coturnos. E neste ano a programação estava um prato cheio pra quem gosta do estilo, com shows de dois nomes lendários do estilo, os grande Motorhead e Metallica.

A estrutura montada na Barra da Tijuca, no Rio foi muito bem planejada para receber os mais de 100 mil fãs, mas na prática apresentou alguns problemas. Um deles foi as enormes filas. Pra entrar e sair não houve fila nem tumulto, isso porque a entrada era bastante larga e abrigava bem a todos, tornando bastante ágil a entrada no festival. Mas lá dentro, se você quisesse comer um sanduíche ou ir em algum dos brinquedos, tinha que ter muita mas muita paciência. Filas quilométricas e estáticas nos quiosques de lanches. Uma amiga ficou quatro horas na fila da tiroleza. Outro problema foram os banheiros. Pensaram bem em não colocar banheiros químicos. Ao invés disto, fecharam uma área e colocaram mictórios nas paredes. O problema é que estes mictórios entupiram e a água transbordou alagando a grama do local. Dá pra imaginar o cheiro que ficou. No final já tinha gente mijando na grama e nas paredes, já que nem fazia mais muita diferença.

Bom, mas viemos aqui pra tocar ou pra conversar? Então vamos falar dos shows. Cheguei na cidade do rock por volta de 14:30, hora exata em que o Matanza começava seu show no palco sunset. E que show. Com a participação do grande BNegão, os caras detonaram com músicas do Matanza, algumas do BNegão, como A Dança do Patinho, clássica, e um cover de Mano Negra. Foi só o começo para uma longa tarde de shows. Logo depois veio o Korzus, e ai meu amigo, o lugar foi pros ares de vez. Com a participação de grandes nomes do metal e punk mundiais, como Michael Schmier do Destruction, Mike Muir, do Suicidal Tendencies, e outros membros de Dead Kennedys, Exodus e Misfits, foi uma festa e tanto em cima do palco.

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Até aqui o som estava até razoável, oscilando às vezes, mas nada que atrapalhasse muito os shows. Mas quando o Angra começou a tocar, todos perceberam que algo não estava certo. O som estava muito ruim, baixo, ora aumentava ora abaixava, barulhos estranhos na bateria, a todo momento todos na platéia gritavam que o som estava ruim, mas ninguém conseguia resolver o problema. A situação ficou ainda pior quando a convidada do grupo entrou, a vocalista Tarja Turunen, ex-vocalista do Nightwish, que cantou a música Wuthering Heights, e foi bastante prejudicada pela má qualidade do som. Somente na música Phantom of the Opera, cover de Nightwish que Tarja e Edu cantaram em dueto é que o som deu uma melhorada, e isto porque o show já estava no final.

Os próximos a entrarem no palco foram os caras do Sepultura, que trouxeram como convidados um grupo de percussionistas francês, o Tambours du Bronx. Palco montado, instrumentos a postos, mas cadê a banda? Nada do Sepultura entrar no palco. Enquanto isso no palco Mundo a banda Glória começava seu show. Como o Sepultura não começava resolvi ir lá dar uma sacada no que os caras tocavam, já que não conhecia a banda, e cheguei exatamente na hora em que mandavam Domination, do Pantera. Logo depois ainda veio Walk, e pelo menos nessa hora os caras parecem ter conseguido agradar ao público. Depois disto voltei para o palco sunset que o Sepultura parece havia resolvido aparecer. A qualidade do som tinha melhorado um pouco, mas ainda oscilava bastante o volume. Mesmo assim o show dos caras foi foda, enquanto no Palco Mundo o Glória era vaiado.

Infelizmente quem estava muito atrás no palco sunset, ficava bastante próximo do Palco Mundo, fazendo com que o som do Gloria tampasse um pouco a apresentação no palco sunset, coisa que imagino não havia sido prevista pela organização do evento. Aliás, o que o Sepultura estava fazendo no palco dois e o Gloria no principal era algo que ninguém conseguia compreender. Mas tudo bem. A participação dos tambores no show do Sepultura foi muito foda, deu um peso absurso às músicas (que já eram pesadas), e fez deste um dos melhores shows do Sepultura que já vi. Entre as músicas, Refuse/Resist, Territory e Roots Bloody Roots fizeram a alegria da galera, além de um cover inusitado de Prodigy, com Firestarter, que também ficou muito foda.

Missão cumprida no palco sunset, foi hora de tentar arrumar um bom lugar no palco mundo. Lá quem tocava eram os malucos do Corri de Cãimbra, banda que nunca tinha ouvido falar sequer. A banda é até legal, e pode ser resumida em um dream theater com um cabelo do rage against the machine e a voz do Rush. A parte mais legal do show foi o cover de The Trooper, do Iron Maiden, e acho que é só o que posso dizer deles. Depois disso meu amigo, ai o bicho pegou. Primeiro veio o lendário Lemmy Kilmister e seu Motorhead, uma das bandas mais tradicionais do cenário metálico mundial. Com seus mais de 100 anos, Lemmy é um dos vovôs do metal que continuam na ativa e mandando muito. O show foi no melhor estilo Lemmy, pouca conversa e muito rock'n roll.

O Slipknot veio a seguir com sua performance, digamos, teatral. Máscaras, uniformes, pirotecnia e malabarismos foram as marcas principais deste show. Os caras são bastante insanos, mantém o clima do show bem macabro. Um dos integrantes inclusive chegou a subir numa das torres e pular na galera, algo totalmente insano! Elevadores nas percussões e na bateria, que chegou a ficar de cabeça pra baixo na última música, e fogo saindo no meio e nas laterais do palco foram outras marcas do show. A banda tocou muitas músicas de seus primeiros álbuns, o que agradou em cheio aos fãs mais afoitos, e consagrou este como um dos melhores shows do festival.

Mas o melhor da noite ainda estava por vir. Aqueles que todos queriam ver! O Metallica foi a grande atração da noite e posso dizer que fez um show histórico! Com um repertório composto por clássicos que influenciaram gerações e mais gerações de metal e rock pelo mundo todo, os caras encerraram a noite e o primeiro fim de semana do festival mostrando como se deve ser. O repertório se concentrou nas músicas de seus primeiros e mais clássicos álbuns. O St. Anger, álbum considerado mais "maldito" na carreira do grupo foi sumariamente ignorado, e dos também controversos Load e Reload tocaram apenas Fuel. Uma pena, pois eu gosto muito de Until it Sleeps também e acho que ela tinha lugar neste show. No mais tome clássico e mais clássico, concentrando nos álbuns Master of Puppets, Ride the Lighting, And Justice for All e no Black Álbum.

As partes mais emocionantes do show pra mim foram For Whom the Bell Tolls, Nothing Else Matters, acompanhada por um coro de 100 mil vozes e palmas, e Sad But True. O mais impressionante neste show, aliás não só neste como em todos os outros também, foi a interação e animação do público. Mesmo depois de mais de 12 horas de shows, o público ainda tinha fôlego pra cantar cada música junto, aplaudir e gritar a cada manifestação da banda no palco. Tanto carinho visivelmente emocionou aos integrantes, fazendo com que James inclusive brincasse com o público fazendo sinais que estava com sono e precisava dormir, ouvindo um sonoro não da platéia, claro. No final encerraram com duas músicas de seu primeiro álbum, Whiplash e a sonora Seek and Destroy, pedida por todos.

Os caras do Metallica ainda ficaram um bom tempo andando pelo palco e agradecendo o carinho do público, demonstrando que o momento foi marcante não só para nós, como para eles também. Apesar de todos os problemas e críticas feitas ao festival, este dia demonstrou que é possível sim aliar lucro e boas bandas em um festival, e que não é preciso trazer Cláudia Leite para conseguir lotar um festival. Mas infelizmente a família Medina parece não ter aprendido a lição que Carlinhos Brown deu há 10 anos atrás.

Fotos dos Shows

Na Bubuia eu Fui

2011-09-21T18:34:00.000-03:00

Ontem foi dia de Goiânia conferir a apresentação de uma das melhores cantoras da nova geração no Brasil. Trata-se de CéU, cantora jovem que já vem conquistando notoriedade por seu som cheio de influências diversas e uma voz poderosíssima. O show fez parte do projeto Música no Câmpus da UFG, e como sempre contou com uma excelente organização além de um preço praticamente irrisório (R$10,00 a meia) pra uma cantora deste porte. Animada, a cantora dançou o show inteiro e não se cansou de agradecer ao excelente público que aplaudia e cantava cada música junto. Confira abaixo um pouco do que foi este grande espetáculo.

Veja as Fotos deste show

Doentes são os outros

2011-09-17T08:40:00.000-03:00

Quem nunca se surpreendeu atravessando a rua para evitar cruzar com um negro vindo em nossa direção? Ou lançando um olhar torto para alguém que julgávamos ser homossexual? O preconceito está disseminado em nossa sociedade, e esta praga acaba nos afetando às vezes quase sem querer. Imagine então a vida de um homossexual durante os anos 60 e 70? Tal preconceito devia ser muito pior do que hoje. Este é exatamente o tema do filme Milk, protagonizado por Sean Penn. Ele interpreta de forma brilhante Harvey Milk, primeiro homossexual a ser eleito a um cargo público nos Estado Unidos, em meados da década de 70.

A trajetória de Milk demonstra todo o ódio e preconceito de uma sociedade contra as minorias, e mais especificamente contra aqueles que tem uma orientação sexual diferente. Suas lutas e dificuldades são retratadas de forma cruel em tela, fazendo com que suas vitórias sejam comemoradas esfusiantemente pela platéia. Além disto, o filme é muito bem cuidado. Atores jovens como James Franco (O Duende Macabro do filme Homem-Aranha 3), Emile Hirsh (O Speed Racer), e o ator mexicano Diego Luna dão um show de interpretação, com personagens fortes e marcantes. Mas quem brilha mesmo é Sean Peann. Sua atuação está totalmente diferente de todos os papéis que já o vi fazer. Contido, bem cuidado, Sean Penn encarna a homossexualidade de uma forma leve e descontraída, sem soar forçado em momento algum. Assim, ele carrega o filme nas costas, e nos desperta para o perigo e a atualidade dos preconceitos e visões deturpadas que temos daqueles que são diferentes de nós.

O filme toca ainda em outros pontos vitais, como o fanatismo religioso e a visão medíocre, deturpada, distorcida e intolerante que as religiões cristãs, especialmente as pentecostais, têm em relação ao homossexualismo, colocando tudo em nome de seu deus, claro. As campanhas difamatórias promovidas por estes grupos na década de 70 são mostradas no filme de forma clara, inclusive com trechos de gravações de TVs da própria época, que mostram candidatos e políticos evangélicos promovendo uma verdadeira "caça às bruxas" aos homossexuais, chegando inclusive ao absurso de negar a estas pessoas direitos inalienáveis do homem, como o direito à liberdade. Uma destas campanhas, por exemplo, visava fazer com que professores assumidamente homossexuais fossem demitidos, por estarem pervertendo as crianças nas escolas.

A reação no entanto não tarda. Milk e seus companheiros organizam passeatas e lutam até o fim contra a discriminação, o preconceito e a intolerância. Harvey Milk acaba se tornando um exemplo de alguém que dedicou sua vida à esta causa, e se insere no rol de homens como Martin Luther King, que sempre lutaram contra o preconceito e a discriminação. Ver e conhecer a história de vida deste personagem tão marcante, e que conhecemos tão pouco, é algo bonito e enriquecedor, e que devia ser praticado por todos aqueles que acreditam que um mundo igualitário e fraterno é possível. Milk é um exemplo de filme com conteúdo político e denúncia social, e ao mesmo tempo uma homenagem a todos aqueles que dedicam suas vidas às causas nobres, mesmo que sejam eles tão poucos nos dias de hoje.

Os Rockers Também Amam

2011-09-07T21:28:00.000-03:00

Quem tem ido ao Martim Cererê nos últimos meses tem se deparado com uma realidade um tanto quanto inusitada. Em meio aos shows predominantemente de rock e suas vertentes, vez ou outra encontramos uma nova sonoridade, um novo estilo, que vem conquistando cada vez mais adeptos e leva cada vez mais pessoas a estes festivais. Com seu estilo assumidamente e propositalmente brega, a Banda UÓ tem feito roqueiros os mais conservadores perderem a linha e dançarem até o chão em seus shows.

Pra quem não sabe do que estou falando, trata-se de uma banda do que eles mesmo denominam de eletrobrega, ritmo que mistura uma espécie de forró do Pará (Calypso e afins), com uso de sintetizadores e batidas eletrônicas. Se isto não lhe diz muita coisa, lembra-se daquela banda que estourou há algum tempo atrás com suas músicas grudentas e uma mulher das mais agudas cantando, o grupo DJavu? Pois trata-se exatamente daquilo. A diferença da Banda UÓ está nas letras debochadas, recheadas de palavrões, na irreverência de seus "músicos" e claro na animação de seus shows.

Formada por Mateus Carrilho, Davi Sabbag e Mel Gonçalves, a banda vem conquistado cada vez mais público não só em Goiás como em todo o Brasil, e todo festival que eles participam, a maioria de rock, tem seu público garantido. À primeira vista a sensação é de estranheza, afinal, o que uma banda de brega está fazendo em meio a shows de rock? Ainda mais sabendo como o mercado rocker é elitista e muitas vezes até mesmo preconceituoso em relação a outros estilos. Mas logo a onda te pega e você se vê dançando e se divertindo ao som da banda. Diversão, acho que este é o segredo da Banda UÓ, e acaba que todos a vêem como um grande pastiche, uma grande curtição, e então neste momento nos entregamos também a alguns minutos desta curtição.

Afinal como não curtir músicas como Shake de Amor, O Doce Amargo do Perfume e Foi Você quem Trouxe (esta é minha preferida) e letras como "Eu jamais vou gostar de alguém, vou te amar, meu coração vai doer", que beira o cúmulo da breguice. É hilário! O mais legal da banda é que eles conseguem curtir e brincar com os clichês e estereótipos das músicas românticas, afinal, tem coisa mais brega que o amor? Mas este não é o segredo do sucesso da banda. O segredo, que eu consegui descobrir após dias e meses de uma análise profunda de suas músicas, é que elas simplesmente não saem da nossa cabeça. Grudam como chiclete, e quando menos esperamos estamos nós a cantarolar Banda UÓ no ônibus, no trabalho, na escola.

Por tudo isto, se você vir o nome Banda UÓ por ai, vá conferir. Esqueça a pose, a vergonha e tudo o mais e apenas se entregue ao eletrobrega. Se não gostar do ritmo, tenho certeza que pelo menos vai se divertir com as letras e a atitude da banda em cima do palco. Se não dançar, pelo menos lhe garanto boas gargalhadas. E afinal, música também é pra isso, não?

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A Melancholia de Lars Von Trier

2011-08-24T11:49:00.004-03:00

Lars Von Trier é um gênio. Mas só às vezes. Depois de se consagrar pelo genial Dogville, filme que se tornou cult por apresentar um estilo teatral, sem cenários e todo filmado em cima de um palco, onde as casas, portas, tudo eram apenas riscos no chão, e uma história excelente que mostra o lado vil da humanidade, mesmo nos recantos mais distantes do mundo. Sua continuação, Manderlay não fez tanto sucesso, mas continuava com a mesma fórmula, e é um bom complemento ao primeiro, sem o mesmo impacto inicial no entanto.

Após estes dois filmes passei a acompanhar a carreira de Lars com algum interesse e curiosidade. Seu próximo filme seria o desconhecido O Grande Chefe, outra grande sacada do diretor. Aqui vemos ele flertar com a comédia, em um filme que conta uma história totalmente inusitada: um pequeno empresário que inventa para seus funcionários que ele na verdade não é o dono da empresa, e que é o verdadeiro dono, que nunca aparece (porque não existe , evidentemente), quem toma as decisões na empresa. Assim todas as ordens que ele precisa tomar, como mandar embora um encarregado ou promover outro, ele atribui a este chefe distante. O problema é que os funcionários começam a pressioná-lo para conhecer este chefe, e então o dono se vê obrigado a trazer alguém para apresentar como este chefe. Ele contrata então um ator falido da cidade, que terá a missão de se fazer passar pelo verdadeiro dono da empresa. Só que o ator começa a interferir no andamento da empresa, começa a dar ordens por conta própria, e acaba criando a maior confusão no lugar.

Como eu disse anteriormente, este filme não fez muito sucesso e é praticamente desconhecido do grande público. Mas é ótimo e muito recomendado. Mas o melhor da carreira de Lars ainda estaria por vir. O Anticristo é um dos melhores filmes que já vi, ouso dizer melhor até do que o próprio Dogville, considerado a obra-prima do diretor. Um filme soturno, melancólico, violento, tudo dosado na medida certa. Aqui vemos a história de um casal que após perder seu filho, se refugiam numa casa de campo para tentar esquecer o trauma, mas coisas estranhas começam a acontecer. Com apenas dois personagens, interpretados por Willem Dafoe e Charlotte Gainsbourg, o filme consegue nos prender, e o final é de uma crueza e genialidade extremas.

O mais recente filme de Lars, que está em cartaz nos cinemas, Melancholia utiliza a mesma fórmula do seu antecessor, mas sem a mesma genialidade. Os elementos aqui parecem não se encaixar. Tudo o que vemos em Anticristo está lá. A fotografia escura, tornando o filme meio cinza, nos passando uma impressão melancólica o tempo todo, um cenário desolado, afastado da civilização, uma situação surreal, aqui representado pela aproximação de um planeta da Terra, em Anticristo representado pela fixação da mulher pela bruxaria medieval, a utilização do sexo e da nudez, aqui menos explorados mas não menos presentes, diálogos estranhos e non-senses, personagens colocados em situações extremas obrigados a testar seus limites.

Mas todos estes elementos, que em Anticristo foram trabalhados de forma surpreendente e deram coesão ao filme, aqui parecem não se assentar. Tudo parece meio desconexo, sem relação com o todo. O filme é dividido em duas partes. Na primeira delas, vemos a história do casamento de Justine, interpretada por Kirsten Dunst, uma mulher frustrada, que não está feliz com a vida que tem, mas que mesmo assim continua a viver de aparências. Muitos acham esta primeira parte do filme a menos importante ou interessante. Pois eu achei justamente o contrário. Para mim, esta parte trabalha algo em nós que é recorrente. Momentos de alegria, onde tudo a nossa volta parece bem, mas lá no fundo não conseguimos nos sentir felizes, não conseguimos nos adaptar ao mundo à nossa volta. No início vemos a felicidade de Justine com o casamento, mas aos poucos vamos percebendo outros elementos, a loucura do pai, a mesquinhez da mãe, a dominação da irmã, a ambição do chefe e a melancolia de Justine, que parece não conseguir se adaptar a este mundo. Aqui é onde o filme consegue desenvolver melhor uma fábula dos sentimentos humanos.

Na segunda parte, considerada por muitos a principal do filme, a protagonista é Claire, irmã de Justine, interpretada novamente pela excelente Charlotte Gainsbourg. O tema aqui se volta para os astros, onde um evento surreal irá marcar o planeta Terra para sempre. A passagem de um planeta chamado Melancholia próximo à Terra divide a opinião dos cientistas. Alguns dizem que este não irá se chocar com a Terra, enquanto outros dizem que irá destruir toda a nossa civilização. Tais discussões mexem com o casal John (Kiefer Sutherland), um estudioso dos astros, que defende que o planeta não irá se chocar com a Terra e Claire, que teme o contrário. Muito longe de repetir o nível de tensão que vemos em Anticristo, apesar de tentar usar os mesmos elementos, o filme traz uma visão pessimista e melancólica da humanidade. Em uma de suas frases, chega a decretar que "Ninguém sentirá falta da Terra". Assim, ele passa a se tornar um retrato apocalíptico de nossa condição humana. No entanto algo parece faltar, um detalhe que dê sentido à toda esta história, como Lars soube fazer tão bem em Anticristo. No final saimos do cinema com uma sensação de que poderia ter sido melhor. Mas Lars sabe o que faz. Talvez fosse pra ser assim.

Sociedade Black Label em Goiânia

2011-08-21T14:05:00.000-03:00

No último dia 16 nós goianos pudemos ter a oportunidade de conferir o show de uma das maiores bandas de Heavy Metal do mundo. O Black Label Society é uma banda formada pelo guitarrista Zack Wylde, que ficou famoso após tocar pra nada mais nada menos que Ozzy Osbourne, e hoje após treze anos de carreira e onze discos lançados, a banda é uma das maiores do mundo no estilo. Sua marca são os riffs poderosos, densos, soturnos, aliados ao vocal único de Zack, que aprendeu bem com seu mestre Ozzy. Tudo isto pôde ser conferido pelos goianos, que não decepcionaram e receberam muito bem Zack e sua turma para uma noite inesquecível. Confira abaixo toda a energia do show dos caras em terras goianas:

Confira as Fotos do show

De volta aos Anos 60

2011-08-10T12:09:00.003-03:00

É comum vermos bandas de covers ou que fazem homenagens aos seus artistas favoritos. Mas ultimamente tenho encontrado alguns gêneros de bandas que não se contentam apenas em fazer covers, mas versões das músicas em estilos diferentes, ou até mesmo misturando músicas de duas bandas diferentes. Um exemplo são os caras do Beatallica, que como o próprio nome deixa a entender, fazem uma mistura de Beatles com Metallica. O resultado? Músicas como And Justice For All My Loving, mistura de ...And Justice for All do Metallica e All My Loving dos Beatles, e Everybody's Got A Ticket To Ride Except For me And My Lighting, que mistura Everybody's Got Something to Hide Except Me and My Monkey dos Beatles e Ride the Lighting do Metallica. Inclusive os caras já tiveram um artigo publicado neste blog a respeito deles, leia mais aqui.

Outra banda dedicada a prestar homenagens a seus ídolos são os caras do Full Blown Cherry. O lance aqui é fazer versões Rockabilly de suas bandas de rock preferidas, bem naquele estilão anos 60. Até agora os caras já lançaram dois álbuns, um tributo aos Ramones e outro ao AC/DC, todos em versão Rockabilly. Entre as músicas podemos destacar Highway to Hell, Jailbreak e For Those About to Rock, do AC/DC, e I Wanna be Sedated, Beat on the Brat e Rockaway Beach dos Ramones, todas em versões simplesmente geniais, à la Elvis Presley.

Mas uns caras foram ainda mais longe nessa história de Rockabilly. Resolveram fazer covers não de músicas de rock, mas de clássicos da pop e dance music mundiais. Assim nascem The Baseballs, uma banda que vive e respira os anos 60, desde a imagem de seus integrantes até, claro, suas músicas. No primeiro trabalho lançado em 2009, Strike! os caras botaram pra quebrar. Trazendo músicas como Umbrella, da Rihanna (o maior sucesso deles até agora), Hot'n Cold (Katy Perry), Angels (Seal), The Look (Roxette) e até Poker Face (Lady Gaga), todas em versões que fariam inveja até mesmo ao próprio Elvis, totalmente Rockabilly. Além das músicas, os clipes do grupo até nos fazem acreditar que tais músicas tenham realmente sido gravadas em plenos anos 60, com mulheres pulando e dando gritinhos a cada topete ou costeletas que apareciam.

Seu segundo trabalho intitulado String'n Stripes, lançado este ano não foi tão impactante quando o primeiro, mas trouxe algumas boas versões também. Entre os destaques temos uma versão matadora de Bitch, da Meredith Brooks, a melhor do disco, TikTok, da Kesha e até Paparazzi, de Lady Gaga. A escolha do repertório sempre se pauta por músicas dançantes e que estouraram nas rádios do mundo todo, o que ajuda a banda. Mas a qualidade das versões feitas impressionam em todos os seus detalhes, desde o ritmo, os gritinhos iê iê iê, os backing vocals, tudo é perfeitamente bem cuidado para nos transportar a uma outra época. E conseguem isso com maestria. Com certeza uma das melhores coisas que achei no mundo da música recentemente.

A volta do RPM

2011-08-07T19:15:00.006-03:00

Uma noite dedicada ao passado. Foi assim que me senti ontem. No palco, um grupo de que fez sucesso nos anos 80, e após uma tentativa de carreira solo frustrada de seu vocalista galã, retorna aos palcos para tentar novamente fazer sucesso em cima de seu passado glorioso. Em frente ao palco, uma legião de fãs órfãos da carreira interrompida em busca de resgatar toda uma fase de suas vidas. Ah, os anos 80, esse período que deixou saudades em toda uma geração de balzaquianos que vagam agora em busca de qualquer coisa que lhes traga a magia e áurea desse período.

Neste aspecto, o RPM é praticamente uma lenda oitentista. Seu primeiro trabalho Revoluções por Minuto é talvez o trabalho mais vigoroso e autêntico de todo o rock nacional desse período. A fórmula do rock cru, em alta rotação com pitadas de psicodelia e rock progressivo no uso de teclados e sintetizadores fazia a diferença numa época em que imperava o pop rock quase sem sal de Legião Urbana e afins. Suas letras ativistas, cheias de referências à guerra fria e temas políticos aliadas a outras que tratavam de temas mais, digamos, mundanos, como bebida e mulher eram um prato cheio para uma geração que saia de um período de repressão e dominação ideológica.

Para completar, a presença de um dos melhores frontmans que este país já viu. Paulo Ricardo tinha tudo o que um frontman precisa. Galã para as mulheres, uma voz potente e única (pra mim uma das melhores vozes do rock nacional), a banda tinha tudo pra estourar e ser um sucesso absoluto de público. E foi. Durante pouco tempo. Seu primeiro trabalho vendeu mais de 300 mil cópias, rendendo um disco de ouro e outro de platina. Mas após o lançamento de mais dois álbuns, um ao vivo e um disco de inéditas que não conseguiu manter o sucesso junto ao público, e após vários desentendimentos entre seus integrantes sobre os rumos que a banda devia tomar, acabam se separando em 89.

Após isso Paulo Ricardo começa sua carreira solo, e lança um fiasco após o outro. Sua carreira solo é marcada por um estilo, digamos, mais pop brega romântico, se afastando da rebeldia que marcou seu início de carreira. Agora que estão de volta, a dúvida é que RPM é esse que estamos diante? E uma parte dessa pergunta começou a ser respondida pra mim no show de ontem realizado em Goiânia. Entre os presentes, saudosistas junto com jovens que sequer viveram os anos 80 e mal sabiam do que se tratava o RPM, atraidos simplesmente pela presença de Paulo Ricardo. E o que vimos no palco foi um pouco disso tudo.

Como soar oitentista em plenos anos 2010? Afinal, era isso que a maioria tinha ido ali buscar. A banda começa com uma música nova, que aliás foi repetida no final do show, talvez como uma estratégia de fazer o público se acostumar com ela. Difícil definir que caminho segue o RPM ouvindo esta nova canção. De cara, eu arriscaria a dizer que eles seguem mais o estilo do álbum Quatro Coiotes, ou seja, um rock mais cadenciado e psicodélico, e menos "alta rotação" como no primeiro álbum (baixe as músicas novas). De qualquer maneira, nada daquela fase romântico-brega de seu vocalista. Ainda bem

Os caras mostraram muita desenvoltura no palco e conseguiram agradar. Todos os sucessos que queríamos ouvir estavam lá, Louras Geladas, Revoluções Por Minuto, Juvenilia, Olhar 43, Rádio Pirata, com direito a cover de Light My Fire do The Doors, e também músicas de seu segundo álbum, como a cover do Secos e Molhados, Flores Astrais, e a baladinha London London, em que Paulo Ricardo e Luis Schiavon fazem um dueto vocal-teclado. No bis fomos obrigados a ouvir Vida Real, música que ficou famosa ao integrar a abertura do Big Brother e única ressalva que faço à escolha do repertório (deviam banir essa música de seus shows).

Mas no geral o show convenceu, agradou e mostrou que talvez o RPM ainda tenha uma chance. Para isto, basta lançarem um novo trabalho consistente e convincente, com um novo vigor, músicas novas mas sem deixar de lado a pegada oitentista que marca a banda, e não fazer como outros grupos por aí que simplesmente caíram no pop farofa e sem personalidade.

Confira as Fotos deste show
Baixe as músicas novas do grupo

A Cidade Cinza

2011-07-31T14:48:00.000-03:00

Gosto de escrever. Mas ultimamente tenho feito isto tão pouco que às vezes até me sinto culpado. Não, acho que não é por falta de tempo. Talvez de assunto. Acho que poucas coisas me inspiram ultimamente. Penso em escrever sobre algo, mas logo desisto. Mas eis-me aqui tentando fazer mais um esforço. Pensei em escrever sobre minha última viagem, em que fui conhecer a cidade de São Paulo. Mas não quero aqui tecer análises sociais nem econômicas. Tratam-se apenas de reflexões soltas acumuladas pelas paisagens e texturas que pude provar nos últimos dias. Minhas impressões sobre a viagem, algo como os relatos dos viajantes dos séculos passados, impregnados de reflexões e impressões sobre os lugares visitados.

Somente quando conhecemos outras cidades parece que conhecemos a nós mesmos. É no contato com o outro, com o diferente que nos encontramos. E que diferente! Para quem está acostumado com o pacato e tranquilo caminhar de uma cidade provinciana como Goiânia, São Paulo acaba sendo uma experiência única e inigualável. Em todos os sentidos. Uma cidade que respira cultura em um ritmo frenético, alucinado. Museus, bares, avenidas, ônibus, parques, metrôs, trens, tudo corre num ritmo diferente. O tempo aqui corre de maneira diferente. O tempo é uma peça chave para entender São Paulo. Uma cidade que transpira história por todos os seus poros. Só precisamos estar atentos para perceber esta história em todos os seus detalhes. Ser um historiador nestas horas ajuda muito!

Mas ao mesmo tempo sobram caminhos e opções. São Paulo é a cidade das escolhas. O leque é imenso e abre-se diante de nós. Não é preciso muito esforço para se fazer algo em São Paulo. Pra onde olhamos, pra onde nos viramos a cidade nos convida, e são sempre convites tentadores, mas que às vezes parecem tão distantes. Aliás, distância é uma palavra chave pra se entender esta cidade. Ela está em todo lugar, em tudo o que planejamos, em tudo o que pensamos. Para se viver em São Paulo, é preciso planejar a vida em função da distância. O espaço tem que ser levado em conta. Nestas horas a companhia de uma geógrafa vem a calhar.

Geografia e história se confundem nesta cidade cinza. As paisagens variam à medida que andamos de um lugar para outro. São Paulo tem muitos rostos, muitas paisagens. Entramos no metrô. Pela janela vemos grandes prédios, arranha-céus, mansões, madames passeando com seus cachorros e restaurantes que não nos olham na cara. Alguns túneis à frente e a paisagem se modifica. Favelas, barracos, fiações entrelaçadas, operários voltando do trabalho e lanchonetes de procedência duvidosa. E as pessoas são afetadas por tudo isto. Somos afetados pelo que nos rodeia. Morar envoltos numa selva de pedras sem fim, sem saída, andar imersos em túneis, sem o calor do sol nem das pessoas nos torna frios, apáticos. A impessoalidade é o que dá o tom, em todos os cenários.

Retorno à Goiânia e ao meu ritmo normal. Congestionamentos, caos, ritmo de vida agitado? Nada, se comparado ao que vi. O que vejo aqui é uma cidade do tamanho ideal. Nem tão grande que me sinta perdido, nem tão pequena que me sinta entediado. Na bagagem trago fotos, compras, imagens e muitas lembranças, lembranças estas que me fazem repensar, minha vida, meus costumes, meu espaço e meu tempo. São Paulo é uma experiência mítica, surreal, impossível de ser descrita em palavras. Uma cidade que amplia nossos horizontes, nossa percepção do mundo que nos cerca, que nos faz enxergar o quanto somos pequenos diante da imensidão. Retorno à Goiânia e me encontro, encontro a paz que eu tanto buscara. Uma tranquilidade sem tédio, uma paz sem monotonia. E pareço encontrar um pedaço de mim que faltava. Resta buscar os outros...

Horror Show

2011-07-13T20:36:00.001-03:00

Posso me lembrar da primeira vez que joguei o jogo Doom no PC de um colega, ainda na infância. Lembro-me que achava o jogo algo medonho, cheio de monstros e também um tanto difícil, o jogo era um verdadeiro labirinto. Infelizmente não tive a oportunidade de me dedicar a este jogo quando mais novo, pois não tínhamos PC na época. Por isto é que assim que comprei meu próprio PC fiquei completamente fascinado neste tipo de jogo. Primeiro foi o Quake 4, um jogo mais de ação, onde o grande lance é destuir o máximo de alienígenas que se conseguir. O jogo se assemelha mais a um jogo de guerra. Após passar noites e noites na frente do PC para conseguir chegar ao seu final, estava eu então preparado para um desafio maior.

Confesso que no início não me interessei muito pelo Doom 3. Demorou para que eu começasse realmente a jogá-lo. Mas após assistir ao filme que foi baseado no jogo, meu interesse aumentou. Só depois eu fui perceber que o tal filme não tinha nada a ver com a história do jogo. Mas tudo bem. No primeiro dia, cheguei em casa a noite, apaguei todas as luzes, coloquei meus fones de ouvido com o som no máximo, e iniciei o jogo. Primeiro nos ambientamos à história. O ano é 2145, e você é um fuzileiro que é enviado à base da empresa UAC - Union Aerospace Corporation em Marte para auxiliar a manter a segurança. À medida que você avança no jogo, vai descobrindo que há algo errado acontecendo. O mais impressionante aqui é sua mobilidade dentro do jogo. Você conversa com as pessoas, e assim vai colhendo informações, cada um vai lhe dando pistas e dicas sobre o que pode estar acontecendo.

De repente um cientista desaparece, e você é enviado para resgatá-lo. Mas quando o acha, percebe que ele está enlouquecido, e acaba virando um zumbi na sua frente, obrigando-o a matá-lo. Logo uma série de criaturas, monstros e zumbis invadem o lugar e passam a te atacar. Pelo caminho você vai achando um rastro de destruição e morte, e acaba encontrando os PDAs - computadores de mão - dos cientistas mortos pelo caminho. Acessando seus e-mails e arquivos, você vai reconstruindo a história do que aconteceu ali. No início pensamos se tratar apenas de algum vírus ou experimento que deu errado e se espalhou pela base (na história do filme, é um vírus que transforma as pessoas em zumbis). Mas logo vamos descobrindo que é muito mais do que isto, na verdade o jogo descamba pro lado sobrenatural, e tem uma história muito bem bolada. O mais legal nisso tudo é que você entra na história, como num filme, só que aqui nós podemos interagir com ela. A medida que avançamos no jogo, vamos descobrindo o que a UAC estava fazendo, quais experimentos eram realizados ali, e também o que deu errado.

A partir daí, adentramos lugares inóspitos, laboratóios abandonados, com sangue e corpos por todo lado. Não damos um passo sem o medo de sermos de repente surpreendidos por um zumbi atrás de uma porta ou um demônio vindo sei lá de onde. Mas o mais impressionante é a sonorização do jogo. A todo momento que estamos andando pelos lugares mais estranhos, estamos constantemente ouvindo hurros, gritos, choros, até de mulheres e crianças, totalmente arrepiantes, e os barulhos mais estranhos e assustadores que jamais imaginamos, nos deixando totalmente aterrorizados. Confesso que depois de umas 2 horas passando por este ritual, sozinho e no escuro, não ficava fácil dormir. Doom 3 é um jogo assustador, como um filme de terror macabro, só que assusta muito mais, pois nós estramos dentro da história, literalmente. Temos que ir desvendando os quebra-cabeças do mesmo, e após várias semanas repetindo este ritual toda noite, finalmente conseguimos descobrir o que aconteceu e resolver as coisas. É um jogo longo, extenso, inteligentemente bem construído, e com uma excelente história. Enfim, um jogo para quem tem estômago forte.

Hangar + Mombojó no Tattoo Rock Fest

2011-07-03T15:36:00.002-03:00

Lembro-me quando o Tattoo Rock Fest começou, no clube da Aseg em Goiânia, ainda com uma estrutura simples, mas já com cara de festival grande. Isto foi lá pelos idos dos anos 2000, se não me falha a memória. De lá pra cá o festival só se fortaleceu, e hoje se firma como um dos maiores festivais de tatuagem do Brasil, atraindo tatuadores e fãs de tatuagens de todo o Brasil. E claro, desde o início uma das grandes atrações do festival sempre foi a música. Tattoo Rock Fest é sinônimo de boas atrações musicais, sempre!

E este ano não está sendo diferente. Dividido em 3 dias, os shows acontecem no teatro do Centro Cultural Oscar Niemeyer, local onde se realiza o festival. Aliás, devo dizer que eu já estava com saudades do CCON, pra mim o melhor lugar pra shows e eventos deste tipo de Goiás, com uma ótima estrutura que inclui estacionamento a preços acessíveis (5 pila) e segurança, ótimo espaço interno que acomoda tranquilamente o público tanto em quantidade quanto em conforto, banheiros limpos, enfim, tudo o que se espera de um local de eventos que se preze.

Entre as atrações musicais deste ano temos as presenças ilustres de Ratos de Porão, Dead Fish, Crazy Legs, entre outros. E ontem pude conferir o show de dois destes grandes nomes, de estilos completamente diferentes diga-se de passagem. Falo dos nomes de Hangar, um dos grandes nomes do metal melódico brasileiro, banda que ganhou fama após seu baterista Aquiles Priester ter ido tocar no Angra, e após ter lançado um dos melhores trabalhos do gênero nos últimos anos, o álbum Reason of Your Conviction, em 2007. Voltar aos tempos de metaleiro foi bom e saudosista pra mim, e o show dos caras foi excelente, interpretando músicas de seu mais recente trabalho, Infalible, mas concentrando mais a atenção no seu segundo trabalho já citado. Do primeiro disco tocaram sua melhor música, To Tame a Land, e ainda presentearam os fãs com covers de Painkiller (Judas Priest) e Master of Puppets (Metallica), num encerramento apoteótico.

O outro nome a que me refiro é o do Mombojó, banda pernambucana que faz um som, digamos, bastante incomum, misturando gêneros que vão da MPB, Bossa Nova, música industrial, eletrônica, samba, resultando numa mistura única e de difícil definição (pelo menos pra mim). A banda é muito simpática e atenciosa com o público, inclusive saindo do repertório para atender o pedido de um dos presentes. Ao vivo o som dos caras ganha mais peso, tudo fica mais encorpado, e a sonoridade mais intensa, tornando o espetáculo algo bonito de se ver. Fiquei com pena de não ter escutado mais os CDs dos caras antes e conhecer as músicas, mas mesmo assim posso dizer que o show valeu a pena cada segundo.

Um outro destaque da noite de ontem foi o show do Coró de Pau, grupo goiano de percussão que voltou em grande estilo e novo formato. Percussão, bateria, baixo, guitarra e vocal, a banda se reformulou, compôs novas músicas e agora segue os passos de outros grandes nomes do gênero, tanto em Goiás, como Triêro e Umbando, quanto nacionais, como Cabruêra, Cordel, entre outros. O resultado que pude conferir no palco do Oscar Niemeyer ontem foi surpreendente. Os caras tem potencial e muito para crescer e se tornarem referência no Brasil neste estilo. Ficamos aguardando a gravação de material próprio, o que ajudaria muito.

Este foi apenas o segundo dia de festival, já que infelizmente não pude conferir os outros, mas a julgar pela qualidade que vimos ontem, o Tattoo Rock Fest já tem tudo para ser considerado um dos melhores festivais do ano, e espero conferir tudo isto novamente no ano que vem.

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Templo é Dinheiro!

2011-06-23T11:47:00.001-03:00

É inegável que o movimento de igrejas neopentecostais cresce a cada dia. Também, hoje se configura como um dos ramos de negócios mais lucrativos do mercado. Basta dar uma olhada para os luxuosos templos por eles erguidos, e para a vida que levam seus pastores, andando sempre em carros do ano e construindo mansões particulares. Só em minha cidade já são centenas de templos, desde os mais simples "porta de bar" até os mais grandiosos e luxuosos, com lugares para milhares de pessoas. E tudo isto é mantido com o dinheiro suado que arrecadam de pessoas simples e ingênuas, que acreditam piamente que, contribuindo com a igreja, estão contribuindo com deus, e assim garantindo uma futura prosperidade para si próprios.

Enquanto isto não acontece, o fato é que elas apenas mantém a vida boa dos pastores, que são funcionários assalariados da igreja, ou seja, vivem apenas de suas pregações, onde não se cansam de tentar fazer com que mais e mais pessoas doem mais e mais dinheiro para a igreja, assemelhando-se aos antigos fariseus da época de Cristo com sua ganância desenfreada. Este comércio da fé que só cresce dia a dia vem fazendo com que estas igrejas incorporem táticas cada vez mais ousadas e explícitas para arecadar seu dinheiro. Quem não se lembra do curso ministrado por Edir Macedo que mostrava ele ensinando aos pastores como extorquir mais e mais dinheiro de seus fiéis, utilizando técnicas excusas e apelativas para desestruturar a pessoa emocionalmente, fazendo-a ficar fragilizada e assim mais suscetível a doar tudo o que tem para a igreja?

E os recentes casos de pessoas que, em momentos de loucura, doaram tudo o que tinham para a igreja, acreditando assim estarem garantindo um retorno muito maior por parte de deus, e ao se darem conta da burrada, entraram na justiça para reaverem seus bens. Estas igrejas agem como se deus fosse um negociador, e elas como seu procurador, portanto quanto mais você doar para a igreja, mais deus lhe trará de benefícios. Mas a verdade é que este dinheiro só servirá para sustentar os pastores parasitas que vivem às custas de enganar e extorquir pessoas ingênuas, abusando de sua fé. Estas igrejas já contam com canais de televisão, onde fazem um discurso incisivo desqualificando outras religiões, mostrando a visão preconceituosa que possuem e disseminam, e instigando as pessoas a cada vez mais doarem dinheiro para a igreja.

Recentemente a luta destes evangélicos por barrar ações que visam combater o preconceito contra diversos segmentos de nossa sociedade, por exemplo homossexuais é emblemático do tipo de visão distorcida que os mesmos tem da sociedade, vinculando ainda homossexualismo a uma doença e receitando curas para os mesmos. Tais atos de intolerância apenas se somam a outros praticados por eles, em que religiões como as afro-brasileiras são demonizadas, associadas ao mal e extremamente perseguidas por aqueles que compartilham desta fé.

Jà posso ver o futuro próximo, no qual pastores farão cursos de administração ou economia, aprendendo assim a gerir os negócios da fé que possuem; ao mesmo tempo veremos programas de TV onde pastores insandecidos anunciam: "SALVAÇÃO TOTAL, Jesus ficou louco e está liquidando os lugares no paraíso, só esta semana, duas almas pelo preço de uma, não perca", imitando as propagandas das grandes redes de eletrodomésticos que vemos hoje. É lastimável ver o nível de manipulação mental e emocional a que chegam estes caras. Fico por aqui com um trecho da própria bíblia, apesar de ser um livro cheio de incongruências e mitos fantasiosos, mas ela nos deixa uma passagem que adverte contra estes charlatões que se dizem representantes do senhor:

"Nem todos os que me dizem: Senhor! Senhor! entrarão no reino dos céus; apenas entrará aquele que faz a vontade de meu Pai, que está nos céus. - Muitos, nesse dia, me dirão: Senhor! Senhor! não profetizamos em teu nome? Não expulsamos em teu nome o demônio? Não fizemos muitos milagres em teu nome? - Eu então lhes direi em altas vozes: Afastai-vos de mim, vós que fazeis obras de iniqüidade. (S. MATEUS, cap. VII, vv. 21 a 23.)"

Manu Chao no XIII FICA

2011-06-20T11:51:00.003-03:00

Neste final de semana teve palco na cidade de Goiás o XIII FICA - Festival Internacional de Cinema e Vídeo Ambiental, que tem por objetivo reunir cineastas que tenham por preocupação as questões ambientais, numa forma de conscientizar e despertar a sociedade para a importância da temática, cada vez mais em voga nos dias atuais. Além da parte fílmica, já é tradição no FICA a parte cultural com apresentação de diversos grupos de Goiás e outros estados, assim como os shows oficiais, sempre com grandes nomes da música nacional.

Este ano tivemos o privilégio de ver no palco do FICA um show internacional. Manu Chao veio a Goiás mostrar toda sua musicalidade num espetáculo belíssimo. Antes tivemos a participação do DJ Daniel de Melo tocando samba, dub, drun'n bass, mpb, e aquecendo a galera para o que viria. A abertura do show ficou por conta dos goianos da Banda Gloom. Niela e companhia conseguiram animar com seu rock alegre e tiveram uma boa resposta do público. A referência aos vizinhos do Móveis Coloniais de Acaju é inegável, e o uso dos metais ajuda nesta associação.

Manu Chao veio com tudo logo a seguir. Com seu som que mistura reggae, salsa, mambo e outros ritmos caribenhos, o cara conseguiu colocar todo mundo pra dançar no local. E olha que tinha muita gente. Além disto, o cantor utilizou a variação de ritmos, e conseguiu um ótimo resultado. No meio da música mandava um ska/hardcore e botava todo mundo pra pular. Foi o suficiente pra esquentar a galera e ganhar o carinho do público, que não deixava o cara ir embora. Foram quatro despedidas e três retornos ao palco. A impressão que dava é que o próprio Manu Chao estava muito emocionado com a resposta do público e não queria que aquele momento terminasse. E nós também não, pois com certeza foi um momento emocionante do festival. Espero que nos próximos anos possamos ter outros como este!

Irracionalismo Religioso

2011-06-14T20:30:00.001-03:00

É nos momentos de maior tensão e crise social que o irracionalismo religioso surge em meio a nós. Foi assim na época de Cristo, quando os Hebreus crucificaram aquele que ousava contestar a religião farisaica dominante; foi assim durante a Idade Média, quando a Igreja Católica Romana perseguia todos aqueles que se opunham às suas idéias, queimando e enforcando-os com gosto; foi assim na Alemanha nazista, que apesar de não ter assumido um cunho notadamente religioso, apresentou traços de um fanatismo do mesmo nível, que não poupou judeus e outros grupos étnico-religiosos; e é assim hoje em dia em países do Oriente Médio, mergulhados em um confronto político-econômico com um fundo étnico-religioso.

Mas não é só por lá que o circo pega fogo entre praticantes de diferentes religiões. Em nosso país também uma guerra silenciosa é travada, bem debaixo do nariz de nossa sociedade. E a linha de frente do exército responsável por esta guerra são os pastores e fiéis das chamadas Igrejas Pentecostais e Neo-pentecostais. O momento de instabilidade provocado pelo que alguns autores chamam de pós-modernidade em que estamos mergulhados, fez com que o irracionalismo de cunho religioso ressurgisse a toda prova entre nós. Basta olharmos para a postura dos membros de algumas destas igrejas, que alicerçados em um texto que dizem ser sagrado, não poupam esforços em julgar, condenar e perseguir aqueles que, segundo eles, são contra a vontade de seu deus.

O maior perigo disto tudo está na interpretação que fazem deste texto sagrado, especialmente do Antigo Testamento. Sua interpretação ao pé da letra de um livro escrito há mais de 2000 anos por líderes e chefes religiosos que pretendiam manter sua sociedade sob controle e para isto forjaram um deus vingativo e perseguidor, que não mede esforços em matar pessoas e destruir cidades, além de incentivar práticas bizarras, como o apedrejamento de pessoas, por exemplo, é um perigo social. Isto mostra porque considero a Bíblia como sendo um dos livros mais perigosos da história, por ser capaz de inspirar o fanatismo a tal ponto de vermos pessoas até mesmo sendo espancadas por obreiros de determinadas igrejas, como podemos perceber em notíciários.

Isto sem contar a perseguição que é realizada todos os dias a membros de outras denominações religiosas, especialmente as afro-brasileiras, como a Umbanda e o Candomblé, e a extorsão que é realizada pelos pastores, que não se cansam de pedir cada vez mais e mais dinheiro às pessoas, sempre em nome de Jesus, exatamente como faziam os fariseus na época de Cristo, que corrompidos pelo poder, acabaram se esquecendo do verdadeiro sentido religioso e se tornando cobras cada vez mais ambiciosas e traiçoeiras. E a força e poder destas seitas satânicas, que não se cansam de inspirar o medo e o temor em seus fiéis, assim ganham mais dinheiro, cresce a cada dia, e extrapola os limites religiosos, invadindo a arena política e controlando importantes veículos midiáticos e de imprensa, tornando-os cada vez mais perigosos.

Um exemplo deste tipo de irracionalismo é encontrado no filme O Nevoeiro, de Frank Darabont, inspirado em um conto do autor de filmes de terror Stephen King, que mostra uma pequena cidadezinha onde um estranho nevoeiro chega de repente, e com ele estranhas criaturas que começam a matar a todos. Presos em uma lanchonete, um grupo de pessoas tenta sobreviver, mas descobrem que talvez os piores montros não estejam lá fora, mas entre eles mesmos. Isto porque uma senhora começa a pregar o fim do mundo, e acaba convencendo a maioria de que aquilo tudo era um castigo de deus, e que deviam fazer sacrifícios para acalmar a ira divina. A situação é revoltante e mostra bem a que ponto pode chegar este irracionalismo religioso que a cada dia que passa contamina mais e mais nossa sociedade. Não me admiraria se daqui a alguns anos passássemos a viver uma verdadeira ditadura pentescostal, mergulhando novamente nosso mundo em uma era de trevas, marcado pelas perseguições a aqueles que discordem de suas idéias. Mas enquanto este dia não chega, não devemos poupar esforços para combater este vírus que corrompe nossa sociedade por dentro.

O Procurado

2011-06-06T20:27:00.000-03:00

Wanted é um arrasa-quarteirão pós-matrix. Ou seja, um filme que nem podemos dizer que seja mentiroso. Pois a onda agora não é brincar com a possibilidade de fazer carros voarem ou brucutus reinventarem o modo de matar 10 bandidos de uma vez a cada cena, como fazem os Bruce Willis, Tom Cruises, 007's e, mais recentemente, Jason Stathans da vida. A nova onda agora dos filmes filosófico-teológico-pós-modernos-apocalípticos-de-ação é reinventar a realidade para que tudo isto seja não só possível, como completamente crível.

Filosoficamente falando, é isto o que fez Matrix por exemplo. Não podemos dizer que o fato de Neo voar ou fazer tudo o que faz seja mentira. Estas pequenas estripulias são meros detalhes diante do fato maior criado genialmente pelos irmãos Wachowski: o fato de que eles criaram uma nova realidade para inserir seus personagens. Ou melhor, eles elevaram a nossa realidade a um patamar acima. O que vemos não é o que vemos; o que sentimos não é o que sentimos. Assim sendo, os limites que nos são impostos não são fixos, e podem ser quebrados. Isto cria uma nova lógica para o mundo que conhecemos, cria novas regras e novos limites além das leis da gravidade ou da inércia.

Vários outros filmes seguem esta mesma lógica, inserindo elementos fantásticos em nossa realidade (super-poderes, criaturas sobrenaturais, etc.), mas a meu ver, nenhum tinha promovido uma alteração tão radical quanto Matrix, e nenhum diretor nunca tinha sabido utilizar este elemento para fazer cenas de ação tão incríveis quanto ele. Por isto ele fez tanto sucesso. E também por isto, ele é tão copiado. Bom, na verdade, bem menos do que eu gostaria, haja visto que são poucos os filmes que conseguem um resultado tão bom quanto ele. A série russa dos Guardiões do Dia e da Noite é um exemplo bem sucedido desta tentativa, com cenas mirabolantes e efeitos especiais estonteantes, além de um enredo bem construido e que, ao contrário dos filmes americanos, não endeusa seu herói como o mais fodástico dos homens (no começo estranhei isto, mas depois percebi que a proposta do filme era essa mesma, e achei isto genial).

E o sucesso da série acabou fazendo com que Hollywood trouxesse o diretor russo para o lado negro da força. O resultado disto pode ser conferido no arrasa-quarteirão Wanted, em português lançado como O Procurado. O filme conta a história de Wesley (James McAvoy), um jovem que vive uma vida normal e tediosa, até conhecer a belíssima Fox (Angelina Jolie) e descobrir que seu pai que ele nunca conhecera havia sido membro de uma Fraternidade de Assassinos, tendo sido ele mesmo assassinado por um de seus membros, que se rebelou contra a Fraternidade. Wesley entra então em um novo universo, e descobre ter habilidades que jamais sonhara. A exemplo de Matrix, aqui vemos balas fazerem curvas, carros voando pelos ares e muitas, mas muitas cenas de ação no melhor estilo forçadas, mas muito bem executadas. Se o que eles queriam era impressionar, realmente conseguiram. Os efeitos visuais são bem utilizados e o que vemos em tela é um show de estripulias e cenas que desafiam a lógica, exatamente como promete todo o marketing feito em cima do filme.

Claro que, se pensarmos muito, a idéia do filme como um todo nos soará um tanto ingênua, à beira do ridículo. Afinal, um grupo de assassinos que recebe ordens de um tear mágico não é uma premissa das mais, digamos, engolíveis. Mas confesso que não me preocupei muito com isto enquanto assistia ao mesmo. Ao invés disto, tentei curtir cada cena, cada bala torta atirada, cada vôo de carro realizado. E o que posso dizer é que me diverti um bocado assistindo a este filme. Com as cenas, com o leve toque de ironia, quase humor negro de algumas partes, e até com a manjada transformação de nosso personagem principal, do mané sacaneado para o brucutu fodão que detona o que vê pela frente, e sua mais manjada ainda "vingança" contra aqueles que sempre o sacanearam. Me dei o prazer de esquecer por um instante as complexas e intrincadas análises críticas de minha pretensão a cinéfilo e compartilhar com o restante do cinema, os meros mortais, de um sentimento de completa satisfação pessoal e íntima ao ver Wesley gritar com sua chefe, ou meter o teclado na cara de seu "amigo" que comia sua namorada. E no final, o resultado não poderia ser melhor. Diversão garantida, do início ao fim.

Amor Robótico

2011-05-16T18:32:00.000-03:00

Muitos são os filmes a tratar da evolução da relação entre homens e máquinas, desde o lendário Metrópolis, de Fritz Lang, ainda na década de 20. A maioria traz um retrato caótico e pessimista desta relação, caminhando quase sempre para uma competição ou até mesmo a guerra declarada entre homens e máquinas. Mas uma animação da Pixar trata exatamente deste tema, mas não de forma tão pessimista.

Encabeçando a produção está o simpático Wall-e, o último dos robozinhos responsáveis por limpar nosso planeta do lixo, enquanto a humanidade sai em um cruzeiro pelo espaço, que já dura 700 anos. Esquecido por todos, Wall-e continua sua árdua tarefa de limpar nosso devastado planeta do lixo. Mas tudo muda com a chegada de Eva, um protótipo ultramoderno, que chega para avaliar a situação de nosso planeta. Wall-e então conhecerá um novo mundo, e terá a oportunidade de mudar a forma de viver dos seres humanos, já tão acostumados com as mordomias de seu "cruzeiro", que nem sabem o que é viver na Terra mais.

O filme traz uma crítica inteligente ao modelo de vida imposto pela tecnologia, digna de um Aldous Huxley. Ele mostra uma sociedade totalmente voltada para o consumo, onde as pessoas não tem qualquer outro objetivo a não ser comer, dormir e todo o resto é suprido pelas máquinas. Tal situação chega ao seu ápice com o fato de que os seres humanos sequer se dão ao trabalho de andar, passando a vida inteira em cima de cadeiras eletrônicas que os levam aonde querem, e sempre em frente aos seus computadores, mal se dão ao trabalho de olhar o que há a sua volta. Tanto é que uma das cenas mais emblemáticas da trama é quando Wall-e esbarra em duas pessoas, que obrigadas a deixar de olhar para seu computador, de repente descobrem todo um mundo a sua volta, descobrem o prazer de olhar e até de tocar.

Por conta deste novo estilo de vida, todos os humanos são obesos, e passam os dias a consumir milk-shakes e vitaminas. As pessoas nem sabem mais como era sua vida na terra, já que há muitas gerações vivem assim. Percebemos assim uma crítica sutil às mordomias que a vida moderna nos traz, aqui levadas ao extremo. Outro grande trunfo do filme é seu próprio protagonista: Wall-e. Um robozinho simpático, inteligente, curioso e muito divertido. As cenas iniciais dele sozinho no planeta Terra são excelentes, e a chegada de Eva também proporciona ao nosso heroizinho algumas boas doses de humor. Ele lembra muito o robô que ficou famoso em meados da década de 80, conhecido como número cinco, ou Jonnhy Five, aquele robô dos filmes "Um Robô em Curto-Circuito", com certeza os olhos foram baseados nele.

Mas Wall-e tem aquele diferencial que sempre levantou muitas discussões em filmes deste gênero: sentimentos. É possível uma máquina simular sentimentos humanos, como o amor? Até que ponto uma máquina, um robô pode ser programado para simular tais sentimentos, ou até mesmo senti-los? Tal debate, já levantado em filmes como "Inteligência Artificial", "Eu, Robô", e até mesmo "Matrix", aqui é abordado de uma forma singela, sem grandes levantamentos filosóficos, mas mesmo assim de forma interessante e sem se tornar apelativa. Por tudo isto, Wall-e tem tudo para ser considerado um dos melhores filmes do gênero. Um filme para o público infantil, mas de uma inteligência e crítica que desafia aos próprios adultos, e com certeza trazem um diferencial a esta bela animação.

Cidade dos Sonhos

2011-05-15T09:53:00.000-03:00

David Lynch é famoso por seus filmes imcompreensíveis, cheios de metáforas e jogos de sonhos e ilusões; filmes onde não dá para saber onde termina a ficção e começa a realidade, onde sonhos e realidade se misturam, sendo difícil distinguir a fronteira entre elas. E não é pra menos que sua obra-prima tenha recebido o título em português de Cidade dos Sonhos, pois é isto mesmo que Lynch costuma construir, uma verdadeira cidade dos sonhos. Após assistirmos a ele, um turbilhão de idéias nos vem a mente, e ficamos nos perguntando se alguma delas fará sentido. Aliás, sentido, isto é o que tanto buscamos, dar um sentido a tudo o que vimos na tela.

Sua história se inicia de forma simples. Após um acidente de carro ocorrido na Mulholland Drive, em Hollywood, a jovem que posteriormente receberá o nome de Rita escapa de ser assassinada, e acaba se escondendo na casa da tia de Betty, uma jovem vinda do interior para tentar se tornar uma atriz. Betty e Rita se conhecem, e assim partem em busca de tentarem desvendar quem é Rita, já que com o acidente ela perde a memória. Paralelamente, o filme mostra a história do diretor Adam Kesher, que vê sua vida desmoronar ao ser obrigado a escolher a atriz principal de seu filme de acordo com a máfia, descobre que estava sendo traido pela mulher e ainda vai à falência.

Ao longo da trama vamos descobrindo coisas estranhas sobre Rita, como o fato dela carregar uma bolsa com bastante dinheiro e uma estranha chave azul consigo, o fato de inúmeros caras estarem perseguindo-a, e também Rita se lembra do nome de Diane, uma possivel amiga, mas ao chegar à sua casa encontram ela morta em sua cama. Tudo isto nos faz parecer um estranho conto policial sobre filmes e sobre a máfia. Mas nos 20 minutos finais da trama, tudo se confunde, e de repente descobrimos que nada é o que parece ser. Fica pra nós a tarefa de desvendar este enigma, montar o quebra-cabeças proposto por Lynch, o que não é tarefa fácil.

Lynch não é o tipo de cara que nos entrega tudo de mãos beijadas. Ele faz com que o telespectador tenha que se atentar para todos os detalhes, mesmo os mais aparentemente insignificante, para entendermos o que realmente está acontecendo. Assistir a alguns filmes do diretor é uma verdadeira aula, é um treinamento de nosso modo de ver as coisas. Estamos tão acostumados com os filmes do padrão hollywoodyano, aqueles que deixam tudo explicadinho, em que não precisamos pensar para entender, mas tudo já vem pronto, que ao nos depararmos com filmes como este, acabamos não conseguindo admirar sua proposta. É preciso ir além do lugar-comum, é preciso nos superarmos, focar nosso olhar para além do que estamos habituados, e só assim desvendarmos o que está por trás das cenas aparentemente sem sentido do filme. Este é o grande mérito de Lynch, e só por isto ele deve ser lembrado: pela sua ousadia. O resto é um mero jogo de espelhos: não passam de ilusões.

Humano Demasiado Humano

2011-04-19T20:37:00.003-03:00

"Entendamo-nos bem. não ponho eu mira

na posse do que o mundo alcunha gozos.

O que preciso e quero é atordoar-me.

Quero a embriaguez de incomportáveis dores,

A volúpia do ódio, o arroubamento das sumas aflições.

Estou curado das sedes do saber;

De ora em diante às dores todas escancaro est'alma.

As sensações da espécie humana em peso,

quero-as eu dentro de mim;

seus bens, seus males mais atrozes, mais íntimos,

se entranhem aqui onde à vontade a mente minha os abrace, os tateie;

Assim me torno eu próprio a humanidade;

e se ela ao cabo perdida for, me perderei com ela."

(Goethe - Fausto, 1765-75)

O Amor tem hora pra chegar e pra partir

2011-04-10T22:50:00.004-03:00

Falar sobre o amor não é tarefa fácil. Sempre ouço a mesma pergunta quando falo no assunto. "Você já amou alguma vez na sua vida?" Se eu tivesse que responder esta pergunta diria que sim, muitas vezes, e cada uma delas foi melhor que a outra. Mas, como tudo na vida, amor é uma mera questão de semântica. Tudo depende dos significados que damos às coisas, de como interpretamos as situações, do nosso ponto de vista. O que pra mim foi amor, para a maioria da sociedade seria apenas atração, paixão, ou seja lá como queiram chamar. Isto porque meus relacionamentos sempre tiveram um problema: não serem eternos. E porque isto é um problema? Porque, ao analisarmos a forma como a sociedade trata o amor, veremos que ele é sempre colocado como algo sublime, imutável, e o mais curioso de tudo: eterno.

É assim nos filmes, livros, histórias, enfim, em quase tudo. E assim nós crescemos esperando por esse amor sublime, eterno, que irá nos arrebatar e nos levar às alturas. E advinhe só: um dia ele vai acabar, e ou você vai abandonar o outro, ou será abandonado por ele. Aqui também temos uma grande diferença semântica. Se é a mulher quem abandona, tudo bem, tudo normal. Agora, se é o homem quem abandona a mulher, fatalmente ele será rotulado de cafajeste, safado, de ter iludido a moça, conquistado, usado e depois jogado fora, etc, etc, etc. Isto porque, mesmo com toda a mudança de mentalidade e a liberação feminista, nossa sociedade ainda é projetada para pensar de forma extremamente machista, delegando papéis para homens e mulheres. E num relacionamento, a mulher representa o papel passivo, e o homem o ativo. Não falo somente do sexo, que é a comparação mais óbvia. Mas falo dos papéis sociais.

Por exemplo, quem é o responsável por conquistar o outro e quem tem a função de ser conquistada? O homem carrega em suas costas a responsabilidade de ser aquele quem deve tomar a iniciativa, e portanto quando algo dá errado, nada mais natural que ele também seja responsabilizado por isto, por ter "conquistado" a mulher e depois "jogado fora". Isto sempre acontece comigo. Já pensei até em escrever um manual de minha pessoa para as futuras candidatas a um relacionamento. Iria escrever algo como "educado, amoroso mas apenas para passar um tempo". Claro que se este mesmo manual fosse escrito por uma de minhas ex, viria com uma tarja preta de "proibido para menores", devido à alta quantidade de palavrões como "safado, cachorro, galinha" e congêneres. Como se vê, tudo uma questão de intepretação.

Mas então como eu interpreto o amor? Em primeiro lugar, a informação mais essencial sobre este sentimento é bem simples: ele não é eterno. Bom, talvez o seja como diz a música, "eterno enquanto dure". Mas poesias a parte, o fato é que ele não é infinito. E assim como ele começa, um dia ele há de terminar, talvez causando dor e sofrimento para uma ou ambas as partes envolvidas. Isto é natural e faz parte de sua essência. Não, não é rima de música brega sertaneja, mas amor e dor realmente combinam. Assim como no filme de Charlie Kaufman, "Brilho Eterno de Uma Mente Sem Lembranças", todo relacionamento tem um começo e um final. Mas isto não significa que ele não valha a pena. Nao é por isto que vamos nos fechar e prometer que nunca mais amaremos. É como aquela ressaca que você promete nunca mais beber, mas no outro dia já está no buteco de novo.

Amor é equilíbrio. Não se trata de conquistar nem ser conquistado. Do contrário, delegamos àquele que teria o papel de conquistar um "poder" maior, como se a partir do momento que ele conquista, ele toma posse do outro. Não é exatamente contra este tipo de pensamento que a ideologia anti-machista luta? Se encararmos as coisas desta forma, sob este ponto de vista, distorcemos a questão e reproduzimos velhos preconceitos e idéias machistas de sempre. No amor não há conquistador nem conquistado. O que há é troca. Você doa um pouco e recebe um pouco do outro. E assim ambos tentam construir algo juntos. Se não dá certo, portanto, ambos devem ser responsabilizados. Aliás, penso que não existe isso de não dar certo. O amor sempre dá certo. Acabar não significa dar errado. O amor dá certo pois nos proporciona momentos de felicidade e alegria junto daquela outra pessoa. Você não diz que uma viagem dá errada só porque você teve que voltar pra casa. Você foi, curtiu os momentos e voltou. Assim também é o amor.

Eu vejo o amor como um caminho, não como um destino. Ele é bom apenas enquanto estamos embarcados nele. O destino final é apenas um detalhe, e só nos deixará lembranças e saudades. O amor é dinâmico como a própria vida, como o próprio ser humano. Estamos em constante transformação. Assim também são nossos sentimentos. Eles mudam, se transformam, acabam. Mudamos de emprego, de escola, de casa, de cidade, de gostos, de pontos de vista, visões de mundo. Porque não podemos mudar os sentimentos também? Comecemos portanto mudando a nossa própria idéia sobre o amor. Só assim aproveitaremos melhor tudo o que ele tem pra nos oferecer. E se por acaso ele acabar um dia, que nós saibamos não ficar triste por ele ter chegado ao fim; mas felizes por ele ter acontecido.

Os Filmes Mais Estranhos do Cinema

2011-04-03T17:56:00.002-03:00

Você gosta de filmes estranhos, insanos, malucos, daqueles que a maioria das pessoas saem do cinema na metade do filme, xingando e maldizendo a hora em que resolveram gastar seu dinheiro no ingresso para aquele filme? Pois aqui é o lugar certo para você. A partir de agora apresento-lhes uma lista com os filmes mais insanos e estranhos jamais feitos, seja pela narrativa rebuscada, pelos cenários e efeitos insanos ou pela própria idéia absurda do filme mesmo. Então vamos a ela.

1° - Começamos com um dos roteiristas mais insanos que o cinema já viu. Se vir o nome de Charlie Kaufman envolvido no filme, pode apostar que lá vem loucura. Se acham que estou exagerando, imagine a cena: um dia, você vai trabalhar numa empresa, e descobre que por atrás de um armário em seu escritório, se esconde uma porta que o leva diretamente para dentro de, pasmem, John Malkovich. Não consegue imaginar? Pois Charlie Kaufman conseguiu, e Spike Jonze conseguiu levar esta idéia às telonas, dando origem ao filme Quero ser John Malkovich, estrelado por John Cusack e com uma atuação estranhíssima de Cameron Diaz.

2° - E o tino para histórias estranhas de Kaufman não para por ai. Seu mais recente filme foi o fantástico Brilho Eterno de uma Mente sem Lembranças, estrelado por Jim Carrey e Kate Winslet. O filme conta a história do casal Joel e Clementine, que após se cansarem das brigas e desentendimentos de seu namoro, resolvem procurar uma firma e apagar um ao outro de sua memória. O filme é uma viagem pela mente e lembranças de Joel, que se arrepende, e enquanto seu corpo permanece inconsciente, tenta de todas as maneiras parar o processo e salvar pelo menos uma lembrança de sua amada. Um filme altamente filosófico, e que mostra que o amor, mesmo com todos os seus problemas, vale a pena.

3° - Em O Homem Duplo, filme escrito e dirigido por Richard Linklater, baseado no romance de Phillip K. Dick, conta a história de Bob Arctor (Keanu Reeves), um policial que trabalha disfarçado investigando um suposto grupo de traficantes. O filme se passa num futuro próximo, onde tudo é monitorado, e os policiais, para preservarem sua intimidade e sua vida, em serviço usam um disfarce desenvolvido que os torna irreconhecíveis. O uniforme é como uma roupa-camaleão, que fica mudando de forma e projetando imagens de inifinitas pessoas diferentes. Como se não bastasse, a forma como o filme foi gravado o torna ainda mais louco e psicodélico: primeiramente gravado com os atores e posteriormente todo coberto por animação gráfica. O resultado final é parecido com um anime, algo muito louco.

4° - Falando em aparência louca, o escritor e diretor Darren Aronofsky nos brinda com o insano Pi, filme todo gravado em preto e branco, e que traz á tona uma história de paranóia, matemática e ficção científica. Tudo gira em torno do número Pi, e quando Max (Sean Gullete) constroi um supercomputador capaz de desvendar o número, ele passa a ser perseguido por interessados em utilizar a descoberta para lucrar na bolsa de valores e por fanáticos religiosos que acreditam que o número seja capaz de lhes revelar a face de Deus. Max então mergulhará em um mundo totalmente estranho, onde realidade e ilusão se misturam, em um estranho jogo de fé e razão.

5° - Outro filme que brinca com realidade e ilusão é A Passagem, filme do diretor Marc Forster, que conta com as brilhantes atuações de Ryan Gosling, Ewan McGregor e a belíssima Naomi Watts. Tudo acontece quando o psicólogo Sam Foster (McGregor) é procurado por um estranho jovem chamado Henry Lethan (Gosling), dizendo que em breve cometerá suicidio. Sam então começa a ivestigar o rapaz e tentar salvá-lo, entrando no estranho mundo do rapaz, e logo toda sua vida começa a desmoronar num estranho jogo onde nada é o que parece. É um fime tenso, que temos que prestar atenção em cada detalhe para não perdermos a meada, especialmente no desfecho.

6° - Na mesma linha temos o excelente Cidade dos Sonhos, de David Lynch. Lynch não é o tipo de cara que nos entrega tudo de mãos beijadas. Ele faz com que o telespectador tenha que se atentar para todos os detalhes, mesmo os mais aparentemente insignificante, para entendermos o que realmente está acontecendo. Assistir a alguns filmes do diretor é uma verdadeira aula, é um treinamento de nosso modo de ver as coisas. Estamos tão acostumados com os filmes do padrão hollywoodyano, aqueles que deixam tudo explicadinho, em que não precisamos pensar para entender, mas tudo já vem pronto, que ao nos depararmos com filmes como este, acabamos não conseguindo admirar sua proposta. É preciso ir além do lugar-comum, é preciso nos superarmos, focar nosso olhar para além do que estamos habituados, e só assim desvendarmos o que está por trás das cenas aparentemente sem sentido do filme. Este é o grande mérito de Lynch, e só por isto ele deve ser lembrado: pela sua ousadia. O resto é um mero jogo de espelhos: não passam de ilusões.

7º David Lynch não é um diretor fácil. Poderíamos colocar aqui nesta lista todos os filmes do diretor, que com certeza ganham de longe em matéria de estranheza. Mas resolvemos colocar apenas sua obra-prima da estranheza, seu primeiro filme Eraserhead. O filme tem um clima dos mais sinistros. Imagens surreais, personagens pra lá de estranhos e uma história, bem, digamos, um tanto ininteligível. Não dá pra entender muito bem o que Lynch pretende com esse filme. Só o que podemos dizer é que ele incomoda. Talvez não haja muita coisa pra entender mesmo, muitos dizem que o cinema de Lynch é mais estético. Talvez esta seja a explicação pra tanta estranheza. Não entendeu nada do que eu escrevi? É exatamente assim que irá se sentir depois deste filme. Só vendo pra saber!

8° - É possível fazer um filme com apenas um cenário e 6 atores? Em O Cubo, o roteirista e diretor canadense Vicenzo Natali provou que sim. O filme conta a história de seis pessoas totalmente estranhas entre si, que de repente acordam dentro de um enorme cubo. Aos poucos elas vão descobrindo passagens em suas extremidades que levam a outras salas idênticas, e o pior: cheias de armadilhas. Elas terão então que juntar esforços para descobrir um meio de sair deste enorme labirinto. Um filme simples, mas que traz uma reflexão sobre o sentido da vida, sobre a natureza humana e sobre a existência de Deus. Um ótimo filme de suspense e com uma boa dose de filosofia.

9° - Polêmico, agressivo, chocante, estranho, incômodo, enojante, violento, revoltante, impactante. Estas são apenas algumas definições para o filme do diretor francês Gaspar Noé, Irreversível. O filme causou polêmica por onde passou, revoltando a muitos que o assistiam. A causa de tanto alvoroço? Uma das mais bem feitas e chocantes cenas de estupro da história do cinema. A cena tem 12 minutos de duração, sem cortes de câmera, e é de uma realidade impressionante (e chocante), aliás como todo o restante do filme, que ainda conta com uma cena de violência exacerbada, onde a cabeça de um homem é vilentamente massacrada com um extintor de incêndio. Além disto o filme é todo narrado de trás pra frente (lembrando o clássico Amnésia), e possui uma câmera nervosa, que treme e roda nos momentos de maior tensão, causando uma sensação de incômodo e desconforto no telespectador. Ao final, saimos do cinema transtornados e com as fortíssimas cenas ainda em mente. Com tudo isto, este filme é uma verdadeira aula de cinema, mas é pra quem tem estômago forte.

10° - O décimo lugar tem um nome bastante familiar a nós. Mas as semelhanças de Brazil - O Filme com nosso país param no nome. O filme do roteirista e diretor Terry Gilliam se passa em um futuro distante, em meio a inúmeros avanços tecnológicos, e no qual o governo tenta controlar a todos através de um Estado totalitário, cercado por computadores e pela burocracia. Mas um dia um erro no sistema leva o funcionário Sam Lowry (Jonathan Pryce) a se envolver com a terrorista Jill (Kim Greist), tendo que correr para salvar a vida de ambos. O mais estranho deste filme é que ele apresenta uma sociedade totalmente caótica e exagerada. Gilliam capricha nas cores e nos objetos estranhos para fazer uma crítica sutil à modernidade, aos avanços tecnológicos e à consequente desumanização que eles podem causar. Resultado: um filme completamente psicodélico e estranho.

11° - Pra fechar, um dos clássicos do cinema mundial, sucesso de crítica e público. Assim é Dogville, filme que faz sucesso por onde passa. Levando o glamour e as técnicas do teatro para o cinema, este excelente filme do diretor dinamarquês Lars Von Trier. O grande lance do filme são os cenários. Ao invés dos comuns cenários de filmes hollywoodyanos, o que vemos em Dogville é um toque minimalista: simplesmente não há cenários. Tudo o que vemos em cena são apenas riscos no chão e placas indicativas, pra tudo: as ruas, as paredes das casas, as árvores. O filme se passa na fictícia cidade de Dogville, que vê sua rotina quebrada pela chegada de uma estranha. Logo todos passam a se acostumar à sua presença, mas Grace (Nikole Kidman) logo descobrirá que para ficar no lugar, terá que pagar um preço mais alto do que imaginara. O filme ganhou uma sequência no mesmo estilo, o filme Manderlay, estrelado pela jovem e bela Bryce Dallas Howard.

Amor é Liberdade!

2011-03-22T21:13:00.001-03:00

"Amo a liberdade, por isso deixo livre tudo o que amo!" Nunca uma frase fez tanto sentido sobre o amor, sentimento tão valorizado e ao mesmo tempo incompreendido por nossa sociedade. Criamos inúmeras idéias e concepções sobre ele. Filmes, livros, músicas, histórias, tudo nos molda e nos leva a acreditar num amor irreal, que não corresponde à realidade. Isto porque todas estas concepções vinculam o amor a um outro sentimento que acaba por arruinar e corroer suas bases: o sentimento de posse!

Este sentimento nos torna amantes vigilantes, cobrando atitudes e posturas do outro. Nos torna carrascos, detetives, sempre atrás do outro, sempre fiscalizando. É um amor doentio e caduco este que vemos por aí. Isto porque com o tempo, este amor se torna rotina, e a rotina nos torna autômatos. Já não fazemos as coisas por vontade própria, mas por obrigação. Obrigação de ligar, de dar presentes, de ir no casamento da prima, de transar, de beijar. Tudo vira uma rotina sem fim, e viramos simplesmente repetidores, sem sentimento, sem vontade própria.

O que nossa sociedade não entendeu ainda é que a base do amor é a liberdade. Ninguém é dono de ninguém. O segredo do amor é o cativar. Quando cativamos ao outro, não precisamos nos preocupar se ele voltará ou não. Se volta, é porque quer, não por obrigação. Se o outro liga, se interessa, é por pura vontade. O amor é dinâmico, mutante, não pode ser aprisionado, exigido. Esta é sua verdadeira face, deixá-lo livre é a única forma de conservá-lo.

Talvez as pessoas ainda não estejam prontas para algo assim, no entanto. Talvez seja exigir demais delas. Teríamos que mudar toda a base de nossos relacionamentos, passar a distribuir amor, não cobrar. Este amor que nos apresentam é egoísta, cada um quer apenas cobrar, exigir sua parte, ninguém quer distribuir. Amor é doação, quanto mais doamos mais teremos. Aprisionamos o amor a uma idéia de exclusividade, dizer eu te amo é como um ritual sublime que só podemos fazer depois de muito tempo. Complicamos demais algo que é tão simples. O amor pressupõe abdicação do sentimento de posse. Pressupõe abdicação de cobranças, exigências, pressupõe uma mudança de atitude, pressupõe a liberdade. Será que estamos prontos pra aprender a amar?

Why So Serious?

2011-03-20T17:26:00.001-03:00

Era inevitável. O novo filme de Batman - O Cavaleiro das Trevas se tornou um clássico. E todos os méritos se devem a Christopher Nolan, o jovem diretor desta nova franquia em ascensão. Nolan conseguiu reformular a proposta do herói, deixá-lo mais próximo dos quadrinhos e torná-lo o super-herói mais rentável da atualidade. Podemos dizer que Batman chegou à maturidade. Pois o que vemos neste novo filme da série é exatamente isto: um herói maduro, bem acabado, que faz o que é necessário para a cidade que protege.

Desde o filme anterior, o herói está mais sombrio, menos colorido. Isto lhe deu um toque de realismo em relação aos filmes da série anterior, que com o tempo foram ficando cartunizados demais. Esta nova série tenta resgatar toda a escuridão dos primeiros filmes clássicos de Tim Burton, e vão além: mostram que Batman não tem limites, e que é um herói disposto a sacrificar tudo, até a si mesmo para proteger seus ideais. Mas Batman não está sozinho nesta nova saga. Como já nos mostrou Shyamalan, para que haja um herói, é preciso sua antítese. E quanto maior ela é, mais grandioso nosso herói se torna. Pois aqui, sua antítese é colossal, é grandiosa, e completamente insana. Claro que estamos falando dele, talvez o personagem que irá entrar definitivamente para a história como o maior vilão de todos os tempos. Estamos falando de Joker, ou como nós o conhecemos: o Coringa!

Mas talvez o nome original seja mais apropriado para nos dar uma idéia do que ele é capaz. Joker, que no inglês, além de servir para identificar a carta de baralho que conhecemos como coringa, também significa algo como o "piadista". Pois é exatamente isto que o Coringa é. Um piadista, que torna o filme todo uma tremenda piada... de extremo mal gosto. Coringa é o vilão que a cidade de Gotham merece. Insano, psicótico, alucinado, incendiário, assassino, caótico, mas sem jamais perder a piada. Assim é o Coringa, um cara sem nada a perder e querendo apenas uma coisa: "watch the world burns"... como diz Alfred em um trecho do filme. Para um vilão tão complexo, o brilhantismo de um jovem ator. Pois Heath Ledger está a altura de tal tarefa: interpretar o Coringa e conseguir transparecer tudo isto o que eu disse aqui. E ele consegue com sobras. E não digo isto apenas porque o ator morreu. Bom, talvez isto influencie um pouco na minha avaliação. Mas mesmo assim a mantenho: Ledger está impecável na pele do impagável Coringa. Com uma maquiagem menos, digamos, "arrumadinha" do que seu predecessor, tornando o vilão com um ar mais psicótico e insandecido, e com gestos e trejeitos na medida entre o cômico e o insano, Ledger consegue levar a cabo sua tarefa com maestria e brilhantismo ímpar, e literalmente roubar a cena do próprio Batman.

Mas Ledger não está sozinho. Junto com ele temos um elenco de peso, responsáveis por fazer deste filme um sucesso absoluto na categoria belas atuações. A começar pelo próprio Batman. Christian Bale parece ter sido a melhor escolha para interpretar o jovem Bruce Wayne. Seguro, simpático e ao mesmo tempo rude quando necessário, mas sempre sem perder a elegância, o jovem consegue encarnar os dois lados de Wayne com maestria: a simpatia e bem-vivança do jovem sr. Wayne, e a sombriedade e rudeza do herói mascarado. Ao seu lado temos um Michael Cane corretíssimo na pele de Alfred, mais que seu mordomo, seu amigo e segundo pai, poderiamos colocar assim; Morgan Freeman, sempre competente interpreta Fox, outro assistente fiel, responsável pelos "brinquedinhos" do herói e por manter as empresas Wayne a salvo de possíveis aproveitadores ou chantagistas. Falta falarmos de Gary Oldman, o agora comissário Jim Gordon, que está sempre ao lado de nosso herói, e da jovem Maggie Gyllenhall, que interpreta de forma belíssima a srta. Rachel Dawes, me fazendo até esquecer de sua antecessora, Kate Hudson.

Mas a grande surpresa deste filme, como Cillian Murphy no anterior, foi Aaron Eckhart. Que ele é um ótimo ator eu já sabia. Mas que ele ia encarnar tão bem o personagem do promotor público Harvey Dent, com isto eu não contava. Aaron se mostrou a escolha perfeita para o personagem, e soube de forma magistral mostrar as duas caras de seu personagem. Harvey Dent, ou Harvey Duas-caras, como é mais conhecido, é um dos personagens mais ricos e complexo dos quadrinhos. Não se trata de um vilão qualquer, mas de um dos vilões mais humanos de todos os tempos. Enquanto o Coringa é a insanidade em pessoa, Dent é a paixão. Ele não é uma má pessoa, pelo contrário, é um jovem idealista e que acredita na justiça. Mas seu caráter extremamente passional o leva a querer a justiça a qualquer preço, e quando ele perde o que mais amava em sua vida, passa a fazer justiça com as próprias mãos. É nesta hora que Aaron mostra a que veio, conseguindo levar seu personagem de um simpático e enérgico político a um temido e vingativo vilão.

Tudo isto já bastaria pra fazer deste filme um clássico. Mas o que vemos em tela é mais, muito mais do que isto. Vemos ação, muita ação, um Batman que não hesita em fazer o que for possível para salvar seus concidadãos, mesmo que pra isto tenha que ir contra aqueles que estão ao seu lado; temos um história densa, tensa, inteligentemente bem construída, fazendo deste filme mais do que um filme de super-herói qualquer; temos emoção, Nolan sabe brincar com nossas emoções como ninguém; e claro, temos humor, muito humor, afinal, um filme com um personagem chamado "Joker" não pode ser "so serious"... E isto ele tem de sobra, entremeado nos excelentes diálogos, nas cenas mais improváveis, e, claro, na postura do Coringa, que em nenhum momento deixa seu lado irônico e sarcástico de lado. Tive que assistir ao filme duas vezes para conseguir apreciar todas as expressões, olhares e dizeres do personagem. Simplesmente fantástico. Por tudo isto já dito, fica claro que o Cavaleiro das Trevas veio pra ser o filme do ano, e desde agora já é, de longe, não só o melhor filme do herói, como de todos os super-heróis já realizado, em minha humilde opinião.

Um Filme Para os Fortes

2011-03-14T18:45:00.001-03:00

Onde os Fracos Não Tem Vez não é um filme fácil. Não dá para se esperar que um filme destes agrade a todos, já deveriam saber os intelectuais de plantão. E aqui estou para formar a turma do contra. Sinceramente, tenho que fazer coro: "Acho que não entendi este filme". Pronto. Após desabafar minha fraqueza, permitam-me fazer alguns devaneios e análises soltas sobre o filme em si.

Tudo bem, concordo com os elogios técnicos feitos por toda a crítica. As atuações estão ótimas, a "trilha sonora" é peculiar e realça a morbidez do filme. O que ele passa é uma sensação desoladora, nos convidando a compartilhar deste cenário inóspito que é o deserto do Texas. Seus personagens são únicos. Um caçador veterano, um xerife desiludido e um psicopata frio. A pasta de dinheiro é o estopim que dá início ao filme, à história e ao massacre. O filme se desenrola bem, a perseguição nos deixa tensos, o confronto entre o psicopata e o caçador é de arrepiar. Mas de repente esta situação vai se arrastando, a perseguição começa a ficar longa, não vemos no que ela pode dar, só ficamos esperando como o filme irá terminar. De repente o caçador aparece morto, o psicopata foge para fazer uma última vítima, e o xerife não consegue solucionar nada (desde o começo sabíamos que ele não estava ali para dar uma de herói).

Este final me parece sem sentido. Começo a pensar, a tentar achar algo que conecte tudo isto e faça a história ter sentido. Me lembro do título do filme, e algo se ilumina em minha mente. Talvez ele seja a chave para se compreender o que os irmãos Coen querem nos dizer. Os títulos em português e em inglês se referem a dois personagens do filme. Em inglês, No Country For Old Men, que em uma tradução livre seria algo como "Um País onde não há lugar para velhos", fala do personagem de Tommy Lee. Desde o início ele dá pistas disto, ao começar o filme com seus devaneios sobre os tempos atuais, a violência. Demonstra seu saudosismo por um tempo onde a violência não era tão cruel. Demonstra que neste país não há mais lugar para homens velhos como ele. E o final do filme fecha esta idéia. Ele acaba se aposentando, sem ter conseguido proteger ao caçador, como havia prometido a sua esposa, e sem ter conseguido pegar o assassino.

Ao mesmo tempo o título em português, Onde os Fracos não tem Vez, se refere ao próprio caçador, interpretado por Josh Brolin. Há um trecho do filme que revela isto, o diálogo entre o personagem de Woody Harrelson, quando este fala ao caçador que ele não sabe com o que está lidando, que ele não nasceu para aquilo. Bom, não me lembro das palavras exatas, mas o sentido do diálogo dos dois era mais ou menos isto. O caçador é o fraco, que de repente se vê jogado num mundo insano, cruel, e que tenta dar uma de esperto neste meio. Não há escapatória para ele, por mais que esperássemos que no final ele matasse o bandido, salvasse a mocinha e fugisse com a grana. Os irmãos Coen não estão aqui para cumprir nossas expectativas.

No mais, algumas cenas na trama são meio deslocadas, recheadas demais de metáforas, psicologismos e filosofias superficiais e imcompreensíveis, pelo menos para mim, como o diálogo do xerife com o tal Allis sobre o Tio Mac, e o diálogo final a respeito do sonho, aliás, o final do filme merece um comentário a parte. Terminar o filme daquela forma pode ter sido um ato corajoso e inovador. Mas não reconheci a genialidade deste ato. A idéia do sonho em que ele vê seu pai e busca por ele, como alguém que busca por um alívio, que busca fugir da escuridão de nossa vida pode parecer legal, bonita e tudo mais. Mas para mim é uma metáfora um tanto óbvia para a vida em que vivemos. Talvez seja isto que o filme todo queira dizer. Não há como escaparmos das trevas, ela nos rodeia, nos cerca. Acho que esta é a grande mensagem de todo o filme. E apesar de parecer genial, para mim esta idéia se perde numa trama desnecessariamente longa e enfadonha. O mais legal neste final é que ele consegue passar exatamente a mesma sensação que Ed Tom descreve. "E de repente, acordei". Puf. De repente, acordamos também. Mas é só.

No final, fiquei com uma sensação de vazio. De uma ótima história, com ótimas cenas e ótimos personagens, mas desperdiçados por um roteiro desnecessariamente metafórico e recheado de diálogos aparentemente sem sentido. Enfim, após refletir sobre tudo isto, fiquei me perguntando: será que eu não entendi o filme ou será que era só isto mesmo que era para eu entender? Será que é esta a sensação que eu deveria estar sentindo após assisti-lo? Será que é esta a mensagem final do filme? O filme deixa muitas perguntas. Talvez seja assim que deva ser.

Cisne Negro

2011-03-07T01:10:00.000-03:00

Todos temos um lado sombrio. É inerente à natureza humana. Por mais que tentemos domá-lo, escondê-lo, às vezes este lado aflora, e quanto mais reprimido, com mais força ele se revelará. A força do inconsciente é algo que desafia nossa racionalidade. Ele se revela nas horas mais impróprias, e nunca conseguiremos saber que forma ele tomará. Pode ser a de um assassino, de um sádico, uma fênix ou até mesmo um cisne.

Assim é o Cisne Negro. Insano, furioso, sexual, ele revela nosso lado sombrio, aquele que tentamos esconder. E Natalie Portman está perfeita no papel da bailarina Nina forçada a viver os dois lados da história. Ingênua, boazinha, virgem, ela é perfeita pra encarnar o Cisne Branco. Mas o que ninguém sabe é que por detrás da boa garota se esconde um lado terrivelmente furioso, que ela sempre tentou sufocar. Até o dia em que ela recebe o papel principal na peça O Lago dos Cisnes.

Pressionada a mudar suas atitudes para viver o lado sombrio da história, Nina parte em uma viagem pelo seu subconsciente, revelando um lado que ela tentava esconder. Dominado, sufocado, reprimido, seu lado sombrio irrompe com uma fúria descontrolada. Assim surge o Cisne Negro, e atriz e personagem se misturam em uma meta-história brilhante. O Lago dos Cisnes não é apenas a história dos cisnes branco e negro, mas é a história da própria atriz que tem que aprender a conviver com os dois cisnes que existem dentro de si mesma.

Cisne Negro é a história do drama humano, é a história de todos nós. A repressão nos torna submissos, submetemos nossas vontades, dominamos nossos desejos, reprimimos nossos instintos, tudo para nos encaixarmos, nos sentirmos confortáveis, nos sentirmos aceitos. E assim nosso lado sombrio vai crescendo, se tornando indomável, furioso, incontrolável. Os dois cisnes existem dentro de cada um de nós. E reprimir um deles só nos levará a uma vida de submissão e frustração. Afinal, a repressão é o pior tipo de perversão.

Desafiando as Regras

2011-02-10T13:17:00.000-02:00

O Brasil tem um dos cenários de Heavy Metal mais ricos de todo o mundo. Onde quer que você vá, com certeza encontrará ótimas bandas, álbuns excelentes, pessoas apaixonadas por este estilo musical, e claro, muitos shows. E tudo isto acontece bem debaixo do nariz de nossa sociedade, nos porões e becos das grandes cidades, sem que a grande massa que compõe a população de nosso país sequer percebam.

Por isto mesmo, algumas vezes, nem mesmo quem é amante deste estilo musical consegue saber tudo o que está rolando neste submundo que é o universo do Heavy Metal. Há algumas semanas tive a oportunidade de ouvir um álbum de uma banda de metal que nunca tinha ouvido falar. O álbum era tão bom, tinha uma sonoridade tão intensa e músicas tão fortes, que fiquei me perguntando: quem serão estes meninos que fazem este som, alguma banda nova chegando no mercado? Fiquei ouvindo o álbum dos caras o mês inteiro no meu MP3 player, e quanto mais eu o ouvia, mais gostava dele.

Ao pesquisar o nome da banda na internet, qual não foi minha surpresa em descobrir que esta banda é daqui mesmo do Brasil, mais exatamente de Porto Alegre-RS, existe desde 97 e que este álbum foi lançado em 2004. E olha que eu nunca tinha ouvido falar dela, ou talvez tivesse até ouvido algo mas passou despercebido. A banda em questão se chama Hibria, e o álbum lançado foi intitulado Defying the Rules. De antemão, o que posso dizer é que este é um dos melhores álbuns de Heavy Metal já lançados neste país, e pode ser colocado na galeria junto com os clássicos Theatre of Fate, do Viper, Angels Cry, do Angra e Arise do Sepultura.

Pra começar, os integrantes da banda são bons, muito bons. As guitarras despejam riffs rápidos e cortantes, a cozinha mantém o ritmo forte e dá o peso necessário, e o vocal é excelente, num estilo agressivo e melódico ao mesmo tempo. Reúna tudo isto e você terá uma amostra do que o Hibria é capaz. Apesar dos caras falarem que suas principais influências são do Heavy Metal tradicional, como Iron Maiden e Metálica, não dá para não comparar este álbum com os grandes nomes do Power Metal atuais, como Hammerfall e Headstone Epitaph. A sonoridade deste disco nos remete imediatamente a estas duas bandas, especialmente.

Ao ouvir o disco fica difícil destacar alguma música. Todas, absolutamente todas são muito fodas. Ouça por exemplo a faixa que abre o disco, após a Intro, Steel Lord on Wheels, que já diz o que iremos encontrar pela frente: riffs pesados, aliados a frases de guitarra e vocal recheadas de melodia, e solos belíssimos. E todas as músicas são assim, mantendo o ritmo do álbum do início ao fim, sem parar um minuto sequer. Após ouvir as 10 faixas que o compõem, nossa vontade é de ouvir de novo e de novo e de novo, coisa que aliás é o que tenho feito neste último mês.

Por tudo isto que disse o Hibria pode ser considerada a grande revelação do metal nacional dos últimos anos, e que já conta com um clássico na bagagem: este disco Defying the Rules. Seu segundo trabalho, The Skull Collectors segue a mesma linha deste primeiro, o que já consolida esta banda como um dos maiores nomes do metal brazuca da atualidade. Ah, e se você ficou curioso para conhecer o trabalho do Hibria, basta dar uma conferida no site oficial dos caras: http://www.hibria.com.

Baú do Tempo

2011-02-07T14:53:00.005-02:00

Navegando sem rumo em meu próprio site, encontrando lembramças e memórias soltas, eis que me deparo com este belíssimo texto que escrevi há quase 10 anos atrás, que foi publicado neste blog (que possuia outro nome) na edição de setembro de 2002. Fiquei profundamente tocado e resolvi trazer aos dias atuais, pois é um de meus textos favoritos. Por favor, comentem e deixem suas opiniões:

O Beijo da Morte

Há muitos dias já não se levantava da cama. A cada dia mais fraca, já não tinha cor em seu corpo. Quem a olhasse de perto poderia ver suas veias através da pele. Estava assim desde a última visita do médico, e a confirmação do inevitável. Tinha uma doença muito rara, pulmões atacados, e logo todo o resto do corpo junto. Não havia remédio. Morreria antes de completar 17 anos. A mãe já não trabalhava, nem saia de casa mais. Passava os dias chorando em seu quarto, como se a filha já estivesse morta. O irmão mais velho tentava animá-la, mas ele próprio sentia-se mal cada vez que entrava no quarto sombrio e via sua irmã deitada, olhos perdidos no nada, como que esperando pela própria morte. O tempo foi passando e a menina piorava a cada dia. Agora já não conseguia mais se levantar, sequer podia mexer-se no leito. Mas não morria. Parecia haver ainda algo a fazer neste mundo. E realmente havia. A morte esperou até o dia de seu aniversário. Confusa, a família se reunia na cozinha para discutir o que deveriam fazer, afinal aquela poderia ser sua última festa de aniversário. Mas não sabiam se deveriam realizá-la, frente às condições da menina. Enquanto todos discutiam, mal perceberam que a figura magricela e esbranquiçada os observava da porta. Todos tomaram um susto. Como conseguira se levantar da cama? Frente ao silêncio que se fez, a garota expôs seu plano. Queria ir à uma festa. E sozinha. A família achou um absurdo. Onde já se viu, sair neste estado? Mas a menina estava decidida. Aquele era seu último aniversário, e ela queria aproveitar ao máximo. Com muito custo deixaram. E lá foi a menina. Pegou um ônibus e logo estava na frente da boate mais famosa da cidade. Na verdade o que ela queria era apenas uma coisa: dar seu primeiro e último beijo. Não queria morrer sem Ter esta sensação. Só precisava encontrar a pessoa certa. Apesar da doença, a garota estava bonita em seu longo vestido azul-marinho. Os cabelos lisos e longos, amenizavam seu aspecto terminal. Em um esforço extremo adentrou o recinto. Ficou um pouco tonta com as luzes piscantes e o som alto. Mas logo acostumou-se. Sua excitação a mantinha de pé. Era só isto o que lhe restava agora. Já não andava, flutuava sobre o solo. Procurou uma mesa para se sentar e ficou a observar a multidão se sacolejar ao som daquelas batidas ensurdecedoras. Ficou a noite toda ali, esperando. Logo o lugar começou a esvaziar. Perdeu as esperanças. Seu destino era morrer assim, sem provar o sabor de outros lábios. Resolveu ir embora. Se levantou, mas uma vertigem a fez perder os sentidos. Lentamente o corpo foi caindo, com a leveza de uma pluma. De repente dois braços a apararam antes que seu corpo chegasse ao chão. O rapaz olhou pra sua face sem expressão e uma profunda ternura o invadiu. Lentamente a levou pra fora, para tomar um ar. A garota desperta alguns minutos depois. Olha em volta e seus olhares se encontram em um sorriso. O rapaz a ajuda a se levantar, enquanto ela pensa se morreu ou está sonhando. Felizmente, nenhum dos dois. Longe dali, sentados em um banco de praça, os dois conversam olhando as estrelas. Já é tarde, e nem o leve sereno a preocupa mais. Não ali, naquele momento mágico. Em um instante seus olhares se cruzam. Sua respiração se torna ofegante e ela pensa que vai morrer. Suas bocas se encontram inevitavelmente, em um beijo com gosto de sangue. Estava feito. Naquele breve momento, se sentiu mais viva do que jamais sentira em toda sua vida. Horas depois a multidão se aglomera na praça pra ver seu corpo inerte coberto por sangue. Mal perceberam o leve sorriso que havia em seus labios...

(Baseado em conto de Nelson Rodrigues)

O melhor filme de todos os tempos!

2011-01-15T17:52:00.001-02:00

Quem convive ou pelo menos lê um pouco sobre o mundo do cinema já deve ter ouvido várias vezes alguém se referir a Cidadão Kane como o "melhor filme de todos os tempos". Este fato sempre me intrigou. Como pode, pensava eu, alguém poder afirmar com toda a certeza que tal filme é o melhor de todos? E o mais intrigante é que não é uma ou duas pessoas apenas, mas toda uma geração de críticos que afirmam isto com toda certeza.

Portanto, resolvi elucidar este mistério da maneira mais fácil e prazeirosa possível: assistindo ao mesmo. Durante as duas horas em que estive diante da TV, procurei me atentar a todos os detalhes e fatos que podem fazer a diferença num filme, não só os mais superficiais, como os atores e a história, mas todos os pequenos detalhes, como o enquadramento da câmera, as luzes, e etc. E eis tudo o que consegui observar em Cidadão Kane:

Primeiramente, uma fotografia belíssima. Cidadão Kane é um filme em preto e branco, algo que não o desmecere em nada, pelo contrário. Sua textura é impressionante, um preto e branco suave e ao mesmo tempo radiante. A luz contribui muito neste caso. O diretor Orson Welles consegue trabalhar e jogar com a luminosidade de uma maneira esplêndida, fazendo com que o filme seja bonito de se ver. Completa tudo isto o enquadramento e os giros de câmera. Em cada cena, Welles nos brinda com uma inovação, como na clássica cena em que Kane morre, o close na enfermeira através do vidro do pequeno brinquedo caido no chão é genial.

Na parte textual, temos um roteiro digno de oscar (tanto que levou a estatueta), uma história bem construida e uma narrativa não-linear, cheia de flashbacks, que torna o filme mais instigante ainda para quem assiste. O mistério de Rosebud é o que conduz a trama, e à medida que o repórter Thompson pesquisa seu significado, vamos adentrando cada vez mais no universo de Kane, um personagem absolutamente fantástico, cativante e odiável ao mesmo tempo, como todos os grandes homens, creio eu. O filme acaba se tornando assim um grande quebra-cabeças, onde, através do depoimento daqueles que conviveram com Kane, Thompson pode ir reconstruindo a vida deste homem excêntrico, ambicioso, às vezes cruel, mas que encerrava em si todas as qualidades do sonho americano: sucesso e poder. Além disto, a interpretação do próprio Orson Welles ajuda e muito na construção do personagem. Na época o filme causou um furor pelas similitudes entre Charles Foster Kane e o grande figurão da imprensa na época William Randolph Hearst:

O óbvio paralelo de Kane (e seu Inquirer) com Hearst (e seu Examiner) gerou controvérsias e pressões para impedir a montagem e exibição do filme. As similaridades são muitas: Kane construiu um palácio extravagante na Flórida, Hearst tinha um em San Simeon; o personagem teve um caso com uma cantora sem talento, Susan Alexander (Dorothy Comingore), lembrando o que Hearst teve com a jovem atriz Marion Davies. Enquanto o magnata da vida real comprou o estúdio Cosmopolitan Pictures para promover o estrelato de Davies, Kane comprou (construiu) para Susan um teatro. Entretanto, enquanto Hearst nasceu rico, Kane era filho de uma família humilde. (Retirado de WebCine)

A caracterização dos atores também é magnífica, nunca havia visto uma caracterização de personagens velhos, interrpetados por jovens atores de forma tão perfeita, parece até que são outros atores. Além disto,

o filme faz uso de flashbacks, sombras, tem longas seqüênciãs sem cortes, mostra tomadas de baixo para cima, distorce imagens para aumentar a carga dramática; a iluminação é pouco convencional, o foco transita do primeiro plano para o background, os diálogos são sobrepostos e os closes usados com contenção. Revolucionário. (Retirado de WebCine)

Estes foram apenas alguns detalhes que consegui pegar do filme. E, se antes eu ficava imaginando como seria o "melhor filme de todos os tempos", o que ele deveria ter para conseguir este rótulo, após assistir Cidadão Kane, acho que entendi isto perfeitamente. Posso até não considerá-lo o melhor de todos, já que não sou muito fã de filmes antigos. Mas entendo perfeitamente o porquê do título, afinal de contas, por tudo isto que aqui citei, Cidadão Kane não é um filme comum. Ele tem sim algo de especial e de mágico, e Orson Welles tem muitos méritos em conseguir criar esta obra-prima do cinema moderno. Não acho o melhor filme de todos os tempos, mas acho que o título está em muito boas mãos.

O Cheiro do Ralo

2011-01-11T21:31:00.001-02:00

Filme insano, nonsense. Acho que por isto agrada tanto. O cenário, os personagens, a fotografia, a bunda, a trilha sonora, o segurança, tudo neste filme é estranhamente cativante. Cenas esdrúxulas, díálogos sem sentido, situações mal explicadas. Tudo isto recheado de um cheiro horrível. Assim é o Cheiro do Ralo, filme baseado na obra homônima de Lourenço Mutarelli, que conta a história do personagem Lourenço, dono de uma velha loja que compra e vende objetos usados. Um dia ele se apaixona pela garçonete da lanchonete da esquina. Quer dizer, Lourenço não se apaixona pela garçonete como um todo, mas somente por sua bunda. É isto mesmo, o cara se apaixona por uma bunda. Ao mesmo tempo, tem que aguentar o cheiro do ralo de seu banheiro, que empestea o lugar todo.

Aos poucos vamos conhecendo melhor Lourenço, um cara frio e insensível. Em poucas palavras ele explica como se tornou assim: para ter algum lucro, Lourenço tem que convencer as pessoas que o procuram a vender seus objetos por um preço menor do que o que eles valem. No começo ele tinha pena das pessoas, mas logo percebe que não podia ter pena, ele tinha que ser frio. E esta frieza só foi aumentando cada vez mais. É a frieza que está estampada em cada atitude e gesto de Lourenço. Ele não se importa com as pessoas que vão à sua loja, desesperados, tentando vender seus valiosos objetos de valor sentimental, suas relíquias e jóias de família para tentar conseguir algum dinheiro. Ele não se importa com ninguém à sua volta. Sequer sabe seus nomes. Tudo para ele gira em torno do comércio. Ele se compraze em comprar a última esperança das pessoas, e aos poucos dezenvolve um estranho prazer em vê-las abdicar de sua dignidade em troca de uns míseros trocados.

Desta forma o filme consegue fazer um retrato da mesquinhez humana. De um lado o comprador que se aproveita do desespero das pessoas, e do outro o vendedor, que se submete a qualquer coisa para obter o dinheiro. E no meio de tudo isto, a bunda. Lourenço se torna obcecado por ela. Mas ele não quer ter a mulher. Ele quer apenas a bunda, ele quer pagar por ela. A bunda, assim como as pessoas, se torna apenas mais um objeto que ele pode comprar e vender. "O poder é afrodisíaco". É assim que Lourenço vive. O fato de as pessoas o procurarem em caso de necessidade lhe dá um poder especial, e este poder o excita, faz com que se sinta o máximo.

Mas Lourenço fede. Fede como um grande ralo cheio de merda. O ralo é o último escoadouro, é para onde tudo o que não serve mais vai. E é lá que encontramos Lourenço. Lourenço vive num imenso ralo. E para lá vão todas as pessoas que não tem mais esperança, dispostas a abrir mão de sua dignidade em troca do dinheiro de Lourenço. É para lá que vai toda a merda que produzimos. E é de lá que vem o Cheiro do Ralo.

Melhores Filmes de 2010

2011-01-10T20:04:00.006-02:00

Bom, andei revendo a lista de filmes que vi neste último ano, e resolvi então fazer uma lista com os 10 melhores filmes que eu vi no ano de 2010. Como não vi muitos filmes, então a lista ficou, digamos, muito "blockbuster", mas enfim, prometo me esforçar mais em 2011. Considerei apenas filmes mais recentes, de 2008 pra cá. Vamos à lista então:

1 - A Origem

Christopher Nolan nos brinda com o que talvez seja um clássico do cinema de ficção desde Matrix. Só que desta vez o foco são os sonhos. Efeitos especiais devastadores, um enredo misterioso e original, ótimas atuações, especialmente de DiCaprio inspirado como sempre e ação, muita ação, é tudo o que encontramos aqui. Um filme para ficar na memória e na história.

2 - A Rede Social

A história do criador do Facebook e mais jovem bilionário Mark Zuckerberg ganhou o mundo e David Fincher soube fazer dela este grande filme. Rápido, dinâmico, Fincher soube utilizar bem seu estilo e o que temos aqui é uma narrativa não-linear, que mistura flashes de passado e futuro sem aviso prévio, sem que isso confunda o espectador. Além disto o filme tem um ótimo elenco de jovens atores, capitaneados por Jesse Eisenberg e uma trilha sonora típica dos filmes de Fincher.

3 - O Menino do Pijama Listrado

O holocausto e os fatos que envolvem o extermínio de pessoas durante a segunda guerra é algo sempre difícil de ser recontado. Apesar de muitos filmes já terem o feito, sempre nos colocamos diante do desafio de recontar histórias que se passam neste período, rodeadas de uma áurea de horror. E aqui nos vemos mais uma vez diante deste desafio. Desta vez, a tragédia é vista sob os olhos de uma criança, e aos poucos vamos percebendo como a infância pode sobreviver diante de fatos tão absurdos? A ingenuidade e cumplicidade de um garoto em contraponto ao horror da situação desembocam numa história bela, triste e trágica, com um desfecho de arrepiar.

4 - Zumbilândia

Filmes de Zumbis já temos aos milhares por ai. Mas não como este. Zumbilândia é daqueles filmes que transcendem o senso comum, e a partir de uma história já contada mil vezes, consegue ainda nos surpreender. Um filme de comédia sobre uma situação absolutamente insana. Sim, o mundo foi invadido por uma estranha praga que transforma todos que são mordidos em zumbis, e os poucos humanos que restaram só querem... viver e tentar se divertir um pouco. Zumbilândia tem cenas épicas, uma introdução matadora, uma narrativa bem construida e um protagonista bastante carismático, além de uma participação pra lá de estranha de Bill Murray, interpretando... ele mesmo. Um filme descompromissado mas que consegue agradar mesmo aos que não são fãs de filmes de zumbis.

5 - A Ilha do Medo

Aparentemente um filme de terror, aos poucos A Ilha do Medo vai se transformando num thriller psicológico genial, e coloca nossa credulidade à prova. Mais uma vez DiCaprio, desta vez auxiliado por Mark Ruffalo, nos brindam com excelentes atuações, e Scorcese consegue através deste filme testar nossa capacidade de distinguir e encontrar a verdade dos fatos. Este filme penetra fundo na loucura e no psiquismo humanos, num dos melhores enredos de suspense dos últimos anos.

6 - Megamente

Há tempos o universo das animações nos brindam com excelentes produções, tanto em matéria de história quanto pela riqueza de seus personagens. E Megamente não é diferente. Inicialmente uma paródia dos filmes de super heróis, mais especificamente do Super Man, mas onde o protagonista não é o herói, e sim o vilão do filme. Mas o enredo do filme vai além da noção de bem contra o mal, surpreendendo e mostrando que este dualismo proposto na maior parte dos filmes do gênero é uma forma muito superficial de enxergar as coisas.

7 - Chico Xavier
A vida do maior médium espírita brasileiro se desvenda diante de nossos olhos nesta grande produção. O filme tem cenas muito engraçadas, como a parte em que ele conta de seu "quase" acidente de avião, cenas dramáticas e outras belas passagens, com uma mensagem de desapego e amor ao próximo, praticados por este homem que dedicou sua vida toda a ajudar às pessoas. Casos de curas, de mensagens dos espíritos que influenciaram na vida de pessoas, e até o caso de um julgamento em que uma carta psicografada foi aceita como prova para inocentar um garoto acusado de cometer um crime são mostrados diante de nós, e passamos assim a conhecer um pouco mais deste homem que foi e sempre será um símbolo religioso de nosso país.

8 - Os Mercenários

Stallone está de volta. E não está sozinho. Desta vez ele trouxe um time de atores junto: o novo queridinho dos filmes de ação Jason Stathan, o candidato a novo Bruce Lee Jet Li, o eterno soldado universal Dolph Lungdren e o pai do Chris Terry Crew formam um grupo de soldados mercenários que ajudam a derrubar governos e resgatar presos políticos. O filme conta ainda com a participação de nada mais nada menos que Bruce Willis, Mickey Rourke e uma pontinha de Arnold Schwarzenegger, numa das cenas mais divertidas do filme. Com um time destes reunidos, não poderíamos esperar nada menos do que tiros, explosões, lutas, ou seja, muita, mas muita ação. E o filme cumpre o que promete!

9 - Nosso Lar

No cinema nacional, os filmes com temáticas espíritas dominaram o ano. Primeiramente com Chico Xavier, e depois com este belíssimo Nosso Lar, baseado na obra do mesmo autor. Longe de querer evangelizar ou passar ensinamentos sobre o espiritismo, o filme se limita a mostrar a visão espírita sobre a vida pós-morte, através da história de André, um homem que desencarna e se vê diante de um novo desafio: compreender que a vida vai além do mundo terreno. O filme é leve, muito bem produzido e com bons atores, e por tudo isto merece estar nesta lista.

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10 - 2019: O Ano da Extinção

Filmes de vampiros temos aos milhares. Mas parece que ultimamente eles estão se tornando apenas pano de fundo para romances adolescentes. Não é o que acontece nesse Daybreakers, filme que segue a linha dos vampiros hi-tech, como Blade e Anjos da Noite. Em um planeta dominado pelos vampiros, os poucos humanos que restam buscam, além de se manterem vivos, uma forma de fazer com que o mundo volte a ser como era antes. Sangue e muita ação são a fórmula para o filme, com um enredo envolvente e história interessante.

Pata de Elefante & Space Monkeys no Metrópolis

2011-01-09T16:29:00.008-02:00

Ontem foi dia de muito rock'n roll no Metrópolis. Dia de receber mais uma vez os gaúchos do Pata de Elefante, um dos grupos de rock instrumental mais legais que já tive oportunidade de ouvir. Mas antes pudemos conferir o som dos goianos da Space Monkeys, banda até então desconhecida pra mim, mas que passei a admirar pelo seu rock visceral, com muita pegada, direto e sem muitas firulas. Com o espaço lotado e a galera muito animada, a banda aproveitou bem a oportunidade e conseguiu agradar e muito. Aliás lotação é o que não faltou no Metrópolis ontem. Era fila pra ir no banheiro, pra pegar cerveja, pra ver o show, até pra pagar a conta (aliás, os caras lá bem que podiam armar um esquema, digamos, mais funcional pra fechar a conta, já que eu fiquei 56 minutos esperando na fila pra conseguir tal proeza).

Na hora do Pata de Elefante era praticamente impossível chegar sequer perto de ver alguma coisa no palco, tamanha quantidade de pessoas. Tentei por umas duas vezes chegar mais perto para conseguir pelo menos uma foto mas foi impossível. Felizmente grande parte do público não aguentou o horário e aos poucos o local foi esvaziando, deixando o espaço mais habitável. O Pata de Elefante tocou por mais ou menos uma hora e meia, e minha primeira impressão da música dos caras é que seu som funciona muito melhor ao vivo, como acontece com a maior parte das bandas instrumentais. O setlist foi composto pelas músicas de seus dois discos lançados, que variam desde as músicas mais pesadas, ritmos mais "funkeados" e dançantes, até músicas mais lentas. A variabilidade de estilos dos caras impressiona, e acho que é o grande diferencial deste grupo, além é claro da qualidade dos três instrumentistas. Tudo isto fez deste um dos melhores shows de Rock que pude ver nos últimos tempos, e espero poder revê-los em breve por terras goianas.

Veja as Fotos e Vídeos deste show!

Primeiro Show de 2011

2011-01-05T22:06:00.001-02:00

Foi ontem no Metrópolis, o primeiro show de 2011. A ocasião era para comemorar a posse de @GilvaneFelipe na presidência da AGEPEL, e contou com a presença de convidados ilustres, como nosso grande @carlosbrandao7, @fabricio_nobre, além do próprio Gilvane, claro, e no comando das pick-ups, tivemos @diego_de_moraes e @blackdrawing Chalks. Com tantos convidados ilustres, é claro que eu não poderia ficar de fora. Tratei logo de garantir minha vaga, já que o público seria reduzido às primeiras 200 pessoas que enviassem e-mail para a Monstro Discos. E o melhor de tudo: entrada free! Uma dessas a gente não tem todo dia!

Chegando ao local vi que a entrada iria ser um pouco tumultuada, já que a conferência dos nomes na lista dificultava um pouco a coisa. Após ficar mais de 1 hora na fila, finalmente consegui entrar no Metrópolis, e eu que nunca tinha ido ao local (não falei que ano passado foi meio tumultuado pra mim, nem tinha tempo de sair muito) me surpreendi com o ambiente. Decoração retrô bem aconchegante, vários ambientes (é claro, o local é uma casa com vários cômodos diferentes, então...), até uma máquina de taito colocaram em um dos cômodos, com nada mais nada menos do que o clássico jogo de Street Fighter II, o que fez a alegria dos marmanjos (e até de algumas moçoilas que quiseram se arriscar, não é @angracardoso?) incluindo eu por muito tempo. Até uma partida contra o @Denis_Dec, baixista da Black Drawing eu arrisquei (e ganhei, claro! Foi mals ae Denis, hehehe).

Logo o som começou a rolar, primeiramente com o maluco beleza do Diego de Moraes, em uma versão, digamos, acústica, e sem o Sindicato, que segundo ele está de férias (não de greve, ainda bem!). O repertório de músicas próprias do jovem cantor fez uma parte da galera dançar, e outra bodar. Confesso que gosto do estilo de Diego de Moraes, suas letras debochadas e inteligentes são coisas raras de se encontrar hoje em dia, mas senti falta da banda pra acompanhar, e o clima do show acabou ficando, digamos, um tanto morno. Mesmo assim Diego não desanimou: cantou, tocou, gritou em algumas partes e fez a alegria de quem gosta deste estilo mais despojado.

Na sequência sem muitas delongas, o bom e velho (velho? os caras são mais novos que eu), Black Drawing Chalks, banda jovem porém com bastante experiência no currículo. O repertório foi composto por músicas de seus dois primeiros discos, que aliás são excelentes, e algumas novidades que comporão o próximo disco da banda, pelo que eu entendi um ao vivo gravado no Bolshoi em Goiânia. Animação, energia e muito rock'n roll não faltaram, e a banda fez valer cada centavo (mais hein?!?) do nosso ingresso (brincadeira! hehehe). Foi uma noite agradável e muito divertida, onde pudemos ter a certeza que 2011 nos trará grandes shows e muito rock'n roll na veia ainda! É só esperar!

Confira as fotos e vídeos do show!

Melhores Álbuns de 2010

2011-01-04T18:17:00.001-02:00

Todo final de ano é a mesma coisa. É a hora de nos voltarmos para o ano que passou e elegermos o que deu certo, o que não deu, e a partir daí planejarmos o que queremos mudar no próximo ano. É a hora também das famosas listas de finais de ano. Tradicionalmente, eu sempre gosto de fazer uma lista do que eu li, vi e ouvi de melhor em cada ano. Mas como meu ano foi um tanto tumultuado (concursos, provas, trabalho, etc), infelizmente não assisti muitos filmes nem li muitos livros (coisas que desde já entram na minha lista de "coisas a fazer" em 2011). Portanto, me limitarei a fazer uma breve listinha dos 10 melhores álbuns que ouvi em 2010. Breve porque também não tive oportunidade de ouvir muita coisa este ano. Mas enfim, espero que 2011 seja mais produtivo neste sentido. Vamos a lista então, os 10 melhores álbuns que ouvi em 2010!

1 Iron Maiden - The Final Frontier

Encabeçando a lista está nada mais nada menos do que a lendária banda de Heavy Metal inglesa, o Iron Maiden. Neste mais novo trabalho a banda tentou resgatar um pouco da sua velha pegada, sem deixar de lado a linha mais progressiva que vinham adotando em seus mais recentes trabalhos. O resultado foi um álbum maduro, cheio de riffs poderosos aliados a toda uma atmosfera espacial, que aliás é o tema do álbum, mostrando assim que são capazes de se reinventar a cada dia, sem perder sua essência.

2 Slash - Slash

Mas quem surpreendeu mesmo foi o ex guitarrista do Guns and Roses. Depois de algum tempo parado, Slash resolveu lançar um novo trabalho, e o que temos em mãos só pode ser classificado como uma obra de arte pelo nível das composições e dos artistas convidados que integram este disco. Entre eles podemos destacar nada mais nada menos que Ozzy, Chris Cornell, Lemmy Kilmister, Dave Grohl, Iggy Pop e Fergie. O estilo das músicas fica no limite entre o pop e o hard rock, e mesmo com tantos convidados diferentes, Slash consegue manter o álbum coeso e dar uma identidade ao disco, que é prazeroso de se ouvir do início ao fim. Destaque para a música Ghost, gravada com Ian Astbury, uma das melhores canções que já ouvi nos últimos tempos.

3 Mago de Oz - Gaia III Atlantia

Os espanhóis malucos estão de volta. E tudo aquilo que adoramos neles também estão aqui, neste disco duplo recheado de riffs, violinos e muito folk metal. Pra quem não conhece a banda, trata-se de um grupo espanhol de folk metal, estilo que prima por misturar o peso do heavy metal com as melodias da música tradicional européia (se é que isso existe). Alguns chamam de música celta, outros de música cigana, enfim, o que vemos aqui são violinos, melodias e muitas histórias de contos-de-fadas, além do diferencial da banda cantar em sua lingua materna, o espanhol, algo não muito comum no universo metal. O resultado é o melhor possível, e cada disco da banda consegue ser melhor que seu antecessor, um caso raro de se ver.

4 Apocalyptica - 7th Symphony

Os garotos dos violinos e violoncelos mudaram. Agora não se contentam mais em fazer versões de clássicos do rock com seus violoncelos. Agora eles são uma banda, agregaram bateria, baixo e guitarra aos seus instrumentos, e nos vocais vários convidados diferentes, como Gavin Rossdale, Lacey Sturm, Joe Duplantier e até Dave Lombardo, ex-baterista do Slayer. O resultado é o que podemos conferir neste excelente disco, recheado de ótimas melodias, todas carregadas do peso e da morbidez dos violoncelos. Nos vocais temos estilos diferentes, desde mais melodiosos até músicas com vocais guturais, e várias músicas instrumentais.

5 Velhas Virgens - Ninguém Beija como as lésbicas

Os safados estão de volta, com suas letras irreverentes e seu rock'n roll irreverente, Ninguém beija como as Lésbicas é um típico álbum das Velhas Virgens. Só de ler títulos como A Boca A buceta e a Bunda, Bunda Boa, Eu bebo pra Esquecer, F.D.P e Velho Safado já dá pra sentir de quem estamos falando. Destaque para as músicas Cafajeste e Essa Mulher Só Quer..., que trazem as visões que homens e mulheres tem uns dos outros. Um disco divertido e descompromissado com o selo Velhas Virgens de qualidade.

6 Soilwork - The Panic Broadcast

Precursores do estilo que ficou conhecido como Death Metal Melódico, o Soilwork está de volta com seus riffs pesados, seu vocal rasgado e suas belas melodias. The Panic Broadcast é um dos melhores discos que já ouvi do estilo. Excelentes composições, executadas brilhantemente pela banda, que mostra que conseguiu atingir a maturidade, conseguindo unir a fúria e a beleza em um disco único e inigualável.

7 Angra - Aqua

Não, não é mais um disco daquela banda de pop que gravou a famigerada Barbie Girl. Aqua é o mais novo trabalho dos brasileiros do Angra, que renasceram mais uma vez após tantos desacertos, idas e vindas. E renasceram com um trabalho coeso, competente e muito mas muito bom. Ouça músicas como Arising Thunder, Lease of Life, Spirit of the Air e a baladinha Ashes e saberá porque o Angra continua sendo o grande nome do metal melódico nacional e um dos maiores do mundo no estilo.

8 Rhapsody - The Frozen Tears of Angels

A banda mudou de nome, agora se chama Rhapsody of Fire, mas o som deles continua o mesmo. Histórias épicas, heróis, guerreiros e muito, mas muito heavy metal. Isto é o que um fã espera encontrar num disco do Rhapsody. E eles não decepcionam. Parece até que pararam no tempo. O estilo continua o mesmo, o que pode decepcionar alguns, mas em compensação com certeza irá agradar aos fãs mais radicais da banda. A competência também continua, e portanto o que encontramos aqui é um disco em grande estilo, com épicas composições aliados a mais uma execução exemplar da banda.

9 Blind Guardian - At the Edge of Time

Enquanto muitas bandas estão enveredando por novos caminhos, buscando novas sonoridades, bandas como Blind Guardian se orgulham exatamente por manterem a mesma sonoridade há vários anos. É a velha receita Senhor dos Anéis e heavy metal que sempre conhecemos. Nada muda. Portanto, se você conhece a banda, sabe bem o que esperar deste disco. Se não conhece, vale a pena conhecer e descobrir porque o Blind Guardian pode ser considerado um dos grandes nomes do metal melódico mundial, hoje e sempre.

10 Diego de Moraes & O Sindicato - Diego & O Sindicato

Único goiano da lista, Diego de Moraes é uma incógnita. Gênio pra alguns, ridículo pra outros. O que não podemos negar é que o cara é criativo, original e um grande letrista. E é tudo isto que vemos neste seu primeiro trabalho. Rock, pop, psicodelia, samba, tudo está aqui e Diego se serve de todos estes estilos com um único propósito: passar sua mensagem de inconformismo, às vezes otimista às vezes pessimista, mas sempre com bom humor. Esta é a receita de Diego, que consegue nos cativar com suas canções e suas letras.

Headbangers

2010-11-23T10:00:00.002-02:00

Pra quem não sabe, Headbanger, ou "batedores de cabeça", numa tradução literal, é um termo utilizado para designar os amantes do gênero musical conhecido como Heavy Metal, por causa do modo como estes costumam curtir as músicas, balançando a cabeça com violência. Amado e odiado por muitos, o certo é que este tipo de música é marcado por uma grande capacidade de atrair as pessoas, seja para louvá-lo, seja para censurá-lo. Para entender um pouco mais sobre este universo cultural, o antropólogo e metaleiro canadense Sam Dunn resolve sair por ai entrevistando várias personalidades do meio ou ligadas a ele. O resultado está no cocumentário Metal - Uma Jornada pelo Mundo do Heavy Metal.

O filme traz entrevistas com grandes nomes como Bruce Dickinson (Iron Maiden), Lemmy Kilmister (Motorhead), Ronnie James Dio e Tonny Iommi (Black Sabbath), considerado por muitos o pai deste gênero musical. O que motiva Dunn é investigar e responder à pergunta: porque o Heavy Metal e seus fãs são tão estereotipados e perseguidos? Para responder a isto, ele aborda temas centrais presentes nas letras e posturas das bandas e músicas, como violência, sexo, religião, drogas, entre outros. Neste sentido, o filme contém muitos méritos, por abordar todas as questões de forma clara e sempre procurando opiniões e informações dentro e fora do mundo metálico. Assim, vamos desde as polêmicas bandas de glam metal e suas fantasias espalhafatosas, até os escândalos envolvendo as bandas de Black Metal da Noruega e as igrejas cristãs locais.

No geral, o cara conseguiu reunir aquelas bandas que de alguma forma fizeram diferença dentro do universo metálico, como Back Sabbath, considerados os pais do gênero, Iron Maiden, a maior banda de metal que já existiu, o Slayer, pela temática satanista, Girlschool, como uma das primeiras bandas só de mulheres, Arch Enemy, como uma das primeiras a ter uma vocalista mulher que usa a técnica de vocal gutural, e assim por diante. No final, o resultado é um documentário bastante variado, que consegue demonstrar como o Heavy Metal é um gênero musical diversificado e eclético, com suas inúmeras subdivisões, e também mostrar sua importância e porque ele é ainda hoje tão amado por jovens e adolescentes do mundo todo, que juntos formam uma grande comunidade.

Como o próprio diretor conclui, o Metal é uma cultura de excluídos, e por isto mesmo ele faz tanto sucesso. Ele possibilita aos seus seguidores a oportunidade de se opor, de se revoltar, de fugir dos padrões, de ser diferente. Talvez seja isto o que há de mais apaixonante em ser metaleiro, e que quem não é nunca entenderá. Os metaleiros se deliciarão por se verem retratados com grande fidelidade nesta obra, e os leigos poderão apreciar um pouco do que se passa na mente de um metaleiro, mesmo que não entendam. Por tudo isto Metal pode ser considerado um filme obrigatório para todos.